El arte en Nocturnal Animals

Hace algunos años una amiga me dijo que las inauguraciones estaban muertas. Era una sentencia del tipo punk is dead, cruda pero real. Recientemente he visto una película que refleja esta idea, Nocturnal Animals, una producción de Focus Features.
El film comienza con el oppening de una exposición cuyas obras son enormes cuadros animados, al estilo de los que decoran el Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería en Harry Potter. Glamurosas mujeres obesas muestran su desnudez mórbida mientras bailan de manera sensual. Pero el espectáculo carece de glamour y sensualidad, es una contradicción en la que el espectador queda atrapado de entrada.

Captain Fantastic

Existen contadas ocasiones en las que una película conecta completamente con tu forma de ser, de pensar, películas que brillan por sí mismas entre la marea de producciones que inundan nuestras salas de cine y televisiones, un brillo equiparable al de una pepita de oro entre la arena para quien se dedica al bateo de oro. Encontrar esa perla escondida, esa aguja en el pajar formado por películas mediocres, comerciales y guiones sin sentido, hace que merezca la pena tan afanada búsqueda. Por eso, al encontrar esa rara avis, gente como yo siente la necesidad de comunicarse con sus allegados para recomendar esa película, por si por algún casual es capaz de transmitir esas mismas sensaciones de manera similar al resto de congéneres. Ahí es donde entra en acción este magnífico blog que me permite divulgar mi palabra para hablaros de Captain Fantastic, que sea una recomendación errónea o acertada dependerá del tipo de persona que la vea, pero a mí personalmente me encantó.

El Jardinero Fiel

“Los ingleses aman sus jardines, los libros de jardinería, los programas de jardinería en la televisión. En el jardín inglés todo está controlado pero no se quiere dejar notar.”

El jardín paisajístico, el jardín inglés. Edgar Neville.

Salad Fingers, una animación perturbadora

Hola a todos, antes de nada me gustaría pedir disculpas de parte de todo el equipo de Crónicas de Valhalla por este paréntesis editorial por el que estamos pasando, últimamente resulta complicado encontrar momentos para escribir o simplemente encontrar algo que merezca la pena recomendar. Dicho esto, hoy me gustaría compartir una miniserie de youtube que sin duda no será del gusto de todos. Salad Fingers es una webiserie creada en 2004, es perturbadora y puede que incluso macabra, que provocará rechazo a la mayoría de espectadores, pero que sin embargo, aún ante la sensación de malestar que puede provocar su visionado, yo no pude dejar de seguir las desventuras de este personajillo hasta acabar su metraje.

Mr. Robot, la serie revelación de 2015

Saludos lectores, hoy mostraremos la receta para preparar nuestra propia serie ganadora de un Globo de Oro y un Premio de la Crítica: para empezar batimos intensamente 225 g de conocimientos de informática y 150 g de crítica sociopolítica hasta obtener una mezcla homogénea. Una vez mezclados, añadimos 50 ml de influencia de El club de la lucha y 80 ml de influencia de Anonymous (también pueden ser reemplazados por 80 ml de V de Vendetta); esto generará una consistencia y una textura exquisita para nuestra serie. Sin dejar de remover, añadimos 1 protagonista enigmático, preferiblemente que sea fresco, porque evitando el toque de madurez seriéfila dará un mejor aspecto a nuestro producto. Horneamos a 200ºC durante 40 minutos, una vez pasado este tiempo dejamos enfriar. Para darle un toque final podemos aderezar con un poco psicosis y carisma, así conseguiremos también otros premios como el Globo de Oro a actor de reparto y Premios de la Crítica a actores principal y de reparto.

Mientras seamos jóvenes

Esta película nos presenta a un matrimonio formado por Josh Srebnick (Ben Stiller), un célebre y veterano director de documentales, y Cornelia (Naomi Watts), una productora de documentales e hija de otro importante director. Josh está trabajando en su última obra, en la cuál lleva invertidos nada menos que 8 años y los que parece que faltan, y se niega a trabajar para su mujer por orgullo, para que no le resten méritos. La pareja está inmersa en una vida monótona y aburrida, no tienen hijos ni ganas, a diferencia de la pareja que forman sus mejores amigos.

Esta monotonía cambia cuando empiezan a salir con una joven pareja toda vitalidad y pasión, formada por la atractiva Darby (Amanda Seyfried) y el molón Jamie (Adam Driver), autodeclarado admirador de Josh y joven realizador de documentales. Este último actor lo descubrí en la última de Star Wars, donde no me dejó del todo buena imagen, ya que me pareció estar viendo a Severus Snape de Harry Potter en lugar de a un digno heredero de Darth Vader. Sin embargo, en esta película hace un papel realmente bueno, independientemente de si cae mejor o peor su personaje.

Happy Valley

Recientemente he terminado la última temporada de Shameless, una serie impresionante por cierto, y después de 5 temporadas no sabía por donde tirar. Para estos casos en los que no me apetece enfrascarme en otra serie de varias temporadas, tengo en la guantera unas cuantas series breves aclamadas por público y crítica. Happy Valley es uno de esos casos que me ha obligado a escribir sobre él y recomendarlo a nuestros fieles lectores, un drama/thriller policiaco que me ha tenido en vilo de principio a fin. Se trata de una miniserie británica de 2014 producida por BBC One que consta de 6 episodios de aproximadamente 60 minutos de duración, y que aunque en un principio estaba pensada para una sola temporada, debido a su éxito ha sido renovada por una segunda temporada. 

