Juego de Tronos, Conquista y rebelión: Una historia animada de los Siete Reinos

Hace más de un año que escribí algo por última vez, parecía que el blog había muerto y estaba condenado al olvido. Sin embargo, he decidido dar el paso para traeros una nueva recomendación, y al igual que hizo Fawkes en el despacho de Dumbledore, intentaremos que el blog resurja de sus cenizas, así quizás pueda inspirar a mis compañeros editores y ellos también volverán a la carga. 

Qué mejor forma de volver al blog que con una de las series favoritas de muchos, Juego de Tronos. Hace unos años ya publiqué la existencia de un documental similar narrado en forma de storyboards, La historia de Poniente, y que si aún no habéis visto y os apasiona todo lo concerniente a Los Siete Reinos, os animo a que lo veáis. El pasado mes de diciembre se publicó la séptima temporada de la serie en formato Blu-ray, y como viene siendo habitual, este formato incluye material adicional en forma de cortos de animación expandiendo la historia y el universo de este maravilloso mundo creado por George R.R. Martin. En este caso esos cortometrajes se combinan para formar Conquista y Rebelión, donde se nos contará como Aegon el Conquistador tomó posesión de Los Siete Reinos y la decadencia de una dinastía de 300 años hasta su caída.

Salad Fingers, una animación perturbadora

Hola a todos, antes de nada me gustaría pedir disculpas de parte de todo el equipo de Crónicas de Valhalla por este paréntesis editorial por el que estamos pasando, últimamente resulta complicado encontrar momentos para escribir o simplemente encontrar algo que merezca la pena recomendar. Dicho esto, hoy me gustaría compartir una miniserie de youtube que sin duda no será del gusto de todos. Salad Fingers es una webiserie creada en 2004, es perturbadora y puede que incluso macabra, que provocará rechazo a la mayoría de espectadores, pero que sin embargo, aún ante la sensación de malestar que puede provocar su visionado, yo no pude dejar de seguir las desventuras de este personajillo hasta acabar su metraje.

Dragon Ball perdura, pero...¿para bien?

¿Qué se puede decir de Dragon Ball que no esté dicho ya, para bien o para mal? Un mito para los de mi generación (nacido en el 84) y para muchas generaciones anteriores y posteriores más. Cuando veo a todos esos grupis y el fenómeno fan, me parto la caja a la vez que siento un intenso desprecio. Sin embargo, me pongo a pensar en mi yo niño y recuerdo que mi nivel de locura por Dragon Ball estaba pareja con estos fenómenos. Recuerdo cuando salió la película Fusión y mis amigos y yo encargamos a mi madre que la comprara. El tiempo de patio a la hora del comedor nos lo pasamos nerviosos y pendientes de la hora en que mi madre vienese. Hoy día ya no conservo la locura de aquellos tiempos, y miro la serie bajo una mirada más crítica. Pero no dejo de ser un enamorado de la serie y especialmente de Vegeta. Cuando parecía que la cosa ya se había calmado tras la emisión del bajo mi punto de vista sacrílego Dragon Ball GT, han vuelto a crear productos de la saga. Hay que añadir tres productos oficiales: las películas Dragon Ball Z, la Batalla de los Dioses y Dragon Ball, la Resurrección de F; y la serie Dragon Ball Super.

Del revés (Inside out)

Hablar de Pixar es sinónimo de calidad, no solo entretiene a los más pequeños con su diversión a raduales y el gran colorido de sus obras, sino que el público adulto también es capaz de disfrutar estas películas gracias a los diversos momentos emotivos y reflexivos tan típicos últimamente. Eso de ir al cine a ver una película de animación "para acompañar al niño/a" ya no se lleva, porque probablemente el adulto que va a ver una película de Pixar la disfrutará incluso más, al poder captar un trasfondo maduro que una mente joven aún no es capaz de apreciar. Este es el caso de Del revés, una joya para el disfrute del espectador de cualquier edad. 

Shokugeki no Soma, explosión de sabores

De un tiempo a esta parte están muy en boga los programas de cocina, como Pesadilla en la cocina, Crónicas carnívoras, Masterchef y muchos otros. Sin embargo, yo a lo que me he enganchado ha sido a una serie de animación japonesa (basada en el correspondiente manga) de esta misma temática: Shokugeki no Soma.

La historia está protagonizada por Yukihira Soma (o Souma), un joven japonés que trabaja en el restaurante de su padre, un restaurante pequeño pero con una clientela  muy fiel y abundante. Su motivación es superar las habilidades culinarias de su padre, con el cual cada poco tiempo compite; y su sueño regentar el restaurante. Es tal la competitividad de ambos que quieren ganar tanto con sus mejores platos como con sus mayores fracasos.

Cowboy Bebop, un final redondo

De un tiempo a esta parte se está produciendo una dinámica que creo que a la fin es un craso error. Me refiero al hecho de que una serie que parece que ya ha terminado, en muchas ocasiones con un final más que digno e incluso inolvidable, la estiran con nuevas temporadas aprovechando el éxito cosechado con el único fin imagino de recaudar más dinero. Un claro ejemplo es mencionado en un post por mi compañero Antonio Conde.

Sin embargo, es una práctica que detesto bastante. Es admirable y un ejemplo a seguir el gran Shinichiro Watanabe, autor de dos grandes series de ánime o animación japonesa: Samurai Champloo, y sobre todo una de mis series favoritas y el caso concreto del que quiero hablar: Cowboy Bebop.

Le tableau

En Le tableau hay tres clases sociales, los “Toupins”, los “Pafinis”y los "Reufs". Los primeros son altaneros, orgullosos de su condición y generosos despreciando a los que no pertenecen a su clase. Los segundos se encuentran en un estadio intermedio, donde solamente escasos detalles los separan del derecho por "nacimiento" de los acomodados. Y en la base de la escala los Reufs, los marginados, escasos trazos sin color y por tanto sin privilegios. Y es que todos ellos son en realidad personajes de un cuadro, le tableau en la lengua gala:  los Toupins, completamente pintados, los Pafinis, casi completos y los Reufs, simples bocetos.

Lo bueno, si breve...

Hace pocos meses ya publicamos un pequeño recopilatorio de cortos, y como bien decía nuestro Odín particular Luis, "el cortometraje es el formato que mejor se adapta a internet". Como consumidor compulsivo de megabytes del cyberespacio puedo asegurar que gusta la brevedad. Es habitual eso de "échale un ojo a este vídeo que te estoy pasando", pero como dure más de diez minutos muchas veces nos puede la pereza. Si las referencias y recomendaciones que la preceden no son de mucho peso, la grabación cae en el completo olvido. No es hasta que nuestro amig@ en cuestión viene a nuestra casa con el kit de extorsión psicológica (ese aparatucho que te engancha los párpados y te fuerza a tener los ojos abiertos...que yuyu) cuando acabamos viéndolo y dándole la razón a nuestro colega, aunque sea para que deje de torturarnos.

Descubrí el fantástico mundo de los cortometrajes hace muchos años, mientras veía una película de Disney en VHS. No recuerdo cual era (apostaría que era Aladdin porque no me cansaba de verla...ni me canso aún) pero lo que ocurrió fue que aparecieron los créditos y no le di al Stop. Me fui a hacer otras cosas y de repente escuche algo en la tele, me acerqué y me encontré con un simpático abuelete jugando al ajedrez en un parque. Fueron cinco breves minutos que me sacaron una sonrisa.

Desde entonces muchos han sido los cortometrajes que he tenido la suerte (o la desgracia) de ver, al igual que muchos habrán sido los que han pasado cerca rozando pero en ese momento no creí dignos de mi tiempo. Aquí os dejo una pequeña selección de mi recuerdo.

1. One minute Fly. Alemania (2008). Creado por Michael Reichert.

No hay mejor ser vivo del cual hacer un corto que "la mosca de un minuto de vida". Nunca se nos habrá ocurrido pensar lo que es vivir un periodo de tiempo tan corto, no tenemos tatuada nuestra fecha de caducidad y a menudo no vivimos tan intensamente como pudiéramos. Aquí nuestra amiga nos da una lección de como aprovechar el momento, y de como hacerlo eterno.

 

2. Cargo. Australia (2013). Guión de Yolanda Ramke.

Los zombies también han llegado a los filmes de corta duración. Esta fiebre mediática por imaginar un mundo post-apocaliptico nos deja la historia de un padre y su bebé, al que intentará salvar de las garras de los no-muertos a toda costa. El ingenio y el amor combinados en una situación crítica. Finalista este año en el festival australiano Tropfest.

 

3. Kiwi! Estados Unidos (2006). Creado por Dony Permedi.

Recomendado hace años por uno de lo integrantes de este magnífico equipo (Mariano), esta es la tierna historia de un kiwi. Como sabéis estas pequeñas aves no vuelan, los años de evolución las han dejado con sus extremidades superiores poco desarrolladas. Pero cuando tienes un sueño, debes luchar por el aunque se requiera toda una vida para conseguirlo. Momento estelar: cuando el kiwi aplaude su obra, muy simpático...y el desenlace...wait for it.

 

4. Little Man. Dinamarca (2006). Dirigido por Esben Tønnensen.

A Mathias, un niño danés, le ponen de deberes una redacción. El tema: lo que él quiera. Él decide escribir sobre lo que más le fascina de este mundo: las chicas. Nos acaba demostrando que en los países del norte nos sacan años de ventaja, ya desde pequeños. A su edad yo ni siquiera había empezado a jugar con los Pokemon, y a él miradlo, hecho todo un Casanova.

5. Banana. Estados Unidos (2010). Guión de Pierre Coffin.

Tengo una debilidad con estos bichejos. Sencillamente me descojono. Desde que los escuche decir "Toma, para tú. ¡Pupete!", no he podido dejar de reírme cada vez que veo un Minion. Este simpático spin-off de la pelicula Gru, mi villano favorito hace las veces de tentempié para lo que nos viene después con el film. Genial.

 Y para acabar, y pecando un poco por mentiroso, quiero dejaros aquí también un corto no tan corto, pero os prometo que merece la pena. El Circo de La Mariposa (2009) está constituido por una serie de personajes, que comandados por el Señor Méndez, recorre el país estadounidense durante los años de la Gran Depresión trayendo entretenimiento y alegría a los desolados parajes que visita. En su camino un día encuentran a Will, un hombre con un don. Sí, habéis leído bien, un don. Film de veinte minutos que nos enseña que los limites de la superación personal solo existen cuando tú mismo de los pones. "Cuanto más dura sea la lucha, más gloriosa será la victoria". Dirigido por Joshua Weigel, y protagonizado por Nick Vujicic, orador motivacional que recorre todo el mundo.

Y es así, en poco tiempo, como los cortos nos transmiten una idea, como no hacen vibrar de emoción, o como nos arrancan una sonrisa. Y al ser breves, nunca empachan, sino que siempre nos dejan con buen sabor de boca y ganas de más.

Y tú, ¿que corto has visto que te haya gustado? Compartelo con nosotros.

SrRorschach para Crónicas de Valhalla, Granada.

Fight at the Cave of Thieves

Hoy no voy a hablar de una película, ni de algún actor famoso. Esta vez quiero dedicar un espacio en nuestras Crónicas de Valhalla para hablar de un creador de animación que está tratando de hacerse un hueco en un mercado que está, para qué engañarnos, muy difícil. Su nombre es Pedro Alonso Pablos. Podéis ver parte de su trabajo en su canal de Youtube.

La mejor forma de que un creador de películas de animación hable es a través de sus obras, así que os dejo con el primer capítulo de su serie Untold Tales, que lleva por título Fight at the Cave of Thieves.


Pedro ha tenido la amabilidad de contestarme a algunas preguntas, así que nadie mejor que él mismo para hablar de sus trabajos. Aquí va la entrevista breve que le hemos hecho.

[Crónicas de Valhalla] En tu canal de Youtube se pueden ver varias creaciones de animación tuyas. ¿Cuánto tiempo llevas haciendo animaciones? Preséntate al mundo.

[Pedro Alonso] Siempre me ha gustado dibujar y he tenido una fascinación por los dibujos animados de cualquier tipo. Después, en mi adolescencia, desarrollé también una especie de 'sensibilidad musical' que me permite crear mis propias piezas musicales (y que se encuentran en mis animaciones). También hago juegos para ordenador (hay algunos en mi web), pero eso es otra historia. En definitiva, a mis treinta y pico años, y no sin esfuerzo, creo que estoy preparado para poder realizar todas las tareas necesarias para hacer una animación completa. Y eso es lo que hago.

[Crónicas de Valhalla] Fight at the Cave of Thieves es el primer episodio de la serie Untold Tales. ¿Ya sabes cuántos episodios tendrá o irás improvisando? ¿Cómo surge Untold Tales?

[Pedro Alonso] Después de iniciar algunas series de dibujos para niños, como Moshi o Cute World, presentes en Youtube, y con más o menos éxito, decidí hacer series para un público más adulto (el espectro de edades que engloba a los adolescentes y a los llamados 'jóvenes adultos', hasta 24 años). Así surgió, casi por casualidad, la serie Twisted, donde recreo cuentos clásicos occidentales en capítulos de 2 minutos, mudos y con música clásica compuesta por mí. Pero tras haber producido tres de ellos, me ha surgido la necesidad de contar mis propias historias, y Cuentos no contados es la solución a esa cuestión. Cuentos creados por mí, animados por mí y orquestados por mí. Ya tengo otros previstos, de momento es una serie abierta y no sé cuántos habrá. Pero me gustaría hacer en torno a 10.

[Crónicas de Valhalla]  Curiosamente, en Fight at the Cave of Thieves, el único que queda vivo y se lleva el botín es el ladrón que se va al baño un momento. Para mi gusto, esto le da un toque irónico a todo el capítulo. Parece casi una parodia de las viejas películas del oeste. ¿Qué me puedes decir sobre esto?

[Pedro Alonso] La idea de este capítulo es mostrar quién es el más listo de todos los ladrones y quién es el que queda vivo en un ámbito previsiblemente hostil, como es estar metido en una banda de forajidos en la que no sólo tienes que velar por lo que venga de fuera, sino que también tienes que vigilar a tus 'amigos'. Quizá, por acierto o no, irónica es la vida, al final sale ganando el que menos pensábamos. Esto es real como la vida misma y es lo que pasa en el capítulo.

[Crónicas de Valhalla]  Duda técnica: ¿Cuántas horas te ha llevado realizar el corto?

[Pedro Alonso] Este corto ha estado escondido desde mayo de 2012. Pero lo he sacado hace una semana. Obviamente no puedo decir que haya tardado un año en hacerlo; básicamente hay dos momentos: música y voces, y animación. Primero hago la pieza musical; después añado las voces, que me sirve para tener una estructura guionizada de la historia; y finalmente la animación. Para la música puedo tardar algunos días; para la voz otro y para la animación una semana. Luego lo dejo en remojo un tiempo y posteriormente arreglo pequeños detalles que me parece que quedan mal una vez se ha sedimentado la obra. En general este mecanismo es el que se usaba antaño para los capítulos de dibujos animados de Walt Disney, como bien ha comentado John Williams en su explicación del DVD de la película de Spielberg de Tintín; en ese pequeño discurso, John dice que usaron este método para el corto que abre la película de reciente estreno. Hoy en día la música es lo último que se añade.

[Crónicas de Valhalla] ¿Para cuándo la siguiente entrega de la serie?

[Pedro Alonso]  Pues justo hoy estoy preparando un tema que servirá como hilo musical del próximo capítulo, estará ambientado en una ciudad de la edad media y tendrá más puntos humorísticos, o eso espero.

[Crónicas de Valhalla] ¿Cómo ves la posibilidad de dedicarte profesionalmente al mundo de la animación?

[Pedro Alonso]  En la actualidad, además de realizar otras tareas ajenas al tema, hago animaciones y diseño en general para empresas. Así que este trabajo que hago me sirve de promoción para obtener encargos profesionales; por otro lado poco a poco estoy tratando de dar a conocer mi obra, y espero que a la larga la gente pueda apreciarla.


Desde Crónicas de Valhalla deseamos toda la suerte del mundo a Pedro Alonso.

Shin-chan Origins

¿Quién no conoce al pequeñajo cabezón de Shin-chan, ese entrañable crío de parvulario al que le gustan las mujeres mayores de 18 años más que a un tonto un lápiz, que enseña su "trompa" y que hace el baile del culo.

Por no hablar del elenco de personajes tan variados que aparecen en la serie, desde sus padres y posteriormente su hermana hasta un grupo de travestis que se hacen amigos suyos, pasando por sus compañeros de clase, su perro Nevado y una pareja de adolescentes pegajosos.

Esta serie cuyo autor es el tristemente fallecido Yoshito Usui llegó a lo más alto en todo el mundo gracias a su frescura y originalidad, y en japón probablemente ayudó también ese contraste del personaje caradura con el clásico carácter nipón cuya principal característica es la timidez.

Es cierto que la serie es muy fresca y original. ¿Pero es realmente tan TAN novedosa como creen algunos? Yo diría que no.

Probablemente las nuevas generaciones (no hablo de un partido político sino del año de nacimiento) no hayan podido disfrutar y ni siquiera conozcan otra serie que marcó enormemente mi infancia. Pero esa serie ya instauró un patrón en el que parece haberse inspirado la serie Shin-chan. Estoy hablando del legendario personaje Chicho Terremoto.

Bajito, cabezón, al que le encantan las mujeres (con el añadido de que adora las bragas, especialmente las blancas) y está enamorado de su compañera Rosita. Cierto es que a diferencia de Shin-chan que es un crío de parvulario, Chicho es un chaval de instituto pese a su apariencia, pero ese carácter descarado es compartido por ambos.

Otra semejanza que puede detectar cualquiera que haya visto ambas series es el hecho de que Shin-chan cuando compite contra alguien a cualquier cosa suele ganar, aunque en muchas ocasiones es por pura casualidad y chiripa. Chicho también tenía ese resultado por lo general en cualquier deporte que practicase, como por ejemplo baloncesto o ping pong, aunque es cierto que en el caso de éste se debía a su habilidad o a alguna táctica más o menos original que ideaba él mismo aprovechando su tamaño y sus características. Pero no acaba ahí la cosa, ya que en ambas series aparece un perro como personaje. Eso sí, bajo mi punto de vista gana por goleada el perro de Chicho Terremoto, el gran Boby. Boby es el rival en el amor por Rosita de Chicho, ya que también está enamorado de ella, y aunque con el resto de personajes no puede hablar, con Chicho sí habla, y sus rivalidades suelen conllevar muchas risas y momentos divertidos.

Había un recurso humorístico en la serie Chicho Terremoto que me encantaba, y es que cuando Chicho se ponía romántico y pretendía resultar seductor su cuerpo cambiaba (se supone que era el cómo se imaginaba a sí mismo) y se volvía alto y delgado y dejaba de ser cabezón. Este recurso creo haberlo visto también en el Dr. Slump, pero no puedo asegurarlo al 100%.

Creo que se ha notado de qué pie cojeo, ya que reconozco que a Chicho Terremoto le tengo un cariño especial, pero que conste que Shin-chan es también una gran serie, para algunos incluso mejor, y de la que también he podido disfrutar. También es verdad que me parece al menos en determinados capítulos más infantil Shin-chan que Chicho Terremoto, pero gente de cualquier edad puede disfrutar de ambas series.

Por tanto, yo diría que Chicho Terremoto podría considerarse el padre o el hermano mayor de Shin-chan, pero que ambas series tienen una gran frescura, y además pertenecen a épocas distintas, por lo que el éxito y la grandeza de ambas queda fuera de toda duda. Para quien no conozca Chicho Terremoto, le animo a que desde ya se ponga a verla, ya que no se arrepentirá. Para despedirme os pongo la canción de inicio de esta última, canción que no sé las veces que habré cantado de niño y de no tan niño, y que sigo cantando cuando el gusanito me muerde.


Un saludo a todos los lectores. Una última frase para acabar: ¡¡¡TRES PUNTOS COLEGA!!!

Monstruos University

Mike y Sulley, Sulley y Mike. Doce años han tenido que pasar para volver a ver en pantalla a la entrañable pareja de Monstruos S.A. Uno de los títulos destinados a ocupar a lo largo del tiempo un lugar entre los clásicos de la animación. Un filme encantador difícilmente superable. Es lógico por tanto que ante una creación de esa altura surjan las dudas: ¿Estará esta nueva entrega a la altura? ¿Habrá merecido la pena la espera?

Por una parte, el hecho de que sea una presecuela le da la oportunidad de reescribir a los personajes. Situarlos en su época universitaria le brinda la ventaja de jugar con un ambiente completamente nuevo. Además, como buena producción estadounidense, esta universidad cumplirá con los tópicos made in USA de la excelencia y la ambición.


Toda esta atmósfera hace de la cinta una especie de simpática parodia del mundo estudiantil en la época de la facultad. Eso sí, al toque familiar, para excesos picantes acudir al cajón de las mil películas estilo American pie.

A parte, y haciendo gala del poderío Pixar no faltan la recreación de impecables escenarios con todo lujo de detalles, el espectacular colorido y la presencia de trepidantes escenas de acción y velocidad.

Además, y como no podía ser de otra forma, también hay hueco para bromas y situaciones de comedia (en especial las relacionadas con Squishy, las mejores para mi gusto). Asimismo, y siguiendo la tónica de fábula moral de estilo Disney, también hay mucha dosis de mensaje para los peques: las ventajas del trabajo en equipo, la necesidad de humildad o los resultados de la perseverancia. Otro argumento más para que los papis lleven a la prole al cine.

Sin embargo, y aunque las anteriores pueden considerarse suficientes razones, se podría decir que le falta lo más importante: corazón.Y es que aunque de algún modo lo intenta, carece de esa dulzura tan bien representada por boo y su ¡gatito! En esta entrega se echa de menos ese toque tierno que emociona y que tan bien habían conseguido plasmar en otros títulos.

A pesar de todo, no deja de resultar recomendable para ponerse delante de la pantalla y desconectar del mundo. Una buena forma de ponerle más color al día y salir con una sonrisa del cine.

Shôjo: anime para chicas.

No soy una experta en manga, ni mucho menos, mi único contacto con el género es algún libro de ‘Candy, Candy’ de mi infancia que aun ronda por mi casa, por ello en primer lugar, pedir disculpas de antemano a los puristas y auténticos entendidos en la materia por si las opiniones vertidas a continuación pueden herir sensibilidades, pero no son más que eso, opiniones personales. Me animo a escribir este post por culpa de mi compañero Tino que hace unos días escribió en estas páginas sobre ‘Dragon Ball’,  lo cual ocasionó en mí un ataque de nostalgia que me llevo a rememorar los animes que realmente me marcaron, y los cuales he vuelto a visionar en estos días. Este tipo de series se enmarca dentro de la categoría shôjo que va destinada al público femenino, aunque no discrimina al género masculino, pero el romance y la ñoñería sobresale por encima de las peleas. Con el revisionado de estas he conseguido reafirmarme en mis convicciones, creo que siguen aguantando el paso del tiempo, las historias me siguen emocionando como antaño (bueno estoy exagerando un poco, ahora no me han emocionado tanto porque ya no contaba con el elemento sorpresa), y por ello paso a recomendaros los animes que me llegaron a la patata.

En primer lugar, y una vez más dando claras muestras de mi falta de madurez voy a recomendar ‘Sailor Moon’, porque pasé muchas mañanas frente al televisor desayunando pendiente de las aventuras de Serena, que “luchaba por el amor y la justicia”, con esas eternas transformaciones, y su obsesión por Armando/Señor del Antifaz . Se puede decir que ‘Sailor Moon’ es la serie ‘magical girls’ por antonomasia, y por ello marcó estilo. Además fue una de las más largas, tiene 5 temporadas y un total de 200 capítulos, los cuales una servidora se ha vuelto a ver, me ha sobrado la última temporada enterita, no había necesidad ninguna de recordarla. Pero admito que lo he pasado muy bien a la hora del visionado, porque he jugado con el doblaje de España y de Latinoamérica, y la cosa cambia, y mucho. El motivo es que la serie puede tener ciertos aspectos controvertidos, algunos pueden no considerarla apta para un público infantil. Existen algunos personajes homosexuales, otros transexuales y otros no se sabe muy bien qué son, por lo que a la hora de doblarlos intentaron disimularlo; y los que en un país son tío y sobrino, en otro  son enamorados; y quien en un país es una mujer, en otro es un hombre; tal jaleo de personajes, lo hace a mí parecer bastante divertido. Por cierto, quiero hacer un anuncio para fanáticos, se está produciendo una nueva versión que se estrenará este mismo año, por lo que ya os podéis ir haciendo las dos coletas y preparar el traje de colegiala/marinerita sexy.



‘Marmalade Boy: La Familia Crece’, esto sí que era un culebrón en toda regla, aquí no había ni magia, ni lucha, ni guerreros, ni nada por el estilo, solo un chico y una chica que luchan por su amor. Qué tardes más buenas me hicieron pasar a mí al regresar del instituto Miki y Yuu  con sus vicisitudes. La historia tiene miga, resumiendo: va de dos matrimonios que deciden intercambiarse las parejas e irse a vivir todos juntos a la misma casa con los hijos incluidos, un chico y una chica adolescente (Yuu y Miki), que al final, cómo no, acaban enamorándose. La serie cuenta con 76 episodios, de lo más melodramático, ñoños, románticos,… vamos, que se ve sola, es todo lo que una chica adolescente podría desear (puestos a avergonzarme del todo, confieso que cuando esta serie se emitió en España mi adolescencia estaba llegando a su fin). Aquí tenéis una pequeña muestra.


La siguiente que os recomiendo es ‘Fushigi Yugi: El Juego Misterioso’, probablemente sea mi favorita, porque aunque es un shôjo tiene también algo de shônen (manga dirigido a chicos), cuenta con mucha acción y grandes dosis de humor, lo que hace que se considere para público femenino es la parte del romance y que la protagonista es una chica, un poco torpe al principio, glotona, pero que al final saca su carácter y su valentía. Es una mezcla entre ‘La Historia Interminable’ y ‘Sailor Moon’ (pero más madura que esta última). Os resumo el argumento: dos amigas, Miaka y Yui, encuentran un libro antiguo llamado ‘El Universo de los Cuatro Dioses’, con la peculiaridad de que es mágico, y al comenzar a leerlo se ven atrapadas dentro, convirtiéndose ambas en la reencarnación de dos sacerdotisas, Miaka del dios Suzaku y Yui del dios Seiryu; el problema es que el destino de ambas es ser enemigas y acaban enamoradas del mismo hombre una de las estrellas que es guardián de Miaka, Tamahome. La serie es muy entretenida, para mí (llega el momento donde paso a aumentar mi lista de enemigos) es mucho más divertida que 'Dragon Ball', principalmente porque no cuenta con esas batallas interminables. El anime tiene 52 episodios más tres ovas, luego la historia es bastante completita, sin hacerse demasiado pesada.


Mi última recomendación es la 'Ranma ½', este anime lo estoy volviendo a ver en estos momentos, y es sin duda el más divertido de todos. Primero decir que sé que 'Ranma ½'  no es considerado shôjo, sino shônen, pero en este caso yo creo que la diferencia es una delgada línea si tenemos en cuenta que el protagonista aunque es un hombre se transforma en mujer al contacto con el agua fría, además veo que tiene características similares con Fushigi, pero no deja de ser una apreciación personal y no quiero polemizar. Es una serie muy conocida, pero por si alguien está perdido la cosa va de maldiciones; casi todo el mundo sufre una porque se cayó a un lago donde se ahogó alguien, ejemplo: el protagonista, Ranma, cae al ‘lago de la chica ahogada’ y se convierte en chica al contacto con el agua fría, para invertir el proceso tiene que entrar en contacto con el agua caliente; por otro lado su padre, Genma, cae al ‘lago del panda’ y se convierte en panda; Ryoga, cae donde el cerdo ahogado y se convierte en cerdito,… con este argumento os podéis imaginar la cantidad de situaciones absurdas y tramas inverosímiles que surgen a lo largo de toda la historia, lo que acompañado con las artes marciales hace que sea, a mi parecer, uno de los animes imprescindibles. 



Lo malo de volver a visionar estas series es que me ha entrado hambre de anime, y he buscado más para saciarme, pero he llegado a la conclusión de que el actual no me gusta (pienso que es muy malo, pero tampoco quiero ofender a nadie). Las historias me parecen absurdas; el diseño de los dibujos tampoco es de mi agrado, yo prefiero esas figuras estilizadas con piernas largas, labios finos  y que apenas tenían nariz; ahora los dibujos tienen narices alargadas y labios gruesos que parecen siliconados, por no hablar de los que son canijos y cabezones. Considero pues, que el mejor anime se hizo en la década de los 90, a finales de los 80 ya había buenas historias pero en los 90 se encumbró el género. Es una pena que no se recupere el espíritu de esos años porque realmente conseguían tenernos a todos pegados frente al televisor. Aunque sigo buscando series que me sorprendan, acepto sugerencias, puesto que no es un campo que domine.

Las Tragedias Minúsculas

La Rutina Diaria, ese hábito adquirido de hacer las cosas sin pensarlas, ese tener organizado el día a día. Tan tranquilizador para algunos, ya que no les obliga a pensar, tan inquietante para otros, ya que sienten que se asfixian en un bucle del que no encuentran el camino para salir. Dicen los segundos de los primeros que el mayor peligro de esa rutina es que cualquier evento fuera de la misma les causa zozobra, que viven en un mundo interior en el que los hechos dejan de ser simples sucesos para convertirse en tragedias, en tragedias minúsculas.

Las Tragedias Minúsculas es una serie de diez cortos escritos y dirigidos por los franceses Alain Gagnol y Jean-Loup Felicioli, que abordan temas de la vida cotidiana, comunes a todos, con toques de paranoia, oscuridad, pasión, desconfianza. Tragedias porque en ellos se muestran situaciones angustiantes e inquietantes a las que tiene que enfrentarse el ser humano y minúsculas porque nos cuentan problemas pequeños que de forma incosciente convertimos en pequeñas tragedias y que pueden llegar a suponer grandes frustraciones.

Guiados por la voz narradora de los pensamientos del personaje principal, en cada corto entramos en un análisis de una situación tan cotidiana como puede ser la pérdida de un calcetín o un cuchillo que no está colocado correctamente y que desde un monólogo interior, desde su realidad interior, analiza,  siente y sufre.

Serie de dibujos expresivos, ojos saltones, narices puntiagudas, de marcadas curvas que indican el vacío interior, de sombras y luces que matizan, complementan y reflejan la realidad interna del ser humano y que nos invita a reflexionar sobre nuestros problemas diarios, esos que nos angustian tanto y que incoscientemente nosotros convertimos en importantes. Además la voz principal con una cuidada expresividad en su entonación y la música que acompaña cada escena consiguen crear una conexión con aquel que se encuentra al otro lado de la pantalla, llegando incluso a empatizar con la angustia que se expresa.

Y tú, ¿ a cuántas tragedias minúsculas te has enfrentado hoy? Piensa bien la respuesta, tal vez algún día te arrepientas de haber gastado tanto tiempo en cosas que no lo merecían, tal vez algún día la vida te golpee tan fuerte con un problema que todo lo anterior pasará a ser sólo eso, una maldita tragedia minúscula.

Nos vemos en la próxima entrada, hasta entonces... ¡¡¡¡ SONRÍAN!!!!!

Dragon Ball Z: La Batalla de los Dioses

Uno se va haciendo mayor. El tiempo corre sin remedio y las canas van apareciendo. Sin embargo hay recuerdos y momentos de la infancia que nos acompañarán toda la vida. Entre ellos el recuerdo de algunas series. A mí una de las que más me ha marcado, así como a muchos contemporáneos a mi generación, es la inigualable y eterna Dragon Ball. ¿Quién no ha hecho el gesto de realizar un Kame hame ha?

Desde que inicié mi periplo en Crónicas de Valhalla consideré un pecado que una serie de éste calibre y que ha marcado la infancia de tantos y tantos niños y no tan niños careciese de un post que hablase sobre ella. Pero claro, tampoco se trataba de una serie de actualidad precisamente, y no encontraba el momento de mentarla. Afortudamente el próximo lanzamiento de una nueva película me ha dado la excusa que necesitaba.

La película en cuestión bajo el título Dragon Ball: La Batalla de los Dioses (Dragon Ball Z: Kami to Kami) nos sitúa en un momento cronológico posterior a la batalla contra Majin Buu y anterior a esa bazofia que nunca debió existir conocida como Dragon Ball GT.

¿Cuál es el argumento de la misma? Es difícil resumir el argumento sin desvelar información relevante. A mí me gusta ver ciertas películas sin conocer nada del argumento. Quien conozca la serie (que seréis la mayoría) se imaginará fácilmente lo que va a pasar. Al igual que en el resto de películas de Dragon Ball Z, se vuelve a seguir el patrón "Aparece un enemigo poderoso que amenaza la paz de la humanidad. Goku y sus amigos luchan juntos para vencer al enemigo. Salvan la Tierra."

Lo que cambian entre película y película (salvo excepciones) son matices, un poco el trasfondo y quién o quiénes y cómo derrotan al enemigo. No quiero como digo destriparos detalles importantes, así que quien prefiera verla desde la ignorancia argumental mejor que deje de leer. Lo único que creo que hasta en el fondo del mar se han enterado es que el enemigo esta vez es un dios de la destrucción llamado Bills que despierta de su letargo tras llegar a sus oídos noticias del gran poder de Goku así como de sus proezas en la lucha.

Como curiosidades de la historia que han llegado a mis oídos diré que en esta ocasión va a ser imprescindible la participación de nada menos que 6 Saiyans, aunque de un modo de lo más curioso, del que tendréis que ver la película para conocer (o leer resúmenes que os lo destripen como he hecho yo...ojalá pudiera volver atrás en el tiempo con la máquina de Trunks pero olvidando lo vivido). Habrán sorpresas como una nueva transformación de esta raza de formidables guerreros. Además, para los fans de Vegeta entre los que me incluyo, se rumorea que quizás por fin veremos a nuestro personaje favorito alcanzar la transformación de Supersaiyan 3, lo que hasta ahora era inédito (excepto en videojuego) y a mí al menos los fans de Goku siempre me han restregado para defender que Goku es mejor. Aunque creo que se trata de información falsa, sigo pensando que Vegeta es el mejor de la serie. Para los más nostálgicos que recuerden Dragon Ball de cuando Goku era un niño, comentaré que aparecerán personajes carismáticos de esa época como son Pilaf y sus secuaces, aunque desconozco si tendrán mucha o poca relevancia (me inclino por poca).

Podría contaros más cosas pero prefiero que sean sorpresa y que podáis disfrutar de la película de una mejor manera, y con ello despertar vuestra curiosidad y vuestras ganas de verla. Eso sí, os dejaré algunos trailers para abriros el apetito. A mí ya se me hace la boca agua pensando en su estreno en Japón el 30 de marzo.

Trailer 1:


Trailer 2:


Que las 7 bolas del dragón hagan vuestro deseo realidad.

Colorful (2010)

Hoy voy a hablaros de otra obra de animación. Después de haberos acercado el corto de animación que ha terminado llevándose el Oscar en su categoría, quiero presentaros en esta ocasión un largometraje de animación que me ha sorprendido por su seriedad y los temas tan adultos que trata: Colorful.


De origen japonés, como tantas otras obras de animación, Colorful nos pone en la piel, o más bien en el alma, de un espíritu. Éste espíritu se encuentra en el más allá, en una especie de limbo o lugar de tránsito. Allí le toca una especie de lotería. Su premio, regresar al mundo de los vivos. Pero no todo es tan sencillo, ya que por un lado le borrarán la memoria; por otro, su alma revivirá en el cuerpo de Kobayashi Makoto, un adolescente que se ha suicidado. Además, tendrá que descubrir cosas de su vida pasada mientras intenta integrarse en su nueva vida.

Por supuesto, la nueva familia enseguida notará extraño el comportamiento de su "recuperado" hijo. Por suerte para él, no estará sólo. Tendrá un guía espiritual al que él considera un ángel. Éste guía será un personaje de lo más curioso, ya que tendrá el cuerpo de un niño, y su comportamiento alternará entre el aspecto que tiene (niño) y el de un padre que alecciona a su hijo.

Temas como el acoso escolar, el adulterio, la prostitución, el suicidio, la falta de comunicación familiar, todos temas serios y desgraciadamente de actualidad serán tratados con mucho tacto en Colorful. Todo ello con una animación excelente, combinando unos paisajes y fondos que parecen casi fotografías con un diseño de personajes bastante realista pero que al mismo tiempo se destaca de estos fondos que parecen de acuarela.

Os dejo el trailer de la pelicula en VOSE, pero comentándoos que podéis disfrutar de la película doblada al castellano.


Como digo, una película que trata interesantes temas de un modo muy atractivo, una película que hará las delicias de los amantes de la animación y de los que no lo son tanto. Creo que nadie o casi nadie se arrepentirá de verla. Una de esas películas que te deja pensando en lo que se ha visto una vez aparecen los créditos en pantalla.

- En éste mundo y en el más allá, tanto las personas como los ángeles, todos somos raros. Estar hecho un lío, o volverse loco es lo más normal.

- ¿Entonces no soy la única que a veces tiene la necesidad de ser cruel?

- Eso nos pasa a todos, a todo el mundo. La gente no se compone de un sólo color sino de muchos diferentes. No hay nada de malo en eso. Colores bonitos y colores feos.

Paperman, cortometraje Disney (2012)

Todos conocemos las grandes obras de animación de Disney. A unos nos gustarán más y a otros menos. Desde los clásicos como La Bella Durmiente hasta las grandes producciones de nuestros días con Enredados, pasando por Mulan y otras películas de alto calibre. Siempre ha estado la compañía en lo más alto de la animación.

Disney también produce algunas películas con actores de carne y hueso, algunas de ellas de gran calidad. A mí personalmente me encanta la de El príncipe de Persia. Un peliculón de bandera.

Otra faceta en la que trabaja la compañía es en los cortos de animación, lo que yo considero la base de las grandes producciones. Uno de los últimos cortos de animación que Disney ha realizado se titula Paperman. Mi motivación para escribir éste post es el presentaros dicho corto para que podáis disfrutarlo vosotros también. Dejando a un lado el hecho de que está nominado tanto en los Premios Annie como en los Oscar a mejor cortometraje animado, os daré un dato que es todavía más relevante para convenceros de verlo: yo lo he visto y me ha molado un montón. Con un estilo sobrio pero elegante, y realizada en blanco y negro para dar una mayor ambientación a la época.

La historia, dirigida por John Kahrs, y ambientada en la Nueva York de los años 40, nos muestra una breve (por algo es un corto) pero emotiva historia de amor, en la que vemos cómo dos personas enamoradas a primera vista pero separadas por la distancia conseguirán, gracias a la fuerza del amor que toma la forma de avioncitos de papel, vencer la distancia.

Bueno, sin más dilación os pongo a continuación el corto:

Espero que lo hayáis disfrutado como yo lo hice y que os haya dejado un buen sabor de boca. Un saludo desde Crónicas de Valhalla.

Pesadilla antes de Navidad

En estos días de guirnaldas, luces y polvorones aprovechemos para poner un toque de fantasía a la tradición.

Érase una vez hace mucho tiempo

es posible que en sueños hayáis visto el lugar

pues la historia tremenda que os voy a contar

ocurrió cuando el mundo era antiguo.

Seguro que os habéis preguntado ¿las fiestas de dónde salieron?

Si no ahora vais a saber lo que fueron.

Vamos a conocer una divertida versión del origen de las fiestas y para ello empecemos un viaje. La primera parada será la ciudad de Halloween. Allí los vecinos son, entre otros, vampiros, brujas y monstruos que viven en armonía preparando año tras año y día tras día el momento que da sentido a sus vidas, la fiesta del 31 de octubre.

En toda esta gótica algarabía se destaca el maestro de ceremonias, el admirado y respetado Jack Skellington que diseña la celebración y asigna el papel de cada uno de los siniestros habitantes. Sin embargo, a diferencia de sus satisfechos compañeros, este personaje sufre los estragos de la rutina, incluso en el mundo de la fantasía. Se encuentra hastiado de la monotonía en la que se ha convertido su vida y se siente vacío, sin ilusión, sin metas.

Esta crisis existencial le hará vagar y acabar en un lugar sorprendente, las tierras remotas. Éste es un claro en el bosque con árboles que representan los portales al resto de las ciudades de festividades. Todos son una novedad para nuestro personaje pero uno le atrae especialmente, aquel con un abeto decorado en su puerta. Un golpe de aire y ¡pam! Un salto al estilo Alicia en el país de las maravillas y Jack aparece en la ciudad de la Navidad. Allí encontrará un mundo nuevo opuesto al propio que le devolverá el cosquilleo de la curiosidad y la ilusión.

Este coqueteo con un universo desconocido le hará replantearse su futuro y desencadenará un sinfín de cambios en la ciudad de Halloween.

Si todavía no habéis tenido la suerte de disfrutar de esta película o si la última vez que la visteis seguíais yendo al colegio, prefiero que el resto de la historia sea una sorpresa, como abrir un regalo de Papá Noel (por si ha pasado de largo esta noche).

Esta obra de estilo stop motion y basada en un poema de Tim Burton (que no dirigida por él) esconde, detrás de personajes de fantasía, diferentes sentimientos con los que nos podemos sentir identificados alguna vez en nuestras vidas y que le dan ese matiz de madurez para que la película llegue a un público de todas las edades. Además de guardar una dosis de optimismo, que nunca está de más. Espero que se convierta en una excusa para ver con los mismos ojos de adulto pero, esta vez, con el corazón y la ilusión de un niño.
                                   
                                      ¡Feliz Navidad!

El Castillo Ambulante

Cuando recuerdo las películas de animación clásicas y no tan clásicas de Disney, pienso que al contrario de lo que luego pretenden vender, dan una gran importancia a la belleza exterior y apariencia física. Blancanieves, la Cenicienta, la BELLA durmiente; todos unos bellezones de cuidado. Blancanieves especialmente, la bruja le coge manía porque es la mujer más bella del reino. Se supone que también son buenas personas y almas caritativas, pero lo cortés no quita lo valiente. De los príncipes prefiero no hablar que he desayunado hace poco y no quiero que se me revuelva el estómago.

Sin embargo hay una película de animación que hace mayor hincapié en la energía y las ganas de vivir de la protagonista en lugar de en su belleza física. Se trata de El Castillo Ambulante (Howl's moving castle en inglés), basada en la novela de la autora británica Diana Wynne Jones. El hecho de que Studio Ghibli sea responsable de la película ya hace pensar que va a ser una buena película.

Esta maravilla visual nos narra el periplo de una tímida, humilde y trabajadora chica llamada Sophie, que debido a la buena o mala fortuna de cruzarse por casualidad con el famoso y temido mago Howl, sufre el hechizo de una bruja que desea fervientemente ganarse el amor o corazón del brujo. Éste hechizo o maldición transforma a nuestra protagonista en una anciana, con todo lo que ello conlleva.

Debido a su transformación, Sophie debe huir de su vivienda y lugar de trabajo, una sombrerería. En su forzado viaje se cruza no por casualidad con un castillo con patas que se desplaza mágicamente. Resulta que el morador del mismo no es otro que Howl, que debido a su aspecto de anciana no reconocerá a Sophie.

Además de la envidia, los celos y por supuesto el amor; El Castillo Ambulante trata las ganas de vivir y el optimismo ante la adversidad como uno de sus principales temas. Sophie, a pesar de su terrible maldición no se hundirá en el desánimo, sinó que tendrá unas ganas de luchar por seguir adelante y por vivir que harán que su apariencia de anciana vaya menguando, y por contra irá recuperando su juventud y belleza natural.

Pero no sólo de pan vive el hombre, ni el Castillo Ambulante vive únicamente de Sophie. El propio Howl tendrá problemas reales y morales contra los que luchar, además de haber un elenco de personajes tan dispares como carismáticas. Un espantapájaros al que Sophie ayuda en su viaje y que por tanto se siente en deuda con la chica a la que trata de ayudar (no, no hay león ni hombre de hojalata); Calcifer, un demonio de fuego con una personalidad irónica y difícil, encargado de dar vida al castillo de Howl; un joven discípulo de Howl; la Bruja del Páramo, culpable de la maldición de Sophie; y muchos más.

En resumidas cuentas, una película de enorme belleza visual y narrativa que además defiende unos valores positivos que ojalá la juventud de hoy aprendiera. ¡Chúpate esa Disney!

Para terminar os dejo con la magnífica y relajante banda sonora de la película:


Nota: Hay muchas películas actuales de Disney que me encantan, como Enredados (de animación) o El Príncipe de Persia (actores reales).

Arrugas

Dicen las malas lenguas que a Almodóvar le sentó peor perder el Goya al mejor guión adaptado, frente a Arrugas, que el de mejor película o mejor director. Según parece, era un premio con el que contaba casi seguro. Nunca, hasta este año, un Goya al mejor guión adaptado había sido concedido a una película de animación, pero Arrugas, dirigida por Ignacio Ferreras, y basada en un cómic de Paco Roca, rompió la tradición y se llevó los honores del premio. Y honores bien merecidos.

La película es una fiel traslación cinematográfica del genial cómic de Paco Roca, con las adaptaciones que exige el medio. Una película de contrastes, de extremos, donde se nos empuja tanto a la risa como a la lágrima, una delicia con el amargo sabor del realismo, de los años finales, sin tabúes, sin eufemismos. Dura, genial y real. Brillante.

Arrugas nos sumerge en la vida de Emilio justo cuando su familia decide ingresarlo en una residencia de ancianos. La historia nos lleva a vivir junto al protagonista, con síntomas de Alzheimer en las primeras fases de la enfermedad, el día a día de una institución geriátrica, descrita con un realismo que nos congela la sangre, que nos hiela el corazón y el ánimo por su crudeza bañada de ternura y sentido del humor. Que el espectador no empatice con Emilio es prácticamente imposible, tal vez porque, en cierto modo, sabemos que el nuestro no será un destino muy distinto al que Paco Roca nos muestra, tal vez porque precisamente el autor hace un esfuerzo titánico por conseguir que sus dibujos tengan más humanidad que algunas (demasiadas) personas.

Hablar del cómic es hablar de la película, y hablar de la película es hablar del cómic: un guión que comienza sobresaliente y asciende hasta límites extraordinarios. Bravo. Bravo por conseguir que "una de dibujos" parezca tan real como las demás. Bravo por escapar del eufemismo y contar la realidad tal y como es. Bravo por la valentía de afrontar de cara una enfermedad que, tal vez por su dureza, parece que queremos olvidar. Y de eso se trata precisamente, del olvido.

Recomendación: leer el cómic, ver la película. Guardar ambos con el cariño que merecen. Una gran obra.

Persépolis (2007), otra forma de contar

Llega el fundido en negro y... fin. ¿Fin? No, al menos no del todo. Y es que ésta es una de esas películas que para mí continúan por encima de sus minutos de duración. De esas que se me aparecen en fogonazos después de haberlas visto (si esto me pasa con una peli ya la tengo que recomendar) y es que mi mente se mantiene aferrada a ellas a sabiendas de que hay material para reflexionar.

Esto se debe a esa temática áspera que aborda, temas agrios como la opresión causada por un régimen fundamentalista islámico, las pérdidas sufridas en un ambiente bélico o el rechazo social.

Ahora bien, lo que hace esta película especial y diferente es precisamente la forma que tiene de contarlo. Y es que se trata de un filme de animación basado en un cómic autobiográfico, el elaborado por Marjane Satrapi. (Editado en España por Norma Editorial y muy recomendable si disfrutas de la lectura). La autora, con simples trazos, consigue esbozar los rasgos de la sociedad iraní de hace unas décadas y al hacerlo desde dentro obtiene fuerza y autenticidad.

Por otra parte, algo a remarcar es la frescura y originalidad con la que se aborda todo y los diálogos que en más de una ocasión me arrancaron una sonrisa, cuanto menos.



La trama comienza con la infancia de la protagonista, Marji, que coincide con la revolución iraní de 1979, cuando la población se moviliza para luchar contra las injusticias que sufren por el regente del momento. El tiempo pasará y se reflejarán las consecuencias de esos cambios políticos en las vidas del pueblo que lejos de obtener esa anhelada libertad se ven sumergidos en una estricta represión, especialmente severa con el sector femenino. Ante esta situación Marji se ve forzada a emigrar a Europa, aunque allí no dejará de encontrar otras eventualidades.

Marji, una niña con inquietudes, irá experimentando con el mundo que le rodea a la par que crece y nos hará descubrir con sus alegrías e infortunios que podemos tener mucho en común con una cultura aparentemente tan distinta y tan distante.

Si tienes curiosidad por comprender otras culturas y su historia, o simplemente disfrutar de una buena película, ésta es una de esas obras que deberías tener en cuenta.