Captain Fantastic

Existen contadas ocasiones en las que una película conecta completamente con tu forma de ser, de pensar, películas que brillan por sí mismas entre la marea de producciones que inundan nuestras salas de cine y televisiones, un brillo equiparable al de una pepita de oro entre la arena para quien se dedica al bateo de oro. Encontrar esa perla escondida, esa aguja en el pajar formado por películas mediocres, comerciales y guiones sin sentido, hace que merezca la pena tan afanada búsqueda. Por eso, al encontrar esa rara avis, gente como yo siente la necesidad de comunicarse con sus allegados para recomendar esa película, por si por algún casual es capaz de transmitir esas mismas sensaciones de manera similar al resto de congéneres. Ahí es donde entra en acción este magnífico blog que me permite divulgar mi palabra para hablaros de Captain Fantastic, que sea una recomendación errónea o acertada dependerá del tipo de persona que la vea, pero a mí personalmente me encantó.

A propósito de Elly

Se me ocurren varios motivos por los que os propongo esta película: porque fue ganadora del premio al mejor director en el Festival de Berlín (2009); porque fue galardonada como mejor película en Tribeca (2009); porque tiene una trama que atrapa desde el primer momento. Pero prefiero deciros, simplemente, que la recomiendo porque me gustó y, sobre todo, porque me obligó a abrir los ojos a un cine y a una cultura que merece la pena, por muchas razones, conocer.

Historias mínimas

A más de 2.000 km al sur de Buenos Aires, en la Patagonia argentina, ocurren los tres relatos que conforman esta deliciosa cinta dirigida por Carlos Sorín. Historias mínimas es una película que contó con un presupuesto reducido, sólo dos actores profesionales, y una gran historia que contar.

Coherence, ciencia ficción buena, bonita y barata

He aquí una vez más la prueba de que no hace falta un gran presupuesto para cuajar una gran película. Coherence es la opera prima de James Ward Byrkit, quien anteriormente ha participado en el guión de Rango y en la realización de los storyboards de la saga Piratas del Caribe. Para la creación de su primer film tras la cámara, Byrkit se bastó con 40.000 dólares y tan solo cinco días de rodaje para consumar una de las mejores películas de 2013, que obtuvo su reconocimiento alzándose con el premio a mejor guión en el Festival de Sitges. Debido a lo "reducido" de su presupuesto y escenografía (el director usó el propio salón de su casa como escenario principal) no pude evitar recordar The man from Earth, otra genial película de la que ya os hablé anteriormente. 

The Black List: ¿Quieres ser guionista de Hollywood?

Hace varios años, y por puro interés propio, Franklin Leonard (en ese momento ejecutivo de desarrollo en una compañía productora) comenzó el proyecto The Black List. Abrumado en el trabajo por la cantidad de guiones que se escriben anualmente y con la intención de aprovechar la lectura en las vacaciones, decidió probar una nueva técnica revolucionaria.

La vida de Adele

Mucho se habló de los más de diez minutos de sexo explícito, sin censuras ni medias tintas, que encontramos entre las tres horas que dura La vida de Adele. Es normal que llame la atención, pero centrarse únicamente en esa pequeña parte del metraje, dejando pasar por alto una historia que realmente merece la pena ver, es un error de bulto.

En la casa

“Un olor captó mi atención: la singular esencia de la mujer de clase media”. ¿Qué pensaríais si os encontrarais estas palabras en la redacción de un joven adolescente para la clase de literatura? Tan secas, duras y certeras son las expresiones que el protagonista de En la casa emplea en la elaboración de su novela.

Una historia verdadera

Excepcional. Deliciosa. Conmovedora . Una obra maestra. Todo eso y más en una verdadera historia, una de las buenas, dirigida por David Lynch. Casi dos horas de cine de gran calidad, de ese que remueve los sentimientos, las entrañas, sin recurrir a la sensiblería fácil. Una verdadera joya del cine que no os deberíais perder. Hacedme caso. Os mantendrá pegados al sillón desde el principio hasta el final.

Cine invisible

Bueno JJ ya estamos aquí, a diferencia de un escritor normal que tiene el "síndrome de la hoja en blanco", yo tengo el "síndrome de la hoja garabateada", soy un hervidero de ideas mediocres y nunca sé por cual decidirme a la hora de escribir.

Ya lo tengo, ¿Qué hay más importante en un blog de cine que hacer una recomendación de cine? Una película que de alguna manera nos haya marcado, y a ser posible que no sea muy conocida, para que alguien en este inmenso mundo cibernético la vea y se acuerde del post con una inmensa sonrisa.

Decidido entonces, intentaré recomendar una de aquellas películas, que bajo mi punto de vista por una u otra razón no han sido valoradas como se merecen. Intentaré mostrar una pequeña parte del que se denomina cine invisible.

El Diputado (1978)

La película narra en flash back los años de activismo de Roberto (Jose Sacristán) un diputado de un partido de izquierdas que trabaja por aunar a socialistas y comunistas. 

Recorremos los años desde su toma de conciencia política en la universidad a los tiempos revueltos de la transición. Describiendo a tiempo real el momento histórico en el que la película fue rodada: El Franquismo daba sus últimos coletazos y los denominados grupos incontrolados de ultra derecha ejercían la violencia con impunidad.

La cinta blanca (Michael Haneke)

Opresión. Pocas veces se puede definir con una única palabra la sensación que una película, su ambiente interno, produce en el espectador. O al menos en mí. Con La cinta blanca, Michael Haneke consigue recrear un entorno opresivo, agobiante hasta la saciedad. Y lo consigue a base de una trama inusual, gobernada por unos personajes extraordinarios, en una localización que, por sí misma, nos impone los límites clásicos de una celda moral: una población pequeña, un pueblo de pocos habitantes llamado Eichwald en el que transcurre toda la acción de la cinta.

Una de cortos, de cine independiente y los elegidos de #MiobraenValhalla

Cada día soy más consciente de lo duro que es hacer cine en los tiempos que corren. Y posiblemente sea por ello que cada vez siento una responsabilidad mayor en cuanto al papel que juegan webs o blogs como el nuestro en la difusión de todos los que quieren empezar a abrirse camino en este complicado mundo. No es la primera vez que usamos Crónicas de Valhalla como altavoz de jóvenes creadores, y puedo asegurar que no será la última.

Hace un par de meses arrancamos en las redes sociales la iniciativa #MiobraenValhalla con el propósito de dar a conocer una selección de los trabajos recibidos.

The Man from Earth (2007)

Seguramente hay una persona en tu trabajo a la que todo el mundo le cae bien, imagina que después de 10 años trabajando contigo, y sin ningún motivo aparente, decide dimitir para irse a vivir a otra ciudad, imagina que organiza una noche en una cabaña "en plan tranqui" para despedirse de sus amigos más cercanos, e imagina que en esa reunión, esa persona que te cae tan bien anuncia que tiene más de 14.000 años... Ante esta revelación únicamente caben tres opciones:

1. Está siendo sincero y realmente tiene más de 14.000 años.
2. Os está gastando una broma en forma de despedida.
3. Realmente cree lo que está diciendo y está completamente loco.

¿Odias las “americanadas”? Deberías conocer: DOGMA 95

¿Estás cansado de las “americanadas”? ¿Crees que hay gente con mucho talento interpretativo o grandes guiones que por culpa de no tener un respaldo económico no pueden luchar por hacerse un hueco en la gran pantalla? Entonces este post te interesa.

Alicia (2013)

Como muchos ya sabréis, Crónicas de Valhalla tiene a bien presentar, de vez en cuando, aquellos trabajos inéditos que caen en nuestras manos y nos llaman la atención. Siguiendo esa línea hoy me gustaría hablar de un proyecto joven (de apenas unos meses de vida) que espero que os guste: se trata de "Alicia", un corto que se mueve entre la fantasía y el thriller y al que tengo la suerte de estar íntimamente ligada.

El cortometraje, que fue seleccionado para la fase de concurso de la segunda edición del Festival "Horror Online Art", es obra de Mikel Martínez Alcántara, un joven director (y buen amigo) que estuvo a cargo de tareas tan diversas como la producción, dirección, montaje, fotografía, o escritura del guión.

Siete psicópatas

Nunca me he tirado un órdago en este blog. He envidado a grandes películas, pero nunca lo he puesto todo encima de la mesa. Pues hoy es el día, qué diablos. Órdago a grande con Siete psicópatas. Es posible que algunos, muchos, no se jugaran nunca pagar las copas con esta película, pero de eso se trata, de jugársela. Vosotros, queridos lectores, sois gente culta y lista, así que estoy seguro de que me entenderéis. No es que Siete psicópatas vaya a ser la mejor película de la historia; ni siquiera acabará (injustamente) en las listas de las mejores películas. Pero, amigos, Siete psicópatas es una gran película.

A la espera de Nymphomaniac

Todos estaremos de acuerdo en que Lars Von Trier es, como mínimo, uno de los directores más polémicos del panorama actual. Yo he tenido la suerte de ver varias películas de este genio del cine; algunas de ellas las hemos comentado aquí: Dogville, Manderlay, Melancolía y El jefe de todo esto. Esta vez, el danés ha decidido dar un paso más allá en su trabajo como director y está a punto de mostrar al mundo su última creación: Nymphomaniac. Sí, como os podéis imaginar, la traducción del título sería ninfómana. Y es que la última película de Von Trier se podría catalogar, en toda su extensión, como una película pornográfica.

La cinta está levantando mucho revuelo, hasta el punto de que algunos de los avances que se han publicado han sido censurados en algunos medios de comunicación. Sexo explícito, con escenas puramente pornográficas, además de una trama con alto contenido erótico, son la base del nuevo trabajo de Von Trier.

Aliento

Hablar de una película de Kim Ki-duk es hablar, sobre todo, de silencios. El director coreano maneja las ausencias de diálogo y sonido como un elemento más, tan importante como el texto. En Aliento no falta a su esencia y construye una historia que se sustenta sobre las palabras justas para entender la historia y, sobre todo, sobre los no textos de la película. La fotografía, como no podía ser de otra forma, también tiene un peso especial en la obra.

No hace mucho tiempo ya hablamos aquí de otra película de Kim Ki-duk: Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera, obra que para mí alcanza la perfección visual, elevándose hasta casi convertirse en un verdadero poema audiovisual. Esta vez, no nos engañemos, no consigue llegar hasta ese extremo, pero el intento no desmerece en absoluto.

Manderlay

"En Manderlay, los esclavos cenamos a las siete. ¿A qué hora cenan las personas libres?", con esta cita del guión puede describirse con acierto gran parte de la esencia de esta magnífica película de Lars von Trier, que forma la segunda entrega de su inconclusa trilogía Estados Unidos: tierra de oportunidades (puede que nunca se llegue a terminar). De la genial Dogville, el primer título de las tres, ya hablamos hace tiempo aquí. Ahora le llega el turno a Manderlay, una obra dura, con un estilo similar a su predecesora, aunque esta vez el director se permite algún lujo más en cuanto al escenario se refiere. Ojo, que por lujo nos referimos a alguna que otra columna, una escalera de caracol, una verja y algún que otro elemento añadido, lo justo y necesario para contar la historia.

Las ventajas de ser un marginado

Supongo que a estas alturas es difícil hablar bien de una “peli de instituto”, y entiendo el escepticismo que pueda generar esta reseña, pero creo que Las ventajas de ser un marginado sí es una buena película, que merece ser vista. Eso sí, no esperéis ver al chico americano guapo y fuerte anotando el touchdown ganador en el último segundo, ni a la voluptuosa animadora de exageradas curvas deshacerse en los brazos del capitán del equipo de fútbol. No, esta no es una de esas películas. Aquí el protagonista es uno más, uno de esos que ven el partido desde la grada, que pasa desapercibido y con aires de inadaptado escolar. Está bien el cambio en la perspectiva, ¿verdad?

Encajar es difícil, pero como siempre hay un roto para un descosido (bendito refranero popular), el protagonista de nuestra historia encuentra su propio grupo de amigos frikis, marginados respecto a los demás miembros del instituto, y orgullosos de ser esa clase media, extrapolable al resto de ambientes sociales, en el que, nos guste o no, se encuentra (nos encontramos) la gran mayoría de la población.

Es una película de instituto, así que, por supuesto, hay estudiantes y profesores, amor y desamor, relaciones nuevas y relaciones rotas, abrazos y peleas. Pero todo desde un pintoresco punto de vista, distinto al clásico de estas cintas. Merece la pena. Si no os he convencido, baste decir que los productores de “Juno” avalan esta obra, así como varios premios de la crítica. No es mala carta de presentación, ¿verdad?

Una buena película, directa y clara; algunos la han definido como honesta, y me parece que no es mal adjetivo. La película no engaña, en apariencia no va más lejos de la historia que cuenta, y tal vez seamos nosotros los que debamos buscar algo más allá, porque creo que es lo que se pretende.

Un detalle: ¿quién no se ha sentido infinito alguna vez estando con amigos?

Os dejo con el tráiler:

La caza

Con La caza, Thomas Vinterberg nos presenta una película dura, crítica y a ratos angustiosa. El papel que permitió que Mads Mikkelsen fuese galardonado con el premio al mejor actor en el festival de Cannes de 2012, nos empuja a vivir la congoja de la desconfianza y de la injusticia provocadas por una situación tan extraña como posible, lo que traslada al espectador al plano del personaje y le obliga a sentir el miedo y la desesperación que vive Lucas, protagonista al que da vida Mikkelsen en esta gran obra del director Danes.

Lucas es un hombre divorciado que trabaja en una guardería. El comentario desafortunado y mentiroso de una de las alumnas arroja al profesor a un drama personal que le cambiará la vida por completo. Nadie, ni sus mejores amigos, creen en la inocencia de un hombre que pierde por completo la confianza de todos los que le rodean.

El espectador se mantendrá en vilo durante toda la cinta. ¿Será posible que nadie lo crea? ¿Acabará Lucas encerrado por la declaración dubitativa de una niña, a pesar de las incoherencias? Pocas veces se llegará a empatizar tanto con un protagonista, hasta el punto de la indignación y el horror.

Aprovecha también la cinta para lanzar una crítica mordaz y feroz a la sociedad actual, incluyendo toques religiosos (una gran parte de la historia sucede en Navidad). Una joya que hay que ver, sea como sea. Sus nominaciones y premios la avalan, desde luego.

A mí, personalmente, me pareció una gran película, que consiguió trasladarme la impotencia del personaje, Lucas, y la desesperación por no poder demostrar una verdad que habla a gritos. Juzgar antes de demostrar, la pérdida de la inocencia, a pesar de lo que digan las evidencias... Una historia eterna, muy válida para nuestra época.

Os dejo el tráiler original, subtitulado en inglés:

El jefe de todo esto

Hablar de Lars Von Trier es, sin duda, hablar de uno de los directores de cine más significativos de la actualidad. En Crónicas de Valhalla ya hemos comentado algunas de sus películas más influyentes: Dogville y Melancolía. Hoy también vengo dispuesto a hablar de una película del director danés, concretamente de una comedia: El jefe de todo esto.

Con esta película, Von Trier se atreve a dar el salto al género cómico, eso sí, sin perder su estilo sobrio, sin exceso de ornatos, con una música minimalista y ningún efecto visual más allá del que pueda conseguirse con la propia cámara en el momento de la grabación. Y con una carga de ironía que el espectador notará a lo largo de toda la cinta.

El director hace girar la trama de la película alrededor de una empresa de informática, en la que los empleados nunca han llegado a conocer al jefe “de todo esto” en persona. Un actor contratado se hará pasar por el director general de la compañía para la firma de un importante acuerdo de venta a un inversor islandés. La aparición del fingido director entre los empleados causará un revuelo que trascenderá los planes iniciales. Enredos, algo de sexo, empleados descontentos, un actor obsesionado con un método de interpretación, que no parece haber dado muy buenos resultados, y un jefe real con más cara que espalda, conforman una película agradable, de sonrisa fácil y pocas complejidades. Una buena idea y una buena ejecución. ¿Qué más se puede pedir en una comedia?

En El jefe de todo esto, como en todas las obras de Von Trier, el diálogo y la actuación de los protagonistas son la base de la historia. Una película refrescante, fresquita, ideal para sobrellevar los calores del verano. Una de esas que ves en “una tarde tonta”, con la calidad siempre asegurada de un creador que marcará (ya ha marcado) una época en el mundo del cine. Y por supuesto, con la sátira clásica de la comedia. El dibujo caricaturesco de la empresa que se esboza en la obra no debe pasarse por alto. Y es que ya se sabe que la comedia siempre se empleó para lanzar cargas de profundidad de esas que pueden llegar a hacer mucho daño.

Si aún no os he convencido para ver la película, aquí tenéis el tráiler, para abrir el apetito. Merece la pena:



¡Que la disfrutéis!

Hecatombe zombi a la española

Llevaba algún tiempo sin escribir, ya que entre unas cosas y otras no he tenido tiempo. Para compensar he querido traer algo nuevo y diferente que presentaros. Una serie que no recomendaría verla en horario infantil, aunque hoy día eso del contenido según los horarios en la tele lo respetan poco o nada. Pero bueno, que me voy por los cerros de Úbeda. Quiero presentaros una serie independiente que podéis ver totalmente gratis en internet vía youtube. Pero antes que nada cuento el cómo me topé con ella. Estaba yo por una página de series totalmente legal para visualizar online la tercera temporada de El Barco, cuando buscando la misma en la letra E un título me llama enormemente la atención (aviso que lo de "enormemente" tiene un significado más profundo como luego descubriréis). El título en cuesión es "El ataque de los zumbas". Pincho con el ratón sobre el título (lo de "pincho" también tiene un significado oculto) cuando chrome me redirige a la página con los enlaces a los vídeos de youtube de la serie y una breve sinopsis. He ahí mi agradable sorpresa cuando descubro que se trata de una serie que trata el tema de invasión zombi pero desde un punto de vista cómico. Con lo de moda que están los zombis, y más con Guerra Mundial Z a la vista.

Una vez visto esto, abandono mi idea de ver un capítulo de El Barco para ponerme manos a la obra con el primer capítulo de El ataque de los zumbas. Y comienza bien, vaya que sí. Comienza con el primer plano de una chica en picardías tumbada en una cama, totalmente "ofrecida" como diría la vieja'l visillo. Está esperando a su chico, con la esperanza de que éste le...quite el stress.

La cámara enfoca entonces al chico, que está en el baño, y vemos que se lleva a la boca una pastilla de un producto llamado Erecto.

De repente a este chico le crece una nueva "extremidad" (o más bien le crece una que ya tenía, la tercera pierna, no sé si nos entendemos...), una monstruosidad que hasta le golpea en la cara y todo. Y con ello también se transforma en un zombi con ganas de marcha.

Prefiero no desvelar más del primer capítulo, creo que es mejor que lo veáis vosotros mismos. Dura apenas unos 8 minutos, que se pasan volando y con una decente cantidad de risas.

En cuanto al reparto y participantes del proyecto, tenemos el siguiente listado que he podido redactar a partir de los créditos iniciales que aparecen en los capítulos. Desgraciadamente la página web de la serie (www.elataquedeloszumbas.com) en este momento no está activa.

Eva Redondo
Jesús Monroy
Cecilia Gessa
Germán Torres
César Duro
Daniel Diosdado


Idea original: Germán Torres, Daniel Diosdado.

Y como sé que sois tan perros o más que yo, no voy a daros ni siquiera el enlace al primer capítulo de la serie, sino que directamente os pongo el vídeo a continuación.


Bueno, espero que os haya gustado. Disfrutad del buen tiempo y mucho cuidado con que no os zumben.

Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera

Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera es una de esas películas que tienes que ver. Desde luego no te va a dejar indiferente, pero además vas a acabar pensando que has visto algo grande, muy grande, encerrado en algo muy pequeñito. Es un cuento con moraleja; casi un poema budista que nos empuja a la meditación sobre algunos de los aspectos más importantes de la existencia.

La vida de un monje aprendiz junto a su maestro, rodeados de un paraje idílico, estructura la historia dividida en cinco partes: la primavera, en la que el pequeño monje recibe las enseñanzas de su maestro; el verano, en el que el monje, ya adolescente, descubre el amor de una mujer; el otoño, en el que el protagonista se deja llevar por los instintos más bajos, abandonando todas las enseñanzas que conocía; el invierno, metáfora de el fin de muchas cosas, pero también preparación para un nuevo renacer; y por último la primavera, renacer clásico, donde se cierra el círculo de la vida y del aprendizaje. Si el invierno es la muerte, la primavera es la vuelta a la vida.

La película no es abundante en diálogos, más bien al contrario, se emplean los justos para seguir la historia, dejando que el espectador asimile la narración más a través de las imágenes y los gestos que de las palabras. Esta forma arriesgada de contar, que puede llevarnos al desastre, parece sin embargo acertada en esa historia. Sin duda, el caparazón exterior de la película, el maestro budista y su discípulo, encaja perfectamente con la manera de presentar la trama. El transcurrir del tiempo, brillantemente acompañado con el de las estaciones, también nos invita a este tipo de película de poco diálogo, aunque en ningún momento tengamos la sensación de necesitar más. La excelente fotografía acompaña siempre la historia de una vida que va más allá de la que vive el protagonista.

No apta para cualquier momento, es una de esas películas que hay que sentarse a ver con tranquilidad, dejándose llevar por las imágenes y por la historia y, como suele pasarnos cada vez que vemos una historia con ciertas referencias religiosas orientales o budistas, hay que verla tratando de que cada uno de los momentos nos envuelva y nos atrape, por si, con un poco de suerte, algunas de las enseñanzas del maestro cala en nosotros, que nunca viene mal.

La película cuenta con varios premios (entre otros el Premio del Público en el festival de San Sebastián, en 2003) y muy buena crítica. Una joya que cualquier amante del cine no debería perderse.

Año: 2003
Director: Kim Ki-duk

Enlaces de interés:

Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera en IMDB.
Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera en Filmaffiniti.
Web oficial.

Mulholland Drive

ATENCIÓN, esta no es una película para todos los públicos, y no lo digo porque haya escenas de violencia, lenguaje obsceno o escenas explícitas de sexo, de todo esto solo hay un par de escenas de lo último y son bastante light. Si digo que no es apta para todos los públicos es porque es lo opuesto a una película comercial, no os vais a encontrar con la típica película de acción, tiros, explosiones, donde el bueno se carga a todo el mundo y sale con unos pocos rasguños, tampoco os encontraréis con una película del tipo chico conoce chica, chico se enamora de chica, chica deja a su novio que es un imbécil, y al final chico y chica son felices, no. Hablando en plata, Mulholland Drive es rara, controvertida, onírica, surrealista y psicológica, y precisamente por eso es por lo que la recomiendo a todo el mundo, porque te guste o no, al menos no deja indiferente a nadie, ya sea porque la odies al final o porque te encante.

El Cosmonauta

    Que el cine está cambiando es algo que ya no se puede negar. Las salas de proyección cada vez tienen menos espectadores, las productoras invierten menos dinero, porque también ganan menos, y la gran Red de Redes está acelerando el cambio a nuevos modelos cinematográficos. La vida es cambio, y el cambio es inevitable.
    Bajo las circunstancias actuales, el equipo de Riot Cinema se lanzó, hace algo más de cuatro años, a la aventura de hacer una película, un largometraje, aprovechando las nuevas tecnologías y, sobre todo, las posibilidades que las redes sociales les ofrecían para promocionar su proyecto. La financiación estaba clara: por un lado habría que recurrir a socios inversores que aportaran parte del coste; la otra parte se dejaría en manos de los fieles espectadores que quisieran colaborar a través del conocido crowdfunding, o micromecenazgo, concepto nuevo pero que está calando hondo en nuestra sociedad.
    El Cosmonauta es la primera película que se produce obteniendo capital de pequeños mecenas que, a cambio de algún tipo de recompensa, aportan lo que pueden al proyecto. Yo mismo aporté una cantidad pequeña que me convertía en productor, y que además me hacía partícipe de un porcentaje, minúsculo, de la obra. No se trataba de ganar dinero, es evidente, sino de, dentro de las posibilidades de cada participante, colaborar con un proyecto, con una buena idea.
    La bondad de la idea va más allá de la calidad del producto resultante (eso lo debe juzgar cada espectador); para mí, se trataba de hacer posible un proyecto que derribara en cierto modo las barreras que hasta el momento habían tenido las producciones cinematográficas, y por extensión el resto de creaciones artísticas. Es posible recurrir a estas fuentes de financiación para hacer cosas grandes. Por supuesto, no es la panacea: al final los proyectos tienen un coste mínimo, y puede ocurrir que no siempre se llegue a conseguir el capital necesario para llevarlo a cabo. Pero la semilla está plantada y, en el caso de El Cosmonauta, ha dado su fruto.
    Desde ayer, la película puede ser vista gratis por todo el mundo a través de Internet. A cambio, sólo piden un tuit o compartir un enlace en Facebook. También puedes hacer una pequeña donación, si pasas de las redes sociales. No parece caro, ¿verdad?
    Desde aquí quiero dar mi enhorabuena al equipo del El Cosmonauta, que ha realizado una labor grandísima para acabar la película. Me encanta que hayáis demostrado que hay formas alternativas de obtener los recursos necesarios para sacar adelante los proyectos. Insisto en que no creo que sea la panacea, ni la única vía para sobrevivir, pero desde luego es una vía más, y de gran potencial.

¡Felicidades, cosmonautas!

Web del proyecto: El Cosmonauta
Para ver la película: La película

Moon

Como decía Einstein, "todo es relativo". Desde que nos caímos del árbol hace millones de años, y sin saber cómo empezamos a pensar, a nuestra condición de ser social se le sumó una capacidad individual de raciocinio. Desde ese momento dejó de existir un solo universo, apareciendo uno en cada uno de los "cocos" de nuestros antepasados. Y eso, ha ido perdurando a lo largo de la evolución hasta llegar al día de hoy. ¿Que leches tiene que ver toda esta ida de olla con el cine? Pues que cada película significa algo diferente para cada uno. No me refiero a esas películas simplonas de tiros y tortas que lo único que hacen es distraernos de la realidad, y no lo niego, entretenernos sin estresarnos los sesos. Me refiero a esas películas que de alguna forma nos llegan hondo, películas cuyo mensaje depende de la persona que lo recibe, y más importante aún, del estado de ánimo de esa persona en ese momento. De alguna manera, esas películas nos motivan, nos dan un empujón en el buen camino cuando estamos en un pozo, o nos ponen los pies en el suelo cuando creemos que nos estamos comiendo el mundo. Películas que viste hace tiempo y no significaron nada especial, pero que las vuelves a ver ahora y te inducen a la reflexión, a tener ideas, a sacar coraje de lo más hondo...Esto me ha pasado con una película que vi hace pocos días, Moon.

Se trata de un film con toques futuristas y ciencia-ficción que nos cuenta la vida de Sam Bell. Este hombre (interpretado por Sam Rockwell) está a punto de finalizar su contrato de trabajo en la Base Minera Sarang de Lunar Industries Ltd., situada en la cara oculta de la Luna (allí en tó lo alto). Este contrato consistía en permanecer tres años totalmente solo en la base, con la única compañía de GERTY, un ente robótico dotado de inteligencia artificial programado para ayudarle y protegerle que se comunica con él y muestra sentimientos a través de emoticonos (el único actor de reparto). La comunicación directa con la Tierra se interrumpió cuando el satélite que se ocupaba de esta operación se averió, y la empresa, propietaria y responsable de dicho satélite, tiene otras prioridades antes de arreglarlo. Por este motivo, Sam se comunica con su esposa y su pequeña hija a través de mensajes grabados, así que el escaso contacto humano que podía dar una conversación de Skype en directo está también impedido. Sam lleva su rutina diaria con toda la normalidad que puede, controlando tres excavadoras que extraen de la superficie lunar un valioso isotopo, Helio-3, el cual es imprescindible para alimentar los reactores de fusión terrestres, y que proporcionan energía limpia a la humanidad. Sam recoge el Helio de las excavadoras y lo manda a través de lanzaderas a la superficie terrestre. Dedica el tiempo libre a hacer ejercicio, a cuidar plantas, y a construir una maqueta. Solo quedan dos semanas para que le toque el relevo y pueda volver a casa a besar a su esposa y abrazar a su hija, y se siente muy ilusionado, pero desde hace un tiempo tiene episodios de malestar, y tiene visiones extrañas, fruto de tanto tiempo solo, piensa él. Esto le lleva a tener un accidente, que conllevará a descubrir un oscuro secreto que se ocultaba en la base...

Se trata de una película independiente británica de 2009 que obtuvo muy buenas críticas y hasta consiguió un par de premios que reconocieron su buena puesta en escena, al ser una película de ciencia ficción simple pero muy bien ambientada, y con una trama que no es la primera vez que se lleva al cine y que siempre genera controversia y opiniones. Y aquí, es donde entra la relatividad de cada espectador, y donde dejo mis propias impresiones. Este film invita a luchar contra los margenes establecidos, defiende el valor y el coraje para superar obstáculos y conseguir lo que se desea, aunque esos obstáculos sean tus propios recuerdos, grabados a fuego en tu memoria. Cuando lo son, hay que desprenderse de todos ellos, no dejar que dinamiten tu optimismo y mirar hacia adelante y hacia arriba (hacia abajo en el caso de nuestro protagonista, hacia la Tierra). Deja de pensar en como eras, no eres quien fuiste en el pasado, eres tú, diferente en cada instante, y no serás como esperan que seas nunca más.

Si os llama os recomiendo que busquéis la película directamente, sin contrastar informaciones ni nada, evitareis spoilers. Ahora, con vuestro permiso, me quedaré por aquí un rato, las vistas son verdaderamente increíbles...

SrRorschach para Crónicas de Valhalla, la Luna.

#LittleSecretFilm: Piccolo Grande Amore

Ese pequeño secreto llamado cine.

Sí, es verdad que no es la traducción literal de Little Secret Film, pero ese pequeño secreto llamado cine es mi interpretación no sólo del título del movimiento (aunque ellos no lo definan como movimiento, sino como modelo), sino de todo el ambiente que lo rodea: un modelo nuevo de hacer cine, basado, sobre todo, en el amor a este arte.

¿Qué es Little Secret Film?

Little Secret Film se define como un modelo de producción cinematográfico basado 10 normas que podéis leer en su manifiesto. Las resumo aquí:

1. La producción será secreta hasta el día del estreno.
2. El largometraje deberá ser grabado en un máximo de 24 horas ininterrumpidas.
3. Se grabará empleando tecnología digital HD.
4. No se contará con guión dialogado previo, por lo que la improvisación de los actores tendrá especial valor.
5. El equipo total de la producción será de 10 personas como máximo. Ninguno recibirá retribución económica.
6. El director financiará la totalidad de la producción, sin apoyos externos.
7. El largometraje se estrenará en Internet, bajo licencia Creative Commons y de forma gratuita.
8. El director distribuirá la obra bajo la etiqueta #littlesecretfilm en cualquier servidor de Internet.
9. Little Secret Film no es un movimiento: es un modelo de producción basado en el riesgo, la improvisación y el azar; una defensa de Internet como medio de distribución; un acto de amor al cine.
10. Little Secret Film es una manera diferente de hacer cine. ¡Viva el cine!

Bajo estas 10 premisas, el modelo ya cuenta con 15 largometrajes. Ya hay quien lo compara con el movimiento Dogma, creado por Lars Von Trier y Thomas Vinterberg. Intuyo, desde luego, cierto parecido entre los dos movimientos, sobre todo a la hora de romper la tendencia, transgredir las normas no escritas acerca de la producción de cine actual y la incansable búsqueda de creación de un cine puro, donde lo importante son la historia y el actor, dejando en segundo plano los efectos visuales modernos.

Todo en Little Secret Film está rodeado de cierto romanticismo: la idea platónica de Cine, donde la película es lo importante; la colaboración desinteresada de todos los integrantes del equipo; el peso que el modelo ofrece al actor, que da rienda suelta a sus dotes interpretativas y de improvisación; y, por supuesto, la gran accesibilidad de la obra para el gran público a través de Internet.

Llama la atención el límite de 24 horas de rodaje ininterrumpido. El margen de error se acorta hasta hacerse casi nulo, sobre todo si se pretender generar cinta para una producción de más de una hora: una estudiada improvisación teatral-digital.


Piccolo Grande Amore

Piccolo Grande Amore es la primera obra que he visto de este modelo de producción. Casi 90 minutos de cine donde, además de la historia, marca la brillante actuación de todos los participantes.

(Muy) Breve sinopsis:

Los miembros del curioso Club para la apreciación de la canción italiana, dirigido por Claudio, quedan por fin para verse las caras. Todos los miembros del club son mujeres, a excepción del creador de la idea. Todas han visto sus vidas modificadas, empujadas por la irresistible personalidad de Claudio, y por el terrible Amor, fuerza despiadada que gobierna el Universo.


Excepcional la interpretación de los actores, como ya he dicho. Son varias las ocasiones en las que los personajes se atreven con viejas canciones italianas, que cantan a capela: un toque de distinción, que alimenta más el mérito del reparto, que ya era mucho. Tampoco nos iba a extrañar siendo, como son, actores de muy interesante trayectoria tanto en cine como en teatro.

No dejéis de atender a este modelo de producción, concededle el mérito que tiene, y disfrutad (y difundid) las obras que estos amantes del cine nos ofrecen. Un regalo en forma de talento. ¿Qué más se puede pedir?

La película:


Piccolo Grande Amore (2013) #littlesecretfilm from Jordi Costa on Vimeo.

Enlaces de interés:
Página web del modelo #LittleSecretFilm
Largometraje Piccolo Grande Amore en Vimeo

Entrevista a Manolo Hernández y Vicente García, director y guionista de DOMO

Manolo Hernández (guión, producción y dirección) y Vicente García (guión, producción y diseño de producción), han tenido a bien concedernos una entrevista exclusiva para hablar sobre su primera aventura cinematográfica, DOMO, de la que ya os hablamos por aquí hace unos meses.

Sin más preámbulos, aquí os dejamos con la distendida tertulia que mantuvimos con ellos.

Crónicas de Valhalla: ¿En qué momento y cómo surge la idea de "DOMO"?.

DOMO: A finales de 2009 pensamos en llevar a cabo un nuevo proyecto, ¿Pero cuál? Nos preguntamos, acabábamos de realizar en un año; un corto, un videoclip, un documental, y el piloto de una sitcom, y decidimos que era el momento de dar el salto a un largometraje.

CdV: Contad a nuestros lectores de qué va "DOMO".

DOMO: Morgen Brandt, era una soprano de origen Alemán que murió hace muchos años en el incendio de su casa, donde ahora hay un museo llamado con su nombre.

Sira trabaja en el turno de noche limpiando en el Museo MORGEN BRANDT y empieza a notar una presencia extraña.

CdV: ¿Qué nos podéis desvelar de la trama?

DOMO: Más que de la trama te podemos hablar del concepto narrativo de la peli, que creemos es novedoso.

Domo se ha grabado, de manera íntegra, desde el punto de vista de todas las cámaras de seguridad que hay en el Museo, donde se sitúa la acción de la peli, es como si alguien ha cogido los brutos que han captado las cámaras de seguridad en las 2 noches en donde suceden los hechos, y con esos brutos los ha editado, dejando muchas horas de grabación, en una hora y pico de metraje final,

Aclaramos que es ficción, jamás quisimos fomentar un bulo de que pasó en realidad, solo nos interesaba el punto de vista de las cámaras para contar la historia, esto creemos que jamás se ha hecho al 100 %, si que se ha utilizado la estética de las cámaras de seguridad en una parte de alguna peli, pero en la totalidad no, al menos que sepamos.

No hay contra planos, ni primeros planos, ni planos detalle, ni panorámicas, ni nada de lo que se utiliza en la narrativa cinematográfica convencional, todo es en plano general y ligeramente picado simulando el tiro de cámara de video vigilancia.

Pero solo desde el punto de vista de la imagen, porque el sonido sí que se oye como en cualquier peli.

Gran parte de la peli la grabamos en el Museo Municipal de Badalona, un sitio espectacular.

CdV: ¿Por qué ese título?

DOMO: Precisamente por lo del concepto narrativo de grabar desde el punto de vista de las cámaras de seguridad, a este tipo de cámaras que están pegadas al techo se les llaman cámaras Domo.

CdV: ¿Los protagonistas de "DOMO" son actores profesionales?

DOMO: Algunos si, aunque no todos, pero todos tienen experiencia, en teatro, cine o cursos de formación.

CdV: ¿En cuánto tiempo se ha rodado la película?

DOMO: En 4 noches, un día y dos tardes.

CdV: ¿Y cuántos meses de preparación previa ha necesitado?

DOMO: Nosotros empezamos a escribir la escaleta del guión en enero de 2010, y el rodaje lo empezamos en mayo de 2012.

Lo más complicado fue adaptarnos al punto de vista de las cámaras de seguridad, era levantar un historia en donde no había artificio por parte de la cámara, todo era aséptico y directo, y pronto nos dimos cuenta que teníamos que hacer andar la historia sobre todo desde el diálogo, pero el problema es que gran parte del tiempo de la peli vemos a una chica sola en un museo por la noche, nos costó salir pero creemos que ha merecido la pena.

Luego buscar el equipo, un equipo de 40 personas directas, entre técnicos y actores, una veintena de figurantes y muchos colaboradores.