MAPA DE LAS ESTRELLAS Fuego, incesto y esquizofrenia.

Mapa de las Estrellas es una despiadada radiografía del Hollywood mas tóxico y miserable. Aunque como el propio Cronenberg ha señalado, podría ir sobre cualquier sitio en el que la mentira sea la realidad y la gente este desesperada y enloquecida de ambición.

La película es un drama psicologico con elementos de tragedia Griega. Los personajes parecen condenados desde su nacimiento por el hecho de haber sido concebidos.

Peaky Blinders

1919 Birmingham, Reino Unido. Thomas Shelby (Cillian Murphy, recordado por papeles como El Espantapájaros en el Batman de Nolan u Origen) es un ex-combatiente de La Gran Guerra  y líder de una banda criminal llamada Peaky Blinders (que existió en la realidad) en esta industrializada ciudad del centro de Inglaterra. El nombre de la banda viene debido a que sus integrantes contaban con una hoja de afeitar escondida en su gorra (llamada peak) con la que atacaban cegando a sus agresores cuando se veían envueltos en algún tipo de refriega. Los ingresos principales de esta banda delictiva provienen de su negocio ilegal de apuestas de carreras de caballos, además de unos beneficios extras por proporcionar protección a los comercios de la zona, para lo cual un poco de intimidación y amenazas nunca viene mal. Es decir, los Peaky Blinders son los que manejan el cotarro, los que parten la pana en Birmingham.

El truco del manco, crudeza en estado puro

Con el título de este post creo que ya se hace uno una idea de lo que se va a encontrar ante el visionado de esta película. Pero por si queda alguna duda, voy a explicar el argumento de la misma. Eso sí, antes de empezar quiero que el lector se ponga en situación mediante una reflexión. Aunque no es que nos salga dinero por las orejas ni mucho menos, en mi casa podemos llegar a fin de mes, y tenemos una familia más o menos estructurada. No me puedo quejar. Pero uno no elige dónde nace. Hay quien la "fortuna" le lleva a familias que lo pasan mal para vivir el día a día, viven en barrios llenos de criminalidad y pobreza. Además tu mejor amigo es drogadicto y tiene un padre alcohólico. Ahora imaginaros a un chaval (bueno, ya crecidito) que le ha tocado vivir en esta situación. Es duro, ¿verdad? Pues ahora añadidle a ello el ser minusválido, tener medio cuerpo afectado por una parálisis cerebral. Si antes ya era chungo, ahora es realmente jodido.

Fargo. El corazón helado de la América profunda.

Arriesgado. Esa es la primera palabra que me viene a la cabeza al saber que FX ha estrenado una serie sobre la película de culto de los hermanos Coen.
Pero quien tiene boca se equivoca, y mediante un buen puñado de historias secundarias que se arremolinan respecto a la principal (llenas de guiños a los personajes del film original), se harán las delicias más húmedas de los seguidores más acérrimos de los Coen.
Humor negro, una buena dosis de violencia, un villano de bandera o un reparto de lujo son las principales razones para que no te pierdas la "tapada" del año en cuanto a series se refiere.

Eso, y lo bien que queda el carmesí sobre la nieve…

Kamikaze (2014)

Para una producción nacional no es fácil sobrevivir a la vorágine de estrenos extranjeros que cada fin de semana se dan cita en nuestras carteleras. Si además tiene la mala fortuna de coincidir en el espacio y el tiempo con una de las películas españolas más taquilleras de los últimos años, la posibilidad de que pase inadvertida aumenta exponencialmente.

Kamikaze ha sido una de esas películas. Una producción que pasó sin pena ni gloria por la taquilla y a la que sin embargo le sobran tablas y argumentos para posicionarse, incluso por delante de Ocho Apellidos Vascos, como una de las mejores cintas españolas del año.

Sons of anarchy

Acabas de terminar una serie, has disfrutado del capítulo final con impaciencia por saber qué ocurre pero con pena porque sabes que será la despedida. Dejas unos segundos para dar el último adiós y se presenta el momento inevitable: Y ahora, ¿qué veo? En esta época de series que se van superando en elenco, presupuesto y calidad se hace muy complicado elegir el siguiente título que ocupará tu tiempo libre. Además, aunque desconfíes de la acalorada recomendación que anoche te dio tu colega mientras te salpicaba con la jarra de cerveza con tanto gesto entusiasta, te sigue quedando el aluvión de ideas que desde crónicas de valhalla te llega semana tras semana. Una cantidad de ofertas que hace que la elección por la siguiente apuesta se vuelva realmente difícil. 

Hace poco me vi obligada a enfrentarme a esta situación y decidí dejarme llevar por el consejo más reciente. En vez de continuar con alguno de los títulos que desde hacía tiempo tenía en mente, tiré los dados por Sons of Anarchy (hijos de la anarquía).

Stalker

Hoy quería hablaros de otro nuevo estreno de la temporada, se trata de 'Stalker' la nueva apuesta de Kevin Williamson (‘Dawson Creek’, ‘The Vampiere Diaries’, guionista de ‘Scream’). Stalker significa acosador y precisamente de eso va la cosa, es un thriller psicológico sobre dos detectives de una unidad policial que investiga casos de acoso en Los Ángeles; el voyerismo, el acoso cibernético y la obsesión amorosa, son la temática de las tramas.

Perdida, "mala malísima".

La película no logra llevar a cabo el desafío narrativo que planteaba la novela de explicar una historia construida sobre los testimonios de narradores no fiables. La adaptación resulta simplemente manipuladora y tramposa. Voy a destripar la peli, si no la has visto aún, igual prefieres no seguir leyendo.

Vivir es fácil con los ojos cerrados

Las cosas como son, viajar en autobús es un infierno. En las cinco horas que dura un trayecto Madrid - Granada te da tiempo a explorar las extensas praderas del aburrimiento. Tras darle cuatro vueltas a las pocas canciones que te caben en el móvil, e intentar sin éxito leer unas lineas del libro que llevas (provocando que te pongas bizco y que te entren ganas de echarle la pota al que llevas al lado...), solo te queda mirar con desesperación por la ventana e implorar al cielo que algo haga que el tiempo pase lo más rápido posible.

My Sassy Girl, ¡¿quién es tu papi?!

Hoy quiero hablaros de lo que a mí me parece una gran película coreana: My Sassy Girl, que se traduciría algo así como "Mi chica descarada", cuyo auténtico título original es 엽기적인 그녀 (coreano de Cuenca). Ya mencionó de pasada esta película mi compañera Soulie en su post sobre Castaway On The Moon. Me encantan el cine y las series coreanas, y me apetecía compartir con vosotros esta obra. Una muestra de que la película merece una oportunidad es que tiene su remake yanki.

Orange is the new black

Sin duda alguna vivimos en una época donde la calidad de las series de televisión es abrumadora. Lo de estar en casa un fin de semana y decir "que aburrimiento, y ni siquiera hay nada en condiciones para ver en la tele" ya no es una opción, ya que el menú a la carta de grandes series que no paran de emitirse es maravillosamente extenso. Muchos serieadictos pasamos por una pequeña crisis televisiva cuando nuestra serie favorita acaba: 

"Oh no, ha acabado Lost, ¿ahora qué?... Bueno, al menos me queda House" 

"Oh no, echaré de menos a mi querido y sarcástico Dr. House, ¿ahora qué?... Bueno, dicen que esa serie tiene buena pinta, ¿cómo se llamaba? ¿Breaking Bad?"

"Joder, Walter "Heisenberg" White eres el puto amo, ¿pero ahora que ha acabado la serie qué será de mi? Y además tengo que esperar un maldito año para la nueva temporada de Juego de Tronos AAAAAAH"

Y después llegó Sherlock, True Detective y muchas más que me quedan por descubrir y disfrutar. Y es que últimamente los espectadores estamos de enhorabuena por este aluvión de series de calidad que nos ha tocado vivir... y aquí es donde entra Orange is the new black. No es que la esté encumbrando en el mismo altar que las anteriormente mencionadas, esas ya se han ganado un lugar en el Olimpo de las series, pero sí que es cierto que OITNB es una serie distinta, y esto es notable tras ver apenas dos capítulos.

Deadwood

*Advertencia: A partir de ahora todo van a ser alabanzas para esta producción.
Hoy traigo un clásico de la televisión que ya se ha convertido en serie de culto, 'Deadwood', serie que dio comienzo en 2004, tiene 3 temporadas y llego a engancharme tanto que me vi los 36 episodios en dos semanas. Abalada por  la HBO y por numerosos premios, ganó 8 premios Emmy de 28 nominaciones y un Globo de Oro. Se puede definir como un drama y un western, aunque es una producción única en su género, yo diría que es salvaje en todos los sentidos, y a su vez maravillosa, es tan buena como las mejores películas. Pensareis leyendo mis últimas recomendaciones que solo me gusta el drama, no es así, me encanta reírme, pero lamentablemente hace muchísimo tiempo que no veo humor bueno, (lo siento por los fans, pero a mí cosas como ‘Modern Family’ o ‘Big Bang Theory’ solo consiguen en ocasiones que esboce una sonrisa y yo lo que quiero es soltar carcajadas).

Paradise Now

En los conflictos que se alargan en el tiempo las partes enfrentadas acaban defendiendo sus puntos de vista de forma incondicional, unas ideas que consideran verdaderamente ciertas y absolutas. Es por eso que en muchas ocasiones, un espectador que no toma parte puede no comprender hasta dónde llega el sacrificio para luchar por ellos o puede no entender la deformación que parece sufrir la escala de valores al observarse desde fuera. Es en ese momento donde a uno le gustaría poder descifrar las mentes ajenas y conocer el motor que impulsa a actuar de un modo que a priori puede resultar irracional.

Ese es el espíritu que puede conducir a Paradise Now, a intentar conocer un poco más la visión de una de las partes de este conflicto que tantos años dura, el que comparten Palestina e Israel.

De vuelta a mi infancia (I) Cuenta conmigo (1986)

No hay tantas películas de las que pueda presumir que hayan provocado un cambio en mi manera de ver las cosas en el día a día, Cuenta conmigo es una de esas pocas...

Ciclo Frank Capra (I): Vive como quieras (1938)

Al terminar de ver esta película he pensado "menudo peliculón, se merece un post para Crónicas de Valhalla". Al caer en la cuenta de que el director es Frank Capra me he dicho "si es que este tío ha hecho un montón de clásicos, debería hacer un post recopilatorio de todos ellos", pero luego he pensado que no sería justo ya que no abordaría todo lo bueno de cada película, así que finalmente he decidido hacer un Ciclo Frank Capra donde os daré a conocer sus mejores películas, o al menos las que yo opino que todo amante del cine debería ver si no lo habéis hecho ya. 

Sin duda alguna, la obra más conocida de este genial director es Qué bello es vivir, rodada en 1946, pero para aquel entonces, Frank ya era una eminencia en Hollywood, no en vano fue ganador de tres Oscars a mejor director: en 1934 con Suceció una noche, 1936 con El secreto de vivir, y 1938 con Vive como quieras a la cual va dedicado el post de hoy. Solo a la altura de otros dos grandes de la historia del celuloide: John Ford (Las uvas de la ira, Centauros del desierto), ganador de 4 estatuillas e igualado por William Wyler (Ben-hur, Vacaciones en Roma) con otras tres. 

Amor (2012)

Supongo que la gran mayoría habréis oído hablar de esta película, la cual montó mucho revuelo tras su estreno, floreciendo las buenas críticas allá donde pasaba. Ha estado nominada a mejor película extranjera/europea en 16 festivales de cine, incluyendo Oscars y Goya, y consiguió el galardón en 15 de ellos (solo los Satellite Awards se le resistieron). Llegó a participar incluso en la categoría de mejor película de los Oscars junto a películas como Argo, Los miserables, o Django. Después de semejante trayectoria uno puede pensar que está ante una joya... y quizás por tener las expectativas tan altas acabé tan defraudado después de verla.

Amor (Amour) es cinta austriaca dirigida a manos del genial a la par que controvertido Michael Haneke, al que recordaréis de otras producciones como Funny Games, La pianista o La cinta blanca. Haneke es un autor que aporta un estilo muy propio a sus obras, las cuales han sido consideradas como duras, desgarradoras e incluso angustiosas. Muchos críticos califican sus películas dentro del género de terror, pero es un terror especial, sin monstruos, fantasmas o asesinos sanguinarios, el suyo es el terror de la vida misma. Con palabras del propio director:

Her

¿Puede una forma de inteligencia sin cuerpo, sin materia orgánica, llegar a ser un ente capaz de amar o ser amado? ¿Tiene sentido que alguien se enamore sin condiciones de una mente que no puede abrazar ni acariciar? ¿Cómo se reparte en una relación la importancia de la parte física y de la parte psíquica?

Con Her, Spike Jonze vuelve a escapar de lo convencional para sorprender, para curiosear dentro del concepto del amor y hacer añicos la limitaciones y las necesidades de la carne, del cuerpo.

12 años de esclavitud

Sólo quedan días para la gran gala del cine y una de las grandes favoritas tanto por la crítica como por los premios logrados hasta el momento es la que aquí titula: 12 años de esclavitud. ¿Nos encontramos entonces frente a la película del año? ¿Repetirá podium en la gala del domingo?

Quiéreme si te atreves (2003)

¿Qué hace que una película sea buena? Cada cual tendrá su propio criterio, para mi una buena película es aquella que da que pensar, o una que tenga unos diálogos tan contundentes que cuando escuchas uno piensas "buah, eso lo tengo que poner en facebook/twitter/tuenti/mesengger/mi diario". Que se me venga a la mente, un ejemplo de un guión redondo, con unos diálogos brillantes, sería El indomable Will Hunting (altamente recomendable, podéis ver una muestra en el último post de Sr. Rorschach). Sin embargo, la película de la que quiero hablaros hoy es de las primeras, de las que dan que pensar, no porque sea filosófica, sino simplemente porque te aporta algo que queda guardado dentro de ti, que no deja indiferente, que cuando la terminas de ver piensas "le tengo que decir a (introducir nombre de mejor amig@) que vea esta película", estoy hablando (como ya sabréis por el título del post) de Quiéreme si te atreves.

Caminar sobre las aguas (2004)

Si alguna vez viajas al mar de Galilea es posible que puedas caminar sobre las aguas. Pero primero necesitas prepararte, necesitas purificarte, tu corazón tiene que estar limpio por dentro, nada de negatividad, nada de malos pensamientos. ¿Y después? Después, puedes caminar sobre las aguas.

El lobo de Wall Street

Sea por el respaldo de 5 nominaciones a los Oscar o por los agradecidos precios del cine entre semana, el último trabajo de Scorsese  sigue ganado terreno y continúa meteórico en su recaudación en las salas españolas. Una fiera que se ha convertido en el mejor estreno del director en nuestro país. Una vuelta a personajes enfermos de codicia, que si bien no se manchan las manos de sangre como Robert de Niro o Joe Pesci, también destrozan vidas en su ascenso al poder.

Invictus (2009)

"Soy el amo de mi destino, soy el capitán de mi alma". Esta frase pertenece al poema "Invictus", de William Ernest Henley, "el poema que inspiró a unir una nación". Clint Eastwood ha utilizado este título para llevar al cine un periodo en la vida de Nelson Mandela: desde su primer día como presidente hasta que el equipo de Sudáfrica ganaba su primer mundial de rugby. Basada en el libro de John Carlin, "Playing the Enemy", la película tiene cuatro elementos que pueden convencerte para un meritorio hueco en tu filmoteca: Morgan Freeman interpreta a Nelson Mandela, rugby y un titánico Matt Damon, Clint Eastwood como director y, sobretodo, una serie de escenas inspiradoras en aquello -que a veces olvidamos- de no abandonar jamás una lucha en la que crees fervientemente.

Le tableau

En Le tableau hay tres clases sociales, los “Toupins”, los “Pafinis”y los "Reufs". Los primeros son altaneros, orgullosos de su condición y generosos despreciando a los que no pertenecen a su clase. Los segundos se encuentran en un estadio intermedio, donde solamente escasos detalles los separan del derecho por "nacimiento" de los acomodados. Y en la base de la escala los Reufs, los marginados, escasos trazos sin color y por tanto sin privilegios. Y es que todos ellos son en realidad personajes de un cuadro, le tableau en la lengua gala:  los Toupins, completamente pintados, los Pafinis, casi completos y los Reufs, simples bocetos.

El mayordomo

Hace un par de semanas se celebró La Fiesta del Cine: tres días en los que una entrada de cine costaba sólo 2,90 €. En esos días la salas de los principales cinemas de España se desbordaron, se colgó el cartel de AGOTADO en la mayoría de las proyecciones, y se ingresaron muchos más beneficios que en tres días a precio estándar (6 € en Granada, rondando los 8 en Madrid...). Y yo digo, ¿por qué no bajar los precios de forma indefinida? Luego es culpa de la gente que ve películas online que los cines cierren y la industria se vaya a pique. Claro que sí, campeón...Que se creen que nos mola ver películas en calidad Screener en un portatilucho y entrecerrando los ojos para agudizar el oído porque no te enteras de una papa, en vez de estar sentado en un butacón con tus palomitas y tu coca-cola (o gazpacho en algunos curiosos casos que he descubierto hace poco), con el THX poniéndote los pelos de punta y cantando "¡¡Moooooooovierrecord!!". En fin, por donde iba...Ajá, que eso, que fui al cine. No tenia antojo especial por ninguna de las pelis que se mostraban en la cartelera así que me deje guiar por la elección de mi acompañante, y reconozco que no me defraudaron para nada los 132 minutos siguientes.

La linterna roja

En la China de los años 20, las circunstancias de la joven Songlian la obligan a convertirse en la cuarta dama de un señor acaudalado. Desde el mismo momento en el que pisa su nuevo hogar será consciente de la hostilidad y los rencores que la rodean. Una situación que le obliga a proteger su territorio frente a sus nuevas y forzosas "hermanas". En definitiva, un juego de serpientes.

Así de sencilla resulta la trama de la linterna roja. Y es que pocos como Yimou pueden llenar de matices con tan poco artificio y contar la historia de cuatro concubinas con tanta elegancia y sensibilidad.

Manderlay

"En Manderlay, los esclavos cenamos a las siete. ¿A qué hora cenan las personas libres?", con esta cita del guión puede describirse con acierto gran parte de la esencia de esta magnífica película de Lars von Trier, que forma la segunda entrega de su inconclusa trilogía Estados Unidos: tierra de oportunidades (puede que nunca se llegue a terminar). De la genial Dogville, el primer título de las tres, ya hablamos hace tiempo aquí. Ahora le llega el turno a Manderlay, una obra dura, con un estilo similar a su predecesora, aunque esta vez el director se permite algún lujo más en cuanto al escenario se refiere. Ojo, que por lujo nos referimos a alguna que otra columna, una escalera de caracol, una verja y algún que otro elemento añadido, lo justo y necesario para contar la historia.

Black mirror

Black mirror, ese espejo negro que hoy encuentras en cada muro, escritorio o palma de la mano: la pantalla fría y brillante de un televisor, un monitor o un teléfono inteligente. Un oscuro reflejo que muestra con contundencia hasta dónde se adentran- o podrían hacerlo- las nuevas tecnologías en nuestro día a día. 

Hasta el momento, dos temporadas con un total de seis capítulos. Minutos para sacudir conciencias e inspirar en el menor de los casos una incómoda incertidumbre.

Este abanico de historias con repartos y temáticas distintos comparten ambientes de malestar para el público. Una angustia que permanece después del capítulo; y es que los sucesos plasmados lejos de parecer simple ciencia-ficción, se acercan a un futuro probable. Seis experimentos diseñados para mostrar actos aparentemente insensatos que se vuelven reales. Guiones que generan nerviosismo en un espectador que sabe que los personajes bien podrían llegar a ser alguno de sus vecinos. 

Así, la serie indaga en la influencia de la nueva era tecnológica en el comportamiento de la sociedad. En su capacidad para inmiscuirse hasta en los sentimientos más íntimos y mortales. Una exposición a entornos ácidos que desvelan el intento de remendar debilidades humanas por medio de bytes.

Según el creador de la misma, Charlie Brooker, en ella se buscan los efectos secundarios de la droga en la que se está convirtiendo la tecnología. Otro acierto más de este travieso guionista en su objeto de innovar en la pequeña pantalla (ya comentado en una entrada anterior del blog: Dead Set, muerte en directo).  

Sin duda, una obra inteligente para pulsar el "pause" por un momento, alzar la vista y observar bajo otra luz nuestras acciones más cotidianas. No con sentimiento de rechazo pero sí con algo más de profundidad. 

El Laberinto del Fauno (2006) Guillermo del Toro

España de 1944, cinco años después de la Guerra Civil, en los inicios del periodo franquista, en plena cacería de maquis, "cuentan que hace mucho, mucho tiempo, en el reino subterráneo donde no existe la mentira ni el dolor, vivía una princesa que soñaba con el mundo de los humanos". Del Toro entrelaza el mundo real y horror de la época con un mundo fantástico en torno a un laberinto abandonado y protegido por un fauno. Esta película está llena de detalles y ganó numerosos premios internacionales. 

Las vidas posibles de Mr. Nobody

Hasta ahora, la mayoría de mis particulares "crónicas de Valhalla" han contado con un flujo de información directo de las teclas a los ojos del lector. Entradas desarrolladas para transmitir de algún modo la sensación que la obra dejaba tras de sí. Esto implicaba posts sobre títulos ante los que tenía una crítica positiva y que resultaban recomendables, por la razón que fuese. Sin embargo, esta vez prefiero experimentar algo nuevo: tratar una película que me plantea un dilema y ante la cual la posición no es tan clara.

Por una parte, es de argumento singular, y esto siempre me atrae. Toda trama que pretende alejarse de los convencionalismos me supone una especial motivación. Además, si se colorea con pequeños brochazos de ciencia, mi atención ya está asegurada. Esta amalgama que incluye flashbacks o saltos en el tiempo mantiene mi mente en funcionamiento con la inquietud de buscar sentido a las escenas que se suceden en pantalla. Un baño de frescura que no resulta sencillo de reproducir.

No obstante, este tipo de historias suele jugar con el doble filo de la exageración y el artificio pretencioso. Grandes principios que necesitan de grandes finales para conseguir que el mensaje no se diluya. Que el filme resulte contundente en su totalidad. Quizá lo que me ha faltado.

Es muy posible que no haya captado del todo la esencia que se quería transmitir, o que el calor estival me haya afectado en demasía, pero tras el fundido en negro algo no encajaba. Demasiados giros, algunos aparentemente sin sentido, y un exceso de metraje que nunca llevo bien. Factores que la originalidad y las pequeñas notas que apelan a la justificación científica (las leyes termodinámicas o la teoría de cuerdas) no consiguen rescatar.

Así es que, si algún lector se anima a arrojar algo de luz y me ayuda a sacarle más partido a esos 133 minutos le estaré muy agradecida.

Con todo lo anterior, lejos de no recomendarla busco llamar la atención sobre ella. Sólo por la extravagancia, la estética y el intento de innovación merece ser vista (y más si en consecuencia aparece un comentario por aquí). Sin más que sigáis disfrutando del verano.

The Place Beyond the Pines, 2012

Sé que aún queda para su estreno en España (previsto para septiembre), pero no he podido resistirme a ver ‘The Place Beyond the Pines’; entre otras cosas porque todos los días me enfrento al cartel de la película en el metro de Londres, con Ryan Gosling y Bradley Cooper mirándome desafiantes con esos ojos azules, por lo que no me ha quedado otra que ir a ver que me querían estos dos.

No os voy a contar el argumento de la película, prefiero que os sorprendáis si decidís verla, sí diré que se compone de tres historias diferentes, enlazadas unas con otras y que son sucesivas en el tiempo. Desencadena la trama el personaje de Luke (interpretado por Gosling), un motorista de acrobacias de feria, que descubre que tiene un hijo con una antigua novia (Eva Mendes), por tanto decide abandonar su vida errante, y quedarse para criarlo; el problema es: ¿cómo mantener a su nueva familia?... hasta aquí os voy a contar. Es un film que habla de las relaciones paterno filiales, desde diferentes prismas; tema que parece muy del gusto del director, Derek Cianfrance, siendo ya abordado en su anterior obra, también protagonizada por Gosling, ‘Blue Valentine’. Cianfrance está emperrado en que veamos a Ryan Gosling como el padre entregado que daría todo por su hijo, pero su falta de madurez le pone las cosas difíciles, dejando claro que el amor no es suficiente para criar a un hijo. Ambas películas tienen eso en común, y ambos personajes (Luke y Dean) hacen que el bueno de Gosling, con un niño/a entre sus  brazos, sea un autentico imán para las mujeres. Pero también nos habla de lo injusta que es la vida en ocasiones, para algunas personas no existen los finales felices de película, no siempre la persona de baja moral o el delincuente es el que roba el banco.

Considero que a esta obra le fatal algo, los 50 primeros minutos son estupendos, pero se hace lenta en su tercera parte, no me parece que quede bien hilada con las anteriores y provoca que pierda el interés. A pesar de ello, me ha gustado, en la misma medida que lo hizo ‘Blue Valentine’ (es imposible no compararlas). Eso sí, no se la recomiendo a un público impaciente, deseoso de ver la resolución de la trama rápidamente, no es de esas películas (dura 140 minutos), es más un film de personajes bien construidos, con actuaciones soberbias. Derek Cianfrance es un gran director de actores, las interpretaciones en sus películas están llenas de verdad, y por eso me gustan, a pesar de que en ocasiones puede fallar la acción, e incluso diría yo, la resolución de la trama.

Se come la pantalla desde el minuto uno el carismático Ryan Gosling. Con su primera aparición vemos que es un tipo duro: lleno de tatuajes, con el pelo amarillo pollo (no veo la necesidad de ese tinte), descubrimos que también hay algo de tristeza en su corazón, no hay que ser muy listos, el tipo lleva tatuada una especie de lágrima en la cara. Gosling en esta ocasión hace de conductor de motos, por hacer una comparación y simplificar, diría que el personaje de Luke es una mezcla de ‘Drive’ con ‘Blue Valentine’.

Pero no solo destaca la actuación del canadiense, Bradley Cooper  no se queda corto en su interpretación, haciendo un trabajo sobresaliente como el agente de policía Avery Cross, que más tarde ascenderá gracias a una carrera política; personaje no falto de ambición, a pesar de los remordimientos parece capaz de hacer cualquier cosa para cumplir sus objetivos. Últimamente hemos descubierto las dote de Cooper para el drama, género en el que se mueve con mucha soltura, como ya vimos en ‘Silver Linings Playbooks’, film que os presento mi compañera Soulie hace unos meses, por el que obtuvo nominaciones  a los principales premios de la temporada (Oscar y Golden Globe incluido) y varios galardones. Es un placer ver que Bradley Cooper tiene más caras, y cuando trabaja con un buen director sabe sacarlas. En esta ocasión se media a un grande como es para mí Gosling, pensaba que se lo merendaría en pantalla, y no ha sido así para nada, cierto es que ambos actores a penas interactúan en la película.

No me olvido de Eva Mendes, también realiza un gran trabajo, pero no tan destacable como el de sus compañeros de reparto. Sigue explotando su faceta de mujer sexy, que lo es y mucho, pero en esta ocasión con una estética, podríamos decir, más de barrio. Te la crees como madre entregada, sobretodo  en la primera parte. Por lo demás, se puede intuir la chispa que sobrepaso la pantalla entre ella y Gosling (son una de las parejas de moda), le pone ojos golositos y melancólicos (no dudo que fuera parte del guión), pero quién puede culpar de ello a mi tocaya.  A destacar una breve, aunque siempre efectiva participación de Ray Liotta, da gusto ver a este señor actuar, hace de canalla como nadie; y un soberbio Ben Mendelsohn, el mecánico amigo de Luke. Curiosamente hace unos meses ya me fascinaron las interpretaciones de ambos actores en ‘Killing Them Softly’, película en la que también coincidieron.

Su mayor defecto, podéis acusarme de fanática, Ryan Gosling sale poco, de ello ya hablo James Franco en un divertidísimo post en el The Huffington Post, donde confesaba su amor por el canadiense. No hablo  como mujer con las hormonas aceleradas, hablo desde el punto de vista de su presencia en pantalla que es devastadora, con su carisma y buen hacer; interpreta como nadie al tipo duro pero con corazón que quiere hacer bien las cosas pero la vida le da la patada. No es la primera vez que hablo de él, ya deje clara mi devoción anteriormente, cierto es que me preocupa que se le encasille en este tipo de roles, por sus últimos trabajos: la magnífica ‘Drive’, o la última del mismo director ‘Only God Forgives’, que aun no ha llegado a las pantallas, pero ya ha creado un gran revuelo en Cannes, donde fue recibida con abucheos. La gente debería ver en él algo más que al tío a quien  mejor le sientan los vaqueros con camiseta casual. Una pena que nos quedemos solo en eso, porque él se ha esforzado a lo largo de su carrera por realizar roles muy diferentes, dando sobrada muestra de su valía, por tanto no comulgo con quienes afirman que “Ryan Gosling siempre hace de Ryan Gosling”. Quizás haya hecho bien en tomarse un descanso de la interpretación, para dedicarse a otras labores como la de director, en estos día se encuentra rodando su opera prima ‘How to Catch a Monster’. Le queda también pendiente de estreno la última de Terrence Malick (miedo me da), aun sin título y plagada de estrellas (Gosling, Fassbender, Bale, Portman, Mara,…), cuyo argumento  se centra en el mundo de la música de Austin (Texas), o eso es lo que en un principio nos venden (también la sinopsis de ‘The Tree of Life’ rezaba algo así como “la historia de la relación de un padre autoritario con sus hijos”, y yo digo: “y una mier…”); cruzo los dedos para que en esta ocasión no aparezca un dinosaurio o una supernova.

Para quien no tenga suficiente con mis argumentos le dejo el tráiler.


Y finalizo con uno de los clips más curiosos y divertidos de la película, es de Ryan Gosling cantando, adivinar qué…

¿Bailamos?

El otro día me vi otra de esas películas sobre un grupos de baile, canto o derivados. Por lo general la esencia viene a ser en todas la misma, aunque con ligeras diferencias. Voy a hacer y comentar una lista de películas de éste tipo, y cada cual que lo tome como quiera.

- A por todas (Bring it on)

Una saga que trata sobre grupos de animadoras que pretenden acudir a un concurso nacional de animadores para obtener el primer premio. La serie de películas comenzó con la primera película lanzada en el año 2000, protagonizada entre otros actores por Kirsten Dunst y Eliza Dushku (esta segunda me encanta como actriz desde que la conocí en Buffy Cazavampiros). Me parece un peliculón de tomo a lomo, sin buscar argumentos enrevesados, ofrece lo que se espera, una comedia ligera y entretenida con carga romántica incluida y elevadas dosis de humor sano. Una de mis escenas favoritas no ya de esta película sino del cine en general es la aparición en escena de Sparky Polastri, un entrenador que contratan las chicas para que les enseñe una nueva coreografía.


La saga consta en total de cinco películas incluyendo la ya mencionada, si no me dejo alguna en el tintero. Son tantas que no sería extraño. Sin embargo, y aunque parezca imposible teniendo en cuenta la temática, el resto de películas no desmerecen ni mucho menos, a pesar de que para mi gusto la primera es la mejor con diferencia. Además a lo largo de las películas aparecen actrices de lo más interesantes, como Hayden Panettiere que ya vimos de animadora en la serie Héroes. Como guinda comentar que en títulos posteriores hacen guiños a los primeros títulos, como es el caso de la mención de los dedos espirituales.

- Que les den (Stick it)

Esta película de 2006 se desmarca un tanto de los argumentos mencionados hasta ahora. Esta película no trata de baile ni de canto, sino que el tema en cuestión es la gimnasia rítmica. La protagonista, Haley Graham (Missy Peregrym) debe volver al mundo de la gimnasia que abandonó tiempo atrás por motivos que no quiero desvelar. Sin embargo esta chica no tiene una actitud precisamente cooperativa y generará muchos conflictos en su nuevo equipo de gimnasia.


La película, aunque tiene toques de comedia, es bastante seria, y de hecho lanza un dardo en forma de crítica al mundo de la gimnasia de élite. No recomendable si lo que se busca es pasar un buen rato echando unas risas. Sin embargo, es una gran película, pero como digo más drama que comedia.

- Step Up

También en 2006 pudimos disfrutar de la primera parte de una saga sobre baile callejero. Una saga que repite tópicos de un título a otro, como por ejemplo la mezcla entre personajes de baja y barrios conflictivos con personajes de clase acomodada. ¿Qué nos encontramos aquí? Pues lo esperado, química romántica entre los personajes con sus altibajos y unos bailes la mar de modernos. Mi favorita, Step Up 2. Su baile final bajo la lluvia es una gozada visual. Hay incluso una rodada en 3D. Y aunque no he tenido ocasión de verla, me han dicho que la última película de la saga, Step Up Revolution, prescinden en gran medida de un argumento sólido. Por lo visto la repentina incorporación del alcalde de la ciudad en el último baile de la película le deja a uno un poco en plan what the fuck...

Os pongo el vídeo del baile de la segunda parte que tanto me gusta, pero os recomiendo mejor verlo junto con el resto del metraje, ya que se valora mucho más si se conocen los acontecimientos previos.

- Dando la nota (Pitch Perfect)

Esta película es la última que me he visto, y sinceramente, se me hizo un tanto aburrida. Centrada en el mundo del canto a capella, es decir, sin usar ningún instrumento. Me parece repetitiva y con una duración que podrían haber acortado bastante. Además, el humor que se supone que junto con el canto es su punto fuerte, considero que deja un poco que desear. Burdo y forzado, lo mejor lo pudimos ver en el anuncio de la película, y sinceramente, ni lo del anuncio merece la pena. Personajes estrafalarios y que en ningún momento me han llegado a caer bien. Algunos personajes que aparecen al principio y que parece que van a tener bastante importancia a lo largo de la película resulta que hasta prácticamente el final casi no aparecen, y cuando lo hacen pienso que hubiese sido mejor para ellos y para los espectadores que se quedaran en segundo plano.


Bajo mi punto de vista lo único que se salva de la película son los comentaristas de los concursos de canto en los que participan las protagonistas, los únicos que tienen algo de gracia. Si saqué algo positivo fue que descubrí una canción que terminó por gustarme y que no conocía: Since u been gone de Kelly Clarkson.

Sí, sé que hay muchas otras películas y sagas de películas que podría haber incluido en esta lista, pero no quería limitarme a musicales, y mucho menos si son antiguos. De lo contrario hubiese incluido al que posiblemente sea el mejor musical de todos los tiempo para mí: Grease. También podría haber incluido sagas como High School Musical o Camp Rock, pero intento no hablar desde el desconocimiento, y son sagas que no he visto ni creo que vea.

Estaré encantado de leer vuestras opiniones y sugerencias de películas con temáticas parecidas, ya que debo reconocer que me encantan, salvo excepciones contadas.

Descubriendo nunca jamás

De la primera risa salida de un bebé nacieron miles de hadas pero cada vez que un niño niega su mágica existencia, alguna de ellas, aún en un remoto lugar, deja de existir.

Con esta oda a la ilusión se desarrolla "Descubriendo nunca jamás", basada en los momentos de la vida de James Barrie que le inspiraron para la creación de su obra cumbre, Peter Pan.

Este dramaturgo escocés (interpretado aquí por Johnny Depp) pasa por un momento de sequía creativa cuando irrumpe en su camino la dulce familia Llewelyn Davies: Sylvia, viuda, (Kate Winslet) y sus cuatro hijos George, Jack, Peter y Mickie.

Si bien sus hermanos se entregan desde el primer momento a los pasatiempos ideados por James, el joven Peter, aún herido por la pérdida de su padre, se muestra reacio a confiar en la imaginación. Esta falta de ingenuidad origina un singular interés en el escritor que se siente obligado a infundir de nuevo el hechizo de la ilusión en el pequeño. Esta conexión especial que surge entre todos ellos da lugar a la invención de grandes aventuras en sus juegos y a una complicidad que inunda todos aquellos momentos que comparten. Instantes que pasan a ser pura inspiración para James y se transforman a través de su pluma en su siguiente obra de teatro.

Ambientada en el Londres de 1904, esta tierna creación se apoya en los encantadores paisajes ingleses de frondosos árboles y fresco césped para equilibrar la fantasía del guión con el encanto del ambiente. Una emotiva historia contada para llamar a fuerza de ternura a esa inocencia con la que nacemos y que el paso del tiempo se encarga de adormilar.

Y ya que la fecha de hoy acompaña particularmente, aprovecho: ¡Felicidades papás!