Ser o no ser

Varsovia, agosto de 1939. La gente corre horrorizada por las calles o se queda atónita ante esa visión, ¡el mismísimo Hitler en el centro de la ciudad, solo y plantado delante de una tienda delicatessen! ¿Qué querrá? ¿Comprar algo para comer? ¿O saltarse su dieta vegetariana y zamparse a Polonia?

Así comienza la que para muchos es la obra maestra de Ernst Lubitsch, director alemán de nacimiento y judío de pensamiento, que se rebeló contra el nazismo de la mejor forma que sabía, haciendo filmes como este presentado en 1942 desde su exilio en EEUU.

Coherence, ciencia ficción buena, bonita y barata

He aquí una vez más la prueba de que no hace falta un gran presupuesto para cuajar una gran película. Coherence es la opera prima de James Ward Byrkit, quien anteriormente ha participado en el guión de Rango y en la realización de los storyboards de la saga Piratas del Caribe. Para la creación de su primer film tras la cámara, Byrkit se bastó con 40.000 dólares y tan solo cinco días de rodaje para consumar una de las mejores películas de 2013, que obtuvo su reconocimiento alzándose con el premio a mejor guión en el Festival de Sitges. Debido a lo "reducido" de su presupuesto y escenografía (el director usó el propio salón de su casa como escenario principal) no pude evitar recordar The man from Earth, otra genial película de la que ya os hablé anteriormente. 

Interstellar. El último trampantojo de los Nolan.

Desde la crisis creativa de un escritor, pasando por una pérdida de memoria que impide recordar quien eres realmente, el peso de la responsabilidad de alguien obsesionado con acabar con el crimen organizado o la inmersión en unos submundos interiores que condicionan nuestras opiniones, todas tienen un nexo común: historias que parecen tener una temática central clara, pero de las que subyacen otras secundarias que van ganando protagonismo en el desarrollo de la película.
Y cuando parecía que todo lo que Christopher y Jonathan Nolan se dedicaban a contarnos estaba bien delimitado, se les ocurre mirar hacia arriba, hacia un viejo anhelo del ser humano.

Nota: El artículo puede contener Spoilers en una concentración del 6%, el resto son trazas de frutos secos.

Guy Ritchie: Personalidad en HD.

Caos. El más absoluto y brillante desorden en sus historias. Ese es el denominador común en el cine construido por el director sobre el que quiero dedicar unas palabras en la entrada de hoy. Lo primero es hacer un ejercicio mental para poder identificar el género en el que se mueven sus películas: ¿Comedia negra? ¿Thriller? ¿Cine coral? ¿Gánsters? ¿Slapstick? Pues la verdad, un poco de todo y de nada al mismo tiempo. Un subgénero muy personal con un estilo propio difícil de catalogar.

Guy Ritchie: matones, balas y una idea de cine muy clara.

Gran Torino (2008): "¿Qué tramáis, morenos?"

Se nos ha marchado ya el verano (Winter is Coming, que dirían algunos), y se acerca esa época en la que a menudo la santísima trinidad formada por los inseparables “sofá, peli y manta” se convierte en la mejor opción para muchas noches desapacibles. Así que supongo que una recomendación cinéfila nunca viene de más. Especialmente si es Clint Eastwood el que se encarga de firmar su carta de presentación. Poco más hay que decir, ¿no?

El arte de la perversidad, el don de la infamia...La Liga del Mal de SrRorschach (Los mejores villanos del cine)

Desde épocas prehistóricas, cuando la oscuridad de la noche atemorizaba a nuestros antepasados, se hacia uso de mitos y leyendas para combatir la superstición y el miedo. Por supuesto, disponer de objetos arrojadizos tales como palos o piedras ayudaba bastante a conciliar el sueño (y a perpetuar la especie, pero eso es otra historia..,) Estos mitos, algunos evolucionando a cuentos y ficción literaria, otros a supuesta Historia (véase La Biblia) siempre han tenido un denominador común, una característica universal: la confrontación del bien y del mal.

(Nuovo) Cinema Paradiso (1988)

Tengo que reconocer que el post de hoy iba a estar dedicado a otra película. Sin embargo, mientras ayer le echaba un vistazo a la cartelera, pude comprobar, con tanta incredulidad como alegría, que “Cinema Paradiso” estaba en pantalla. Y es que con motivo del 25 aniversario del estreno de esta obra maestra, la distribuidora “A Contracorriente” ha decidido traerla de vuelta a las salas durante una semana. 

Estaba claro que Cinema Paradiso merecía su homenaje en Crónicas de Valhalla. Un homenaje que llevo tiempo queriendo hacer pero que he ido retrasando poco a poco por un simple motivo: amo tanto esta película que considero que nada de lo que diga de ella estará a la altura. Y es que el mejor tributo que se le puede hacer, sin lugar a dudas, es disfrutarla. 

El Médico (2013)

Encontrar una película que haga aflorar sentimientos no es tarea fácil. Es extremedamente complejo que un largometraje nos llene con el aroma de de una vieja historia, cree susurros propios de un cuento medieval, tiña de caricias nuestra visión. Pero aún más cuando además le pedimos que el rodaje va más allá, que nos hable de búsquedas de pasiones, de amores imposibles, de la relación entre religión y ciencia, de la convivencia y las diferencias entre las culturas musulmana, judía y cristiana  narraciones humanas.

El Médico (2013) es una de esas historias que consigue hacernos llegar todo lo anterior, es una obra maestra contemporánea capaz de conservar esa maravillosa capacidad de la novela histórica de entretener, de hablar de culturas diferentes, de conjugar la convivencia pasada, de hacerte sentir que estás en otro tiempo. 

K-PAX. Un Universo aparte.

Siempre he pensado que las grandes películas no se miden por sus cualidades de manera individualizada: no vale tener solamente un guión de calidad, ni el mayor capital empleado en cine hasta el momento, ni un largo reparto de conocidos actores. Las grandes películas son las que conforman un conjunto de cualidades perfectamente equilibradas, te atrapan desde el primer minuto, te hacen disfrutar mientras las estas viendo, pero sobre todo aún más después de haberlas visto, te hacen despertar ese resquicio de imaginación perdido en la rutina diaria y provocan que cambies aunque sea un poco tu manera de ver el cