El arte en Nocturnal Animals

Hace algunos años una amiga me dijo que las inauguraciones estaban muertas. Era una sentencia del tipo punk is dead, cruda pero real. Recientemente he visto una película que refleja esta idea, Nocturnal Animals, una producción de Focus Features.
El film comienza con el oppening de una exposición cuyas obras son enormes cuadros animados, al estilo de los que decoran el Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería en Harry Potter. Glamurosas mujeres obesas muestran su desnudez mórbida mientras bailan de manera sensual. Pero el espectáculo carece de glamour y sensualidad, es una contradicción en la que el espectador queda atrapado de entrada.

Un día perfecto

¿Acaso el agua no se convierte en pura delicia cuando fluye por nuestra garganta para saciar la sed o cuando resbala por nuestro cuerpo en un día caluroso? ¿No es un tesoro esencial para la vida y, por tanto, un bien por el que merece la pena cualquier esfuerzo?

Esa lógica es la que mueve al grupo de cooperantes protagonista de Un día perfecto a recurrir a todos sus medios para recuperar el pozo que abastece a una población rural. Una historia de personas con un encanto especial, contada con sencillez pero con gusto.

Nightcrawler

- Disculpe, ¿esto saldrá en la tele?

- En las noticias de la mañana, ¡la sangre vende!

- ¿En qué canal?

- En el que mejor pague.

Con este pequeño diálogo se puede captar la esencia de Nightcrawler, de una criatura nocturna en busca de sangre que filmar y vender a la hambrienta televisión. Un habitante más de Los Ángeles cuya desagradable vocación hará que lo que empieza como un intento de profesión pase a ocupar el

centro de su mundo. Una evolución que le llevará a deshacerse de cualquier empatía humana para transformarse en un animal exclusivamente dedicado a la persecución del éxito mediático.

30 días de oscuridad

No se me ocurre mejor forma de empezar que diciendo que si eres fan de las películas de vampiros, a las que ya dedicamos un especial en el blog, 30 días de oscuridad (30 days of night, 2007) sencillamente te gustará. Mucho. Vale que no es una GRAN película, pero sí es una película muy disfrutable, bien contada y con una genial caracterización de los "chupasangres". Esto último me ha parecido seguramente una de sus mejores virtudes. Estos vampiros dan miedo sólo de verlos; son salvajes, despiadados y terroríficos, lejos de la clásica figura de señores victorianos, con coleta y colmillos postizos o los adolescentes guaperas de tez pálida que puede encontrar uno en la saga Crepúsculo.

MAPA DE LAS ESTRELLAS Fuego, incesto y esquizofrenia.

Mapa de las Estrellas es una despiadada radiografía del Hollywood mas tóxico y miserable. Aunque como el propio Cronenberg ha señalado, podría ir sobre cualquier sitio en el que la mentira sea la realidad y la gente este desesperada y enloquecida de ambición.

La película es un drama psicologico con elementos de tragedia Griega. Los personajes parecen condenados desde su nacimiento por el hecho de haber sido concebidos.

Birdman

Como espectadores, todos en mayor o menor medida, hemos sufrido en nuestras carnes el continuo goteo de títulos comerciales vacíos creados por la industria cinematográfica con el único propósito de hacer caja. En esta ocasión, el director Alejandro González Iñárritu (Amores perros, 21 gramos o Babel) nos muestra su particular punto de vista al respecto brindándonos la oportunidad de vivir el cine más real desde dentro, en primera persona, entendiendo la angustia de un actor venido a menos y el peso que un personaje atrapado en el pasado puede ejercer sobre su vida.
La cámara, utilizada como prolongación del propio espectador, nos introduce en los pasillos y camerinos de un teatro en pleno Broadway donde Riggan Thompson (Michael Keaton), antigua estrella por su papel de Birdman (un superhéroe trasnochado), apuesta todo lo que le queda al que cree ser su caballo ganador: una obra de teatro de Raymond Carver cuya representación en su niñez marcó su vocación profesional.

And the Oscar goes to… (87 edición)

Un año más, llegó la gran noche de los premios del cine. Sí, del cine americano, lo sé. Pero, nos guste más o nos guste menos, la ceremonia de las estatuillas doradas se convierte, en cada edición, en el referente mundial. Y no sólo en lo que respecta al cine – al fin y al cabo, de eso se trata -, sino que otros aspectos a priori más secundarios a veces casi llegan a nublar el auténtico motivo por el que se celebra la gala. Prueba de ello es su obligada alfombra roja, casi más comentada que la entrega de premios en sí, y que cada año se convierte en un escaparate para diseñadores y estrellas que parecen pugnar por llamar la atención, para bien o para mal. Lo que sea, mientras hablen de uno. 

The Black List: ¿Quieres ser guionista de Hollywood?

Hace varios años, y por puro interés propio, Franklin Leonard (en ese momento ejecutivo de desarrollo en una compañía productora) comenzó el proyecto The Black List. Abrumado en el trabajo por la cantidad de guiones que se escriben anualmente y con la intención de aprovechar la lectura en las vacaciones, decidió probar una nueva técnica revolucionaria.

Grandes fragmentos de música clásica en el cine

Cine y música, música y cine. Dos formas de arte que constantemente se dan la mano para ofrecer un espectáculo más completo, uno que satisfaga tanto el oído como la vista. Este matrimonio que normalmente mejora el resultado final llega en ocasiones a unirse con más fuerza para dejar una huella que no sufre el paso del tiempo, ya sea con melodías que inmediatamente evocan a la película o con escenas que junto al acompañamiento musical se vuelven espectaculares.

Dentro de ese conjunto, resultan destacables las parejas compuestas por cine y música clásica y por ello estas piezas se convertirán en el eje central del post.

Interstellar. El último trampantojo de los Nolan.

Desde la crisis creativa de un escritor, pasando por una pérdida de memoria que impide recordar quien eres realmente, el peso de la responsabilidad de alguien obsesionado con acabar con el crimen organizado o la inmersión en unos submundos interiores que condicionan nuestras opiniones, todas tienen un nexo común: historias que parecen tener una temática central clara, pero de las que subyacen otras secundarias que van ganando protagonismo en el desarrollo de la película.
Y cuando parecía que todo lo que Christopher y Jonathan Nolan se dedicaban a contarnos estaba bien delimitado, se les ocurre mirar hacia arriba, hacia un viejo anhelo del ser humano.

Nota: El artículo puede contener Spoilers en una concentración del 6%, el resto son trazas de frutos secos.

Relatos Salvajes

Esta semana se celebró una nueva edición de La Fiesta del Cine. Ya sabéis, tres días en los que la industria cinematográfica tiene un arranque generoso y opta por abaratar los precios de las entradas a 2,90 €. Tres días en los que las salas están a rebosar y en los que las ganancias y la afluencia superan las de un mes completo con precios "estándar", entendiendo por estándar un riñón y medio del otro. Pero como tienen un problema logístico de no saber donde meter tanto billetaco, vuelven a subir los precios después de esos tres días para evitar verse ahogados en un mar de dólares, y hacen que la gente no vaya al cine y se descargue las pelis en calidad Screener y con el audio y vídeo desfasados...

La mejor oferta

¿Qué puede atraer más que lo prohibido? ¿La maravilla de traspasar los límites impuestos? Y ya no durante la infancia, cuando el capricho puede ser una golosina o un juguete, sino de adultos, cuando esa barrera puede esconder tras de sí el más dulce de los deseos carnales. Ese misterio, bien usado, puede convertirse en una herramienta de incalculable valor que desmorone hasta la fortaleza mejor asentada.

The call. La última llamada (911 Llamada mortal)

Un thriller que con sus manos invisibles te pega irremediablemente el trasero al sillón, te toma de la mandíbula obligándote a fijar los ojos sobre la pantalla y consigue que encojas el cuerpo de pura tensión, pura intensidad. Si además se añade que está dirigida por Brad Anderson (The wire, Boardwalk Empire, Fringe o El maquinista entre otros) se tiene la carta de presentación para La última llamada (911 Llamada mortal), y a mí no me mires que yo no he escogido el título. 

Un operador que trabaja para el número de emergencias 911 recibe numerosas llamadas. Antes de descolgar, la incertidumbre es absoluta. Puede ser una de tantas situaciones en las que un animal doméstico se ha escapado o un borracho necesita conversar con alguien; pero también puede ser una de aquellas en las que la propia actuación puede ser determinante para la persona que se encuentra al otro lado. Una intervención en el tablero que puede suponer la diferencia entre la vida y la muerte. 

El Juego de Ender (la película), crítica constructiva

Para comenzar, y antes que nada, disculparme porque la película sobre la que se hace mención en este post ya fue comentada en su momento y a mi parecer de un modo excelente por nuestra querida Jess en un anterior post. Sin embargo, en esta ocasión voy a compartir con vosotros el punto de vista de un nuevo colaborador a tiempo parcial (y sin cobrar un duro): el Comandante Cobra.

Paradise Now

En los conflictos que se alargan en el tiempo las partes enfrentadas acaban defendiendo sus puntos de vista de forma incondicional, unas ideas que consideran verdaderamente ciertas y absolutas. Es por eso que en muchas ocasiones, un espectador que no toma parte puede no comprender hasta dónde llega el sacrificio para luchar por ellos o puede no entender la deformación que parece sufrir la escala de valores al observarse desde fuera. Es en ese momento donde a uno le gustaría poder descifrar las mentes ajenas y conocer el motor que impulsa a actuar de un modo que a priori puede resultar irracional.

Ese es el espíritu que puede conducir a Paradise Now, a intentar conocer un poco más la visión de una de las partes de este conflicto que tantos años dura, el que comparten Palestina e Israel.

Guardianes de la Galaxia. Un mapache en la chistera de Marvel.

¿Quién, honestamente, no pensó que se trataba de una película sobre la serie de nuestra infancia "Las Aventuras de los Guardianes de la Galaxia"?  Reconozco que tanto para la mayoría del público como para mí, esta franquicia de Marvel era una gran desconocida. Lo admito, soy un inculto en lo que a cómics se refiere.
El gran despliegue de publicidad me hacía presagiar que dicho autobombo escondía algo, y que no me iba a gustar, máxime viendo mis precedentes más recientes.

Nada más lejos de la realidad.

Al filo de un mañana predecible y soporífero

De un tiempo a esta parte, me he sentido un poco como Bill Murray en Atrapado en el Tiempo cada vez que veía el trabajo de cierto actor, revivía la misma interpretación película tras película, los mismos gestos y la misma sonrisa de vendedor de aspiradoras.
No obstante, tenía en cuenta que películas como "Eyes Wide Shut", "Magnolia", "Collateral", "Minority Report" o "El Último Samurai" consiguieron que no se notara la monótona y encasillada interpretación de Tom Cruise, y reconozco que esperaba que Al Filo del Mañana se sumara a la lista.
Prejuicios aparte, intenté ser objetivo y poner en una balanza pros y contras, y admito que habían motivos más que convincentes para darle una oportunidad. La originalidad de la historia, las buenas críticas recibidas y la posibilidad de hacerme la contra a mí mismo pesaron mucho en la decisión.
El hecho de que estuviese basada en la novela "Todo lo que necesitas es matar" (Ōru Yū Nīdo Izu Kiru), escrita por Hiroshi Sakurazaka, la cual ya había cosechado cierto éxito, me proporcionó ese empujón final para decantarme por esta elección y no otra (Viva la Libertad por ejemplo).

Grand Hotel Budapest

En lo alto de la montaña, accesible únicamente con funicular, se encuentra el Grand Hotel Budapest. Su antiguo esplendor se ha ido apagando a la par que lo hace la pintura de sus paredes pero aún conserva su imponencia y aires de gran palacio. Si bien ahora la afluencia de visitantes raya lo irrisorio, la historia que guarda entre sus paredes le da un valor que la modernidad de otros no ha podido superar.

El Hobbit: La desolación de Smaug

Todo estaba preparado: Palomitas grandes, coca-cola light y unas gafas 3D. ¿Qué mejor forma de pasar un miércoles (Espero que algún día vuelvan las jornadas del cine a 3 euros) que viendo” El Hobbit: La desolación de Smaug”?

Casi tres horas después sólo una idea rondaba mi cabeza; si estuve dudando en ir vestido de elfo al cine, ¿cómo es posible que no me haya gustado la película? ¿Por qué pienso que lo más acertado de la película es el título? No he podido salir del cine más desolado.

Prisioners, 2013

Al amparo de la contundente aceptación por parte de la crítica, Prisioners se perfila no sólo como una de las películas de este otoño, sino como una de las grandes del 2013. Es por esto que puede resultar sorprendente, pero aquí una servidora no se va a unir a la corriente generalizada. Y es que, si bien coincido en que algunos personajes presentan gran calidad en su papel, el conjunto no me resulta tan sólido como esperaba;  ya sea por unas expectativas desmesuradas, o por mi general reticencia hacia películas que exceden la duración media (una manía personal).

El punto de partida es poderoso, con la desaparición de unas pequeñas como desencadenante de la acción. Una tesitura que permite explorar con madurez los límites emocionales de los padres y el debate que desencadena el concepto personal de "justicia". Una controversia interna que evoluciona a la par que avanzan las horas en búsqueda de las desaparecidas.

Las flores de la guerra

Las maestras manos de Zhang Yimou evocan en Las flores de la guerra un episodio espeluznante de la Historia de China, la masacre de Nankín, capital del país en 1937 y escenario de una serie de atrocidades que aún generan resentimiento en la población.

El tejido de la trama se desarrolla en la que se erige como bastión de calma ante la desgracia que se apodera de las calles de la ciudad. Una iglesia católica que por avatares acaba sirviendo de refugio a extremos de lo mundano y lo puro, un cielo de contención y un averno de excesos en el mismo edificio: La residencia de tiernas estudiantes de convento con un sótano que acoge a las estrellas de un burdel.

Dentro de esta cresta de contrastes se irgue como vínculo Christian Bale, un patán en sus comienzos que se ve obligado a evolucionar y madurar para convertirse en el protector de este jardín de flores.

Un buen marco para un ejercicio de dramatismo que se torna a mi parecer en un desarrollo algo forzado. Que si bien mejora a medida que avanzan los minutos se pierde en demasiadas ocasiones en simplezas de difícil justificación.

Con otro telón de fondo la película me resultaría más conmovedora, pero rodeada de sucesos tan atroces como los que narra la Historia, el resultado se me estanca en un correcto.

Aún así, y si se dejan de lado esas escenas un poco forzadas, uno puede disfrutar del espectáculo que siempre ofrece este reconocido director. Imágenes que rozan la poesía visual y sorpresas que estimulan lo que de otra manera podría caer en la apatía. Algunos golpes acertados salvan de la indiferencia al filme y el final resulta bastante acertado aunque previsible. Un ambiente repugnante que en su crueldad llama al héroe incapaz de soportar tanta atrocidad. Algo que afortunadamente da un poco de paz al espectador.

Ya en un plano más invidual, merece mención a aparte Ni Ni, una de las féminas del placer que consigue desde el primer minuto cautivar a la pantalla. Un glamour que recuerda a las mejores divas del cine clásico y que no siempre la belleza consigue obtener.

Probablemente, habrá quién considere que la crítica es demasiado dura para una película de este calibre pero habiendo tantas obras contundentes con fondo histórico empapado de sufrimiento no puedo menos que sentir una pequeña decepción. De todos modos, y como en todo, las piezas de cine suscitan reacciones de lo más dispares y esta es una de las que por las razones expresadas se merece la oportunidad de ser vista. Que la disfrutéis.

Las vidas posibles de Mr. Nobody

Hasta ahora, la mayoría de mis particulares "crónicas de Valhalla" han contado con un flujo de información directo de las teclas a los ojos del lector. Entradas desarrolladas para transmitir de algún modo la sensación que la obra dejaba tras de sí. Esto implicaba posts sobre títulos ante los que tenía una crítica positiva y que resultaban recomendables, por la razón que fuese. Sin embargo, esta vez prefiero experimentar algo nuevo: tratar una película que me plantea un dilema y ante la cual la posición no es tan clara.

Por una parte, es de argumento singular, y esto siempre me atrae. Toda trama que pretende alejarse de los convencionalismos me supone una especial motivación. Además, si se colorea con pequeños brochazos de ciencia, mi atención ya está asegurada. Esta amalgama que incluye flashbacks o saltos en el tiempo mantiene mi mente en funcionamiento con la inquietud de buscar sentido a las escenas que se suceden en pantalla. Un baño de frescura que no resulta sencillo de reproducir.

No obstante, este tipo de historias suele jugar con el doble filo de la exageración y el artificio pretencioso. Grandes principios que necesitan de grandes finales para conseguir que el mensaje no se diluya. Que el filme resulte contundente en su totalidad. Quizá lo que me ha faltado.

Es muy posible que no haya captado del todo la esencia que se quería transmitir, o que el calor estival me haya afectado en demasía, pero tras el fundido en negro algo no encajaba. Demasiados giros, algunos aparentemente sin sentido, y un exceso de metraje que nunca llevo bien. Factores que la originalidad y las pequeñas notas que apelan a la justificación científica (las leyes termodinámicas o la teoría de cuerdas) no consiguen rescatar.

Así es que, si algún lector se anima a arrojar algo de luz y me ayuda a sacarle más partido a esos 133 minutos le estaré muy agradecida.

Con todo lo anterior, lejos de no recomendarla busco llamar la atención sobre ella. Sólo por la extravagancia, la estética y el intento de innovación merece ser vista (y más si en consecuencia aparece un comentario por aquí). Sin más que sigáis disfrutando del verano.

Hotel Rwanda

Año 1994. Entre 500.000 y 1.000.000 de muertes. En base a la proporción de asesinatos en relación a la duración del conflicto, posiblemente el mayor genocidio de la Historia. Sólo falta el lugar, pero con unos datos como éstos ya debería bastar para situar la catástrofe. ¿Aún no? Véase entonces el título de la entrada. Ah, entonces ya sí, Ruanda.

Hace ya casi dos décadas, las tierras de este pequeño país africano sirvieron como escenario de uno de los mayores períodos de terror que han azotado la Historia (reciente y no tan reciente). Una auténtica pesadilla que apagó las vidas de un 10% de la población total del país y de un 80% del estamento de los tutsi. Un enfrentamiento étnico en gran parte consecuencia de la alargada sombra de la colonización europea.

Aún después del transcurro de los años, la magnitud de este negro episodio, dio lugar a que en enero de 2003, el director Terry George viajara al país para conocer más detalles y así intentar comprender las circunstancias que envolvieron los sucesos. Es allí, impregnado de las historias de los supervivientes y de la belleza de los parajes cuando se decidió a rodar "Hotel Rwanda".

Si lo que se busca es una película que detalle los pormenores de los acontecimientos allí acaecidos, en un modo más parecido al formato de documental, ésta no es la mejor opción. Si lo que se persigue es una visión más subjetiva, que preste más atención a los sentimientos, desde la experiencia vivida por una figura digna de admiración no hay atisbo de duda, Hotel Rwanda es la mejor elección. Aquí, la acción rodea la figura de Paul Rusesabagina, un gerente de hotel que ante las desgracias que se agolpan en su entorno, presta ayuda y así esperanza a todas aquellas personas que se encuentran en su radio. Un acto de extrema valentía en defensa de la vida que merece ser contado y recordado.

Ante unos sucesos tan espantosos mucho se puede criticar y es fácil caer en la tentación de señalar con dedo acusador y lanzar una retaíla moral. Sin embargo, esa reflexión la dejo para el plano individual y así que cada uno, después de contemplar los angustiosos minutos de Hotel Rwanda, realice su propio ejercicio de conciencia.

Upside Down, Un amor entre dos mundos

Tres reglas rigen el mundo:

1) Toda la materia es atraída por la gravedad del planeta del que proviene, y no del otro.
2) El peso de un objeto puede ser compensado por la materia del mundo opuesto (materia inversa).
3) Tras un cierto periodo de tiempo, la materia en contacto con materia inversa arderá.

Esta es la premisa con que nos presentan las propiedades físicas de estos dos mundos o planetas prácticamente juntos pero invertidos en orientación y gravedad. Pero antes que estas reglas se nos presentan estos mundos como un milagro de la creación y una excepción en el universo, todo ello explicado por un narrador que nos lo cuenta como si de un cuento infantil se tratara.

Por un lado tenemos el mundo inferior o de abajo, donde la pobreza es la tónica dominante, teniendo que depender de la energía y la tecnología que se produce en el mundo superior. A éste mundo pertenece nuestro protagonista masculino, Adam Kirk (Jim Sturgess).

Por otro lado está el mundo superior o mundo de arriba, un mundo donde la tecnología está más avanzada y la riqueza abunda. Aquí pertenece la protagonista femenina, Eden Moore (Kirsten Dunst).

Hay además un tercer "personaje" que tendrá un gran peso en la historia: la megacorporación del mundo de arriba Transworld, cuya sede principal está localizada en un edificio que conecta ambos mundos. Sin embargo la empresa sólo contrata a trabajadores del mundo inferior como meros "adaptadores", es decir, para adaptar sus productos para el mundo inferior, con el fin de ampliar su mercado.

Teniendo en cuenta la física, creo que arriba y abajo es algo subjetivo, y que han diferenciado ambos mundos como arriba y abajo para destacar las diferencias en riqueza y tecnología, la diferencia de clases. Y es que eso es lo que nos encontramos tras el primer vistazo, una clase dominante y rica que se aprovecha y exprime a una clase baja y pobre. En una gran cantidad de habitantes del mundo superior veremos una actitud de superioridad y prepotencia hacia los habitantes del mundo de abajo. Por contra, en el mundo inferior la actitud generalizada será la envidia y el desprecio hacia los habitantes de arriba. En resumen, la xenofobia entre ambos mundos estará bastante extendida.

Por supesto, para toda generalidad hay exepciones, como el caso de nuestros dos protagonistas ya mencionados. Adam y Eden se conocerán de niños, mientras Adam juega con un avión que se ha fabricado, en el pico de sendas montañas de cada mundo localizadas cerca de las casas de ambos. Aunque eso no es del todo correcto ya que los padres de Adam murieron en una explosión, por lo que entre semana vive en un orfanato, pasando los fines de semana en casa de su tía.

Posteriormente los veremos ya de adolescentes, completamente enamorados. Éste será el comienzo de todos sus problemas, ya que está prohibido todo contacto entre personas de distinto mundo, salvo con permisos especiales de trabajo.

Y es que al igual que Avatar es Pocahontas con otra ambientación y tecnología 3D,  Upside Down no deja de ser un Romeo y Julieta con una ambientación innovadora. De hecho, la historia me parece muy pero que MUY predecible, con giros de acontecimientos nada sorprendentes. Sin embargo, aparecen personajes a los que les coges cariño y caen simpáticos. Yo personalmente tengo debilidad por Bob Boruchowitz, interpretado por Timothy Spall, al que pudimos ver en la saga de Harry Potter en el desagradable papel de Colagusano.

Pero lo realmente destacable de la película no es la historia. No son los personajes. Lo realmente atractivo de esta producción bajo mi punto de vista es el juego que da la extraña física generada por estas dos gravedades contrapuestas. Es curiosísimo cómo por ejemplo al comienzo de la película vemos al pequeño Adam subido en lo alto de una montaña que atraviesa unas nubes formadas con el vapor del mundo opuesto, por lo que le llueve desde abajo. También vemos saltos de personajes que ayudados con materia inversa, descienden muy lentamente, por lo que la longitud de estos saltos es muy grande, y recuerdan a lo visto en la película Tigre y Dragón. En otra escena me llamó la atención cómo hay dos personajes de mundos opuestos en una habitación situada en el eje central de cambio de gravedad, por lo que el humo del cigarro se dirige al centro de la habitación. Otro ejemplo es una bebida que los más "chick" del mundo superior toman, una bebida producida en el mundo inferior, por lo que las copas se sirven al revés. Pero hay muchos más ejemplos, toda una gozada visual si uno está atento a esos pequeños detalles.

En  definitiva, esta película escrita y dirigida muy satisfactoriamente por el director argentino Juan Solanas, me parece una producción muy atractiva visualmente, con unos efectos especiales y una física realmente interesantes de ver. Por tanto, pese a que el tema principal está muy visto y trillado, merece la pena verla aunque sólo sea por ver estos juegos gravitacionales tan impactantes. Además, aunque predecible, la historia es amena, y las interpretaciones excelentes.

Estoy pensando que sería una experiencia muy curiosa el volver a verla, pero esta vez atándome los pies al techo o bien dándole la vuelta a la tele. Un punto de vista distinto pero técnicamente correcto. A una película que te ofrece esta posibilidad, ¿qué más se le puede pedir?

Flipped

No sé si es sólo una errónea impresión, pero tengo la sensación de que últimamente se tiende con mayor frecuencia a rodar películas de más de dos horas de metraje, y lo siento, pero no me convence del todo. 

Es muy cierto que hay maravillas del cine que se merecen todos y cada uno de sus minutos pero también otras que se diluyen, que si bien tenían un buen ritmo inicial, acaban desinflándose a mis ojos. Sin embargo, esta entrada no tiene como objetivo sacar a relucir ninguna de esas decepciones, sólo el de señalar que quizás, y solamente quizás, ese desencanto por empacho minutero ha sido definitivo para que disfrutara tanto de "Flipped", con sus conseguidos y suficientes 86 minutos.

En esta cinta, Rob Reiner, artífice de títulos tan sonados como Misery o La princesa prometida, vuelve a dar protagonismo a la etapa rosa de la adolescencia y a los devaneos sentimentales de esa época hormonalmente tan agitada. Para ello, y de ahí el punto innovador y más efectivo del filme, los protagonistas (Bryce y July) van plasmando en primera persona sus opuestos puntos de vista sobre esos mismos acontecimientos que comparten. Para mí una puesta en escena muy acertada que ameniza lo que de otro modo sería otra historia más del primer amor juvenil. Si a esto se le añade su elegante ambientación en la estética estadounidense de los años 50 y 60, se consigue un producto muy recomendable.

Se podría esbozar más detalladamente el argumento y hacer un mayor hincapié en la temática pero creo que si se hiciera la historia perdería la candidez y atractivo que consiguen sus fotogramas. Por esta razón, ya sólo me queda por añadir como nota informativa que la obra está basada en el libro homónimo de Wendelin Van Draanen, una autora especialista en trabajos de estilo teen. Una tendencia de éxito entre aquellos de ese segmento radiografiado de la sociedad o entre aquellos otros que ya más maduritos gustan de rememorar, sin necesidad de recurrir a descendientes de drácula, licántropos o cualquier peligro de muerte, ese revoloteo de mariposas estomacales tan adolescente, o no.

El arte del maquillaje

Y es así, algunos de los cambios obrados en los actores bien pueden considerarse auténticas obras de arte. Es tal el punto, que resulta casi misión imposible reconocer las facciones reales por debajo de la piel del personaje. Ahí van cinco de mis favoritas.

1.       Hugo Weaving

El famoso agente Smith en Matrix o el sabio elfo Elrond en El Señor de los anillos y El Hobbit sufre en El Atlas de las nubes dos transformaciones tan épicas como los personajes a los que interpreta.

     Es esa señora rubia, sí.

2.       Charlize Theron

      La bella sudafricana se vio envuelta en un elaborado proceso de transformación (aumento de peso y horas de maquillaje) para dar vida a la asesina Aileen Wuornos en Monster. Papel premiado con el oscar a la mejor actriz.

3.       Joseph Gordon-Levitt

Esta cara conocida se esconde tras el personaje del joven Joe en la taquillera Looper. Para marcar aún más ese cambio, Joseph realizó ejercicios de voz que ocultaran su tono habitual.

4.       Rebecca Romijn

      Esta actriz prestó la base corporal sobre la que tras 8 horas de trabajo aparecía la polivalente Mística de la primera entrega X-Men. 

Sin embargo, en la última, la del 2011, el personaje fue encarnado por la pequeña Morgan Lily (Mística de niña) y la recientemente oscarizada Jennifer Lawrence (Mística adulta).

5.       Eric Stoltz

Para este impactante encargo, el maquillador Michael Westmore tuvo que fundir tres piezas de espuma látex y aplicarlas junto con el maquillaje y unas prótesis dentales para conseguir el efecto de la Máscara.

Y como sobre gustos no hay nada escrito, ¿qué otras añadirías vosotros a la lista?

Magic Mike, 2012

Confieso que me enfrento a este post con cierto temor, tengo miedo a que se me tache de frívola y superficial debido al tema a tratar, y por esa misma razón me resistía a ver ‘Magic Mike’. Para los que no la conozcáis, esta película trata sobre el mundo del stripper masculino, pero no os confundáis, en primer lugar aclarar que a mí no es un tema que me atraiga en absoluto, es más, en mi humilde opinión considero que un striptease masculino es una de las cosas más chabacanas que me puedo encontrar y que más vergüenza ajena me puede dar. Aclarado esto, decir también que la cinta la dirige Steven Soderbergh (toda la saga ‘Ocean´s’, ‘Erin Brockovich’, o ‘Traffic’, por poner algunos ejemplos), lo que fue uno de los puntos para que al fin me animara a verla, cosa de la que no me arrepiento en absoluto.

Os pongo en situación con unas simples pinceladas sobre el argumento. El film narra la vida de Mike y sus compañeros en un club de striptease masculinos de Tampa, Florida. Mike tiene sueños y quiere montar un negocio de muebles artesanales, pero mientras tanto, sabe que una buena forma de ganar dinero fácil y conocer muchas mujeres es explotar su talento como stripper. Introduce en este mundillo a un joven de 19 años llamado Adam quien se ve atraído por este tipo de vida nocturna, pero no es capaz de alejarse de los peligros que implica. En resumen, esto es lo que nos cuenta ‘Magic Mike’.

Siento contradecir a todo aquellos que ven en esta película la versión masculina del ‘Bar Coyote’, pero con más descaro, permitidme que os diga que si solo habéis llegado hasta ahí no veis más allá de vuestras narices, si tengo que compararla con alguna, en todo caso veo similitudes con ‘Boogie Nights’. Esta cinta tiene una estética  underground, es fresca, divertida, muy descarada, está muy bien rodada y cuenta con unas actuaciones increíbles, todas dignas de aplauso. Tiene sus defectos, claro está, no es ni mucho menos la mejor película de Steven Soderbergh, pero se merece su huequecito entre los estrenos más interesantes del año pasado; para mi gusto le falla el final, por ser un tanto descafeinado, pero por lo demás pocos peros le pongo.

Paso a hablaros del reparto, como ya os he comentado esta estupendo, sí, en todos los sentidos. Ya hablando en serio, las actuaciones son muy buenas, parece que esto del striptease lo llevaran haciendo toda la vida, aunque alguno tenía cierta experiencia previa de sus años mozos, es el caso de Channing Tattum de cuya cabeza surgió la idea de la película. Tattum, a parte del productor es también el protagonista, Mike, he de confesar que este señor nunca ha sido santo de mi devoción (‘Querido John’ me aburre sobremanera), ni siquiera me resulta especialmente atractivo, pero sin embargo aquí hace un trabajo magnifico; sus números de baile son espectaculares, he descubierto que tiene un don para la comedia, por lo tanto, retiro todos mis malos pensamientos y prejuicios acerca de sus facultades como actor porque estaba realmente equivocada. También podemos ver al actor británico  Alex Pettyfer, a quien yo conocía por su papel de Alex Rider, esa especie de mini-James Bond de ‘Stormbreaker’, pues bien, (ahora es cuando me toca pedir disculpas de antemano porque llega el comentario “baboso” que tanto he tratado de evitar), pasa a formar parte de ese grupo de ‘yogurines’, que al igual que Zac Efron, han crecido para el bien común y damos gracias por ello, solo les queda demostrar que son buenos actores porque el resto ya lo tienen ganado.

Dejando de lado mi entusiasmo por el británico, decir que en el film aparecen tres rostros televisivos fácilmente reconocibles que también realizan un trabajo sobresaliente, son: Joe Maganiello, uno de nuestros hombres lobos favoritos por su papel de Alcide en ‘True Blood’,y que interpreta a un señor apodado 'Big Dick Richie' (prefiero ahorrarme la traducción), una de las mejores escenas del film es cuando Maganiello sale vestido de bombero (lo sé, todo suena fatal pero tenéis que verla).

También podemos disfrutar de Matt Bomer, protagonista de ‘White Collar’, se rumorea que gracias a este papel en 'Magic Mike' es uno de los candidatos favoritos para interpretar al famoso Christian Grey, pero el único obstáculo puede ser su reconocida homosexualidad (que absurdos son los norteamericanos cuando quieren); y el tercero que da la sorpresa no es otro que Adam Rodríguez, muchos le reconoceréis por su trabajo como Eric Delko en 'CSI: Miami', pues bien, el bueno de Adam ha decidido dejar de lado su imagen de ‘rata de laboratorio’ y enseñarnos que él tiene algo más.

Por último, dirige el cotarro Matthew MacConaughey en el papel de Dallas, y ante cuyo trabajo me quito el sombrero de cowboy, doy las gracias porque este señor ya no pretenda ser el rey de la comedia romántica y nos ofrezca actuaciones como esta que son realmente interesantes; jamás creí que iba a decir esto de Mateo, pero el personaje de Dallas me da autentica grima, y eso me gusta. Un ¡olé! por MacConaughey, que aunque en el film vemos que los años no pasan en balde para nadie, interpreta el papel de su vida.

Poco, más me queda por añadir, solo deciros que deberíais verla, por las razones que queráis, bien porque os apetece ver pectorales y mucho musculo, o buenas coreografías; o porque los tiempos están cambiando, ya era hora de que el cine nos mostrara al hombre como objeto, que parece que esos papeles siempre estaban reservados para mujeres; o porque siempre es interesante ver el trabajo de Soderbergh; o porque queréis ver unas magníficas interpretaciones; o simplemente por su increíble grosería que es un soplo de aire fresco entre tanta monotonía.