Todo ello dilató mucho el proceso de preproducción.

CdV: ¿Con el presupuesto que teníais inicialmente se puede hacer una película?

DOMO: Abrimos una cuenta con 2.000 € y es lo que gastamos, ya desde el guión teníamos claro que no había mucho dinero, con lo cual el guión siempre estuvo supeditado a no pasarse en el presupuesto.

Esto añadido a que desgraciadamente no pudimos pagar a nadie, y que muchos de los que curraron en la peli son profesionales con experiencia, y que el digital da una muy buena calidad con poco dinero, el resultado es que si quieres, es posible, pero has de quererlo de verdad.

El problema, además de trabajar con un presupuesto exiguo, viene dado por la complejidad del guión. A más complejidad, más caro. Por lo que hay que buscar como simplificar una idea, y luego plasmarla en un guión sin perder calidad y esto si que entraña una dificultad considerable.

CdV: ¿Por qué ahora se os ocurre embarcaros en este proyecto, cuando la situación económica parece que no anima?

DOMO: Siempre es buen momento para cumplir un sueño.

CdV: ¿Creéis que hacer cine en este país es cosa de locos?

DOMO: Nunca es tarde para emprender una aventura, y es más divertido si es con un punto de locura.

CdV: ¿Pensáis que a lo mejor una buena forma de solucionar la crisis de la industria en este país es hacer lo mismo que vosotros, contar historias sencillas y sin artificios?

DOMO: Por supuesto, hay que empezar a cambiar el rumbo de las cosas, ahora cada vez es más complicado aspirar a ayudas y subvenciones, es el momento de la imaginación y el coraje.

CdV: ¿Qué opináis de toda la polémica surgida con el tema de la piratería?

DOMO: Es un tema muy complicado de resolver, es ponerle puertas al campo. Es evidente que Internet ha cambiado muchas cosas, y no es fácil buscar el término medio que beneficie a todos, ojalá se consiga.

CdV: ¿Hay qué cambiar los canales de distribución o las cosas funcionan como están?

DOMO: Hay que cambiar sin duda porque el mundo ha cambiado, ahora es posible hacer pelis con calidad a un bajo coste, esto ha democratizado el mundo del cine, en donde todos tenemos más oportunidades, y esto debe llegar a las salas de cine, por ejemplo algo que ya funciona en otros países, es que al menos en una sala de los multicines se reserve un espacio a las pelis independientes, de bajo coste, o de autoproducción

CdV: ¿Cuáles son las mayores dificultades en las que se ve envuelto un realizador joven a la hora de enfrentarse a un proyecto de estas características?

DOMO: Dificultades hay muchas, pero si sabes rodearte de la gente ideal la cosa tira adelante.

El equipo es vital, y en el cine sin equipo no eres nada, hay que saber delegar y saber nutrirte de lo mucho que te puede aportar el equipo, tener claro lo que quieres, y eso es tener un guión sólido en el que creas de manera absoluta. Saber tratar a la gente, saber respetar a la gente, y estar preparado para tomar muchas decisiones. Mano firme en guante de seda.

CdV: Una vez terminada de rodar la película, podéis contar a nuestros lectores, ¿cuáles son los siguientes pasos a seguir?

DOMO: Enviarlo a festivales, y de manera paralela buscar la distribución en cines, Internet, televisiones, o venta en Dvd. Todo vale.

CdV: ¿Cuáles son vuestras influencias? ¿Quiénes son vuestros ídolos?

DOMO: Muchos y variados: BUÑUEL, KUBRIC, LYNCH, BERLANGA, SCORSESE, BURTON, HITCHCOCK, DE LA IGLESIA, GUILLERMO DEL TORO, EL EQUIPO DE EDICIÓN DE CUARTO MILENIO, CARPENTER, BALAGUERÓ o LOS COEN, entre otros.

En cuanto a pelis, LA COSA, PSICOSIS o EL RESPLANDOR.

CdV: ¿Qué consejos podéis dar a otros jóvenes realizadores que como tú quieran hacer de sus proyectos una realidad?

DOMO: Si quieres, debes, no esperes, es difícil, pero no imposible.

CdV: ¿Y ahora qué? ¿Tenéis algún proyecto futuro?

DOMO: Sí, estamos trabajando en el guión de otra peli de terror, aunque el titulo todavía es provisional.

Y hasta aquí llega la entrevista que amablemente nos han concedido Manolo Hernández y Vicente García. No se nos ocurre mejor manera de concluir la misma que compartir con vosotros el nuevo trailer de la película:


Les deseamos toda la suerte del mundo y esperemos verla pronto en cines.

Funny Games

Sería de un mal gusto irreparable empezar esta entrada sin agradecer al jurado de los Premios 20Blogs que eligiera éste como mejor blog en la categoría de Cine y Televisión. El alto nivel de los participantes en la categoría, y especialmente de los finalistas (¡Semejante Ramera! y Toma 11), me hace valorar aún más el premio obtenido. Tampoco puedo olvidarme de todos los compañeros integrantes de esta aventura ‘bloguera’: muchas gracias a todos por vuestro esfuerzo desinteresado, vuestra constancia y el buen hacer que demuestra la gran cantidad de entradas de enorme calidad que ya tenemos aquí. Gracias. Y por supuesto, gracias a ti, lector, por leer lo que tenemos que decir, y por tus comentarios siempre acertados. Uno escribe para ser leído, y sin vosotros nada de esto tendría sentido.

Pero la celebración ya acabó, nos reímos mucho, lo pasamos bien y nos dolió (mucho) la cabeza al día siguiente. Y ahora hay que seguir hablando de lo que nos gusta. Hoy hablamos de Haneke y su genial Funny Games.

Mientras Anna (Susanne Lothar) y Georg (Ulrich Mühe) se dirigen junto a su hijo Schorschi a su casa de verano para descansar unos días, no pueden imaginar el infierno en el que sus vacaciones están a punto de convertirse. La aislada casa de campo se transforma en una ratonera sin salida cuando dos jóvenes, de apariencia inocente, se cuelan en el interior de la vivienda, donde mantendrán secuestrada a la familia. El miedo y la tensión se apoderan desde ese momento de la escena. La lucha por la vida de unos se enfrenta con las ansias de dolor y muerte en los otros, una batalla de la que no pienso desvelar aquí el final.

Haneke consigue con esta película algo muy difícil, pero que no es otra cosa que la base real de la interpretación: que el espectador empatice con el personaje, que nos pongamos en el lugar del que está al otro lado y sintamos su dolor, su miedo y su desesperación. En Funny Games se llega a sentir. La brillante actuación del reparto nos empuja a sentirnos encerrados dentro de esa casa, vigilados por dos enfermos mentales de esos que no levantan la voz ni se ponen nerviosos, de esos cuya tranquilidad produce escalofríos.

Con poca música y a penas efectos especiales, la conversación, el diálogo, cobra todo el peso dramático de la acción; la tensión parte directamente de la situación. La casa de campo se convierte en un espacio cerrado del que es imposible salir. Pero lo más curioso es que la propia finca que rodea la casa, espacio abierto por excelencia, se transforma también en una terrible cárcel, dentro de la que transcurre toda la acción.

Angustiosa y a ratos agónica, Funny Games es una obra que hay que ver. Os aseguro que no os dejará indiferentes. Estoy seguro de que alguno encontrará cierto aire a La naranja mecánica, del genial Stanley Kubrick, y a su ultraviolencia: la violencia sin motivo, por diversión, la violencia por la violencia.

No puedo dejar de mencionar uno de los aspectos más interesantes de esta obra de Haneke: la complicidad con el espectador. Que personajes hablen directamente con los espectadores, rompiendo la estructura tradicional de la escena, nos hace cómplices de una situación aterradora. ¡Ah!, casi se me olvida: ojo con los mandos a distancia.

Dogville

Dogville es el nombre de una pequeña y tranquila población donde apenas viven veinte habitantes. Pocas veces llegan forasteros al pueblo, que está comunicado sólo por una carretera por la que casi no circulan coches. Grace (Nicole Kidman), en una huida desesperada (una huida sobre la que se ciernen algunas dudas), llega a Dogville, tratando de esconderse de su perseguidor. Allí se ocultará en una vieja mina abandonada hasta que Tom Edison (Paul Bettany) la encuentra y trata de ayudarla. Tom convencerá a todos los habitantes para dar la oportunidad a Grace de vivir con ellos en Dogville. Por supuesto, Grace deberá pasar un tiempo a prueba, antes de que la decisión sea definitiva. Grace aprovechará con creces ese tiempo, ayudando a los habitantes de Dogville en sus tareas diarias y, en definitiva, haciendo la vida más agradable a todos ellos. Pero Grace, que representa la bondad personificada en sí misma, recibirá un trato terrible por parte de los habitantes del pueblo, que se aprovecharán de ella hasta el extremo más horrible.

Lars Von Trier presenta en Dogville, y sobre todo en sus habitantes, la idea de la maldad que llevamos dentro. ¿Somos malos por naturaleza? Los ciudadanos de Dogville, desde luego, no dudan en aprovecharse de la debilidad de Grace para sus propios beneficios. ¿Somos tan horribles? ¿Engañan las apariencias? ¿Está en nuestra naturaleza aprovecharnos de los débiles? Todas estas preguntas presenta el genial director en esta obra de calidad excepcional.

Aún no hemos hablado de uno de los detalles tal vez más llamativos: el decorado. Dogville se lleva a la pantalla como si de un teatro se tratara. Las casas están pintadas en el suelo, igual que las calles, los perros e incluso las plantas. El pueblo entero es un decorado dibujado sobre el que actúan (magníficamente, por cierto) los actores. Lars Von Trier no se pierde en efectos especiales ni grandes puestas en escena: confía en la historia y, sobre todo, en que los actores nos lleven, nos guíen dentro de la trama. ¿Qué más da si una puerta es una puerta o un simple dibujo en el suelo? Lo importante no es la puerta, sino por qué debe abrirse... O cerrarse...

Casi tres horas de verdadera interpretación. Casi podría decirse que son tres horas de teatro grabado con cámaras de cine. Tal vez el espectador se sienta extraño los primeros minutos pero, a medida que avanza la trama, uno se olvida de los extraños decorados (no tan extraños, si lo piensa uno bien) y se centra en una historia de las buenas, de las que te dejan sentado ciento setenta y ocho minutos; de esas que luego recuerdas siempre con buen sabor de boca. Cuando uno acaba de ver Dogville, sabe que está ante una de las grandes del cine actual.

Una película imprescindible en la videoteca de todo amante del cine. Un experimento cinematográfico que se salda con una obra realmente espléndida, y con una interpretación brillante de todos los actores.

Open 24H

Ya he comentado alguna vez en este mismo espacio que hay mucho y buen cine más allá de las grandes producciones, fuera del circuito comercial al que estamos acostumbrados. Las obras cinematográficas que se generan superan con creces a las que podemos ver en las grandes salas, en los “Kinépolis” de turno, e incluso a las que podemos apreciar en salas más pequeñas que se arriesgan un poco más. Es el caso de la película de la que quiero escribir hoy: Open 24H, de Carles Torras.

Se trata de una película independiente, producida (y todos sabemos que ahora sí estamos hablando de dinero) por Zabriskie Films, que al fin y al cabo es lo mismo que hablar de Carles Torras. Es cine atrevido, donde lo que importa es la historia, el guión, pero que no escatima en usar todos los medios que el director tiene a su alcance para hacer una gran película. Vi Open 24H en un festival de cine independiente en la Academia de Cine, en Madrid, y recuerdo que salí de la sala con muy buen sabor de boca, sabiendo que acababa de ver 70 minutos de gran calidad y buen hacer. Recuerdo que me llamaron mucho la atención el sonido y la imagen, con detalles muy acertados en ambos casos. Escenas con un cuidado aspecto visual, trabajadas, pensadas, acompañadas de un sonido cotidiano, impactante, tan real que uno casi no se da cuenta hasta que lo detecta, y entonces se vuelve imprescindible. Eso es cine.

De la trama ya sabéis que me gusta hablar poco, al fin y al cabo es mejor que veáis la película vosotros mismos. Pero, a modo de aperitivo, os diré que el protagonista principal, Héctor, es un vigilante nocturno que pasa por momentos duros. Cuida de su hermano, con problemas físicos y psíquicos, y de su padre, de temperamento duro y autoritario. Lucha, en fin, por una vida que, probablemente, no es la que hubiera deseado llevar; una vida gris y apática que empuja al protagonista hasta el límite de sus propias fuerzas. Una trama dura que desemboca en un final brillante. No dejéis de verla.

Y ahora es cuando viene el gran dilema. ¿Cómo ver una película que, a pesar de estar recorriendo medio mundo, en España a penas ha tenido pases de sala? Yo os voy a recomendar una opción muy acertada y que seguro que os convence. En primer lugar os invitaría a buscar y rebuscar por salas de cine, o festivales, por si tenéis la suerte de verla en gran pantalla. En segundo lugar, os invito a verla en la tranquilidad del sofá de vuestras casas, a través de Filmin: Open 24H en Filmin. Afortunadamente, la tecnología e Internet nos permiten cada vez más llegar a las obras de los artistas que trabajan fuera de lo comercial. Insisto y repito, hay mucho y muy buen arte ahí fuera, sólo hay que buscarlo. Ni todo el buen cine se proyecta en grandes salas, ni todos los grandes grupos tocan en estadios de fútbol, ni todas las obras literarias excelentes aparecen en la mesa de “las más vendidas” del FNAC... Hay que mirar más allá, un poco más allá. Como dijo un genio, es fácil si lo intentas.

Bestias del sur salvaje (2012).

"The whole universe depends on everything fitting together just right. If one piece busts, even the smallest piece, the entire universe will get busted"

(Todo el universo depende de que todo encaje a la perfección. Si una pieza se rompe, incluso la más pequeña, el universo entero se romperá)

Hace unos días me envió un privado por el facebook mi primo en el que entre otras cosas me recomendó una película. El título no me sonaba para nada: Bestias del sur salvaje. Sin embargo confié ciegamente en su criterio ya que él fue quien me recomendó una de las mejores series de magia y hechicería que se han hecho jamás y de la que me veo en la obligación moral de escribir próximamente: Kröd Mändoon and the Flamming Sword of Fire. La película sólo tenía dos opciones de visualización: español latino y VOSE (Versión Original con Subtítulos en Español). Obviamente elegí la segunda opción. Soy de los que cree que con el doblaje se pierde parte de la esencia de las películas y series.

Bestias del sur salvaje es una película americana pero no es una película americana. Con esta absurda afirmación lo que quiero decir es que no es la típica superproducción de Hollywood de grandes medios económicos y técnicos que sustentan generalmente un argumento gris y poco novedoso. Por el contrario esta película pertenece más bien al cine independiente.

Esta primera obra del director Ben Zeitlin, un director emergente nacido nada menos que en el 82 (casi de mi quinta), no pretende revolucionar la industria del cine ni mucho menos. Ni lo pretende ni lo consigue. Sin embargo sí que se percibe un modo distinto de contar las cosas. También nos acerca un modo de vida diferente, tan cercano geográficamente al mundo industrializado pero tan distinto en sus fundamentos.

La película nos pone en la piel de la pequeña Hushpuppy,  una niña que vive con su padre en un bayou, en Misisipi. Pero creo que mejor que una explicación mía será transcribir la sinopsis que he encontrado en la página de golem:

"En una olvidada y orgullosa comunidad instalada en un bayou (zona pantanosa formada por los meandros del Misisipi) apartado del mundo por un inmenso dique, la pequeña Hushpuppy, de seis años, está a punto de quedarse huérfana. Hace tiempo que su madre se fue, y su adorado y alocado padre siempre está de juerga.

Hushpuppy debe arreglárselas como puede en medio de la nada, rodeada de animales semisalvajes. Percibe la naturaleza como una frágil red poblada de cosas que viven, respiran y expelen agua y que el universo depende de que todo encaje a la perfección.

Pero cuando una tormenta de cien años eleva las aguas alrededor de su pueblo, su papá enferma de pronto y unas feroces criaturas prehistóricas se descongelan y despiertan decididas a lanzarse a la carga, Hushpuppy descubre que el orden natural que tanto ama está a punto de derrumbarse. En un intento desesperado por reparar la estructura del mundo y así salvar a su padre y su hogar, esta diminuta heroína deberá aprender a sobrevivir a una catástrofe imparable de proporciones épicas."

Inundaciones catastróficas, bestias prehistóricas, bayous...¿he leído bien? ¿me he fumado un porro y estoy flipando? ¿he metido la cabeza en un cubo de pegamento industrial y estoy flipando? Nada más lejos.

Supongo que como en muchos trabajos de éste tipo en que el argumento es un tanto extraño y enrevesado, se aceptan todo tipo de conclusiones e interpretaciones. Bajo mi punto de cruz...perdón, quería decir punto de vista, creo que el tema de los monstruos y las inundaciones son algo así como metáforas y representaciones gráficas de lo que está viviendo nuestra protagonista. Por un lado, las inundaciones y la presa que provoca que el pueblo se llene de agua hasta las trancas representa el deseo del padre de evitar que el mundo exterior e industrializado trastoque el pacífico mundo aislado en el que nuestros protagonistas pasan sus días.

Por otro lado los monstruos representan el cambio, el avance de lo inevitable. Se supone que son una amenaza para la humanidad. Pero en realidad lo que amenazan es el equilibrio del mundo del que habla Hushpuppy, es decir, el mundo tal como lo percibe. Éste mundo incluye a su padre, quien tiene una enorme influencia sobre la chiquilla, a pesar de que esta se le rebote a menudo.  Y puesto que éste puede desaparecer debido a su enfermedad, los pilares sobre los que su vida se sustenta se tambalean, como si una bestia salvaje (los monstruos) los derribasen.

Como ya he dicho todo esto no son más que conjeturas de un hombre trasnochado. Lo mismo simplemente és lo que és, más o menos como dijo Parménides.

Una vez "analizada" la película, comentaré mi opinión sobre la misma. Es una película diferente, lo que no siempre es bueno, pero en mi caso lo agradecí. Muestra un modo de vida distinto, rústico y tradicional, que pese a las muchas carencias que se pueden apreciar, tiene muchas cualidades que ya nos gustaría tener en esta sociedad "moderna" en la que vivimos. Además sabe transmitir emociones a través de la brillante mirada de Hushpuppy, impecablemente interpretada por Quvenzhané Wallis, una auténtica revelación como actriz, totalemente desconocida hasta la fecha al igual que el resto del reparto.

La relación entre padre e hija es realmente atrayente. Un momento el padre parece totalmente desinteresado del bienestar de la pequeña y de su educación y al siguiente es durísimo con ella y se asegura de que esta escuche sus consejos y lecciones. Esta dualidad no es casualidad ni una incongruencia, sino que todo tiene una explicación. El padre quiere aflorar la capacidad de independencia y autosuficiencia en la pequeña ya que la enfermedad tarde o temprano se lo llevará.

El entorno ofrece un paisaje diferente, que pasa de un fondo de ensueño a un escenario digno de películas postapocalípticas tales como Mad Max.

En ocasiones la película resulta un tanto lenta, lo cual es un peligro si la visualizas durante la madrugada como hice yo. Pero aguanté como un jabato, ya que me maravillaba ese mundo tan cercano y tan lejano. Sin embargo no es una película apta para amantes del cine de acción y de desarrollo frenético. Personalmente la considero recomendable, pero no imprescindible. Y estoy seguro de que habrá un sector al que no le guste. Para gustos colores. A continuación os dejo el trailer subtitulado.


Yo me he limitado a exponer mi experiencia y dar mi opinión. Ahora veamos el palmarés de la película.

- Festival de Sundance: Mejor película y mejor fotografía.
- Festival de Cannes: Cámara de Oro y Premio FIPRESCI (sección "Un Certain Regard").
- Premios Gotham: Mejor nuevo director. 3 nominaciones.
- Independent Spirit Awards: 5 nominaciones, incluyendo mejor película.
- Satellite Awards: 3 nominaciones, incluyendo Mejor película.
- National Board of Review (NBR): Top 10, Mejor actriz rev. (Wallis) & director novel.
- Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actor secundario y mejor BSO.

Como veis la crítica también la pone por las nubes. Sin embargo en ocasiones la crítica y el público no van precisamente de la mano. Por tanto, la decisión final de verla o no verla es cosa vuestra, ya que nadie irá con una pistola a vuestras casas a obligaros a verla.

"In a million years, when kids go to school, they gonna know that once there was a Hushpuppy and she lived with her daddy in The Bathtub"

(Dentro de un millón de años, cuando los niños vayan a la escuela, sabrán que hubo una vez una Hushpuppy que vivió con su padre en La Bañera)

Domo (2012), cine de terror paranormal con acento español

De la mano de Manolo Hernández y Vicente García, dos jóvenes aspirantes a cineastas con varios cortos y documentales a sus espaldas -y ganas de comerse el mundo-, nos llega Domo, un largometraje de terror sobrenatural con el que buscan continuar la buena senda que últimamente está marcando el cine español en el género.

La película narra la historia de Sira (Mireia Grau), una chica que trabaja de limpiadora en el turno de noche del Museo Morgen Brandt. Sira descubre que una soprano de origen alemán, Morgen Brandt (Olga Galvany), murió hace años en el incendio de una mansión sobre cuyas cenizas fue construido el museo en el que trabaja. Sira tiene miedo, empieza a notar sucesos extraños; percibe que no está sola.

Los responsables del ambicioso film prometen una cinta de terror con una forma narrativa que el director califica de "novedosa y arriesgada" que da como resultado un concepto cinematográfico "minimalista e hipnótico" con el que pretenden encontrar una manera distinta de abordar el género y hacer que el espectador no pueda despegar su trasero del asiento.

"En un porcentaje muy elevado está grabada en el MUSEO DE BADALONA, porque con su espectacular subsuelo arqueológico de termas Romanas nos ofrecía ese plus que necesitábamos para acabar de armar el proyecto."

"Es una peli que producimos nosotros, y que cuenta con unas 40 personas directas en cuanto equipo técnico y artístico, y unos 40 más entre figurantes y colaboradores."

La película, además de tener muy buena pinta, está en fase de posproducción y la intención es que pueda ser estrenada antes de final de año.

Aquí os dejo el primer teaser oficial, donde ya se intuye el papel que la oscuridad y el silencio parece que jugarán en la historia:



También os dejo algunas imágenes del rodaje que los responsables del proyecto nos han hecho llegar en primicia para Crónicas de Valhalla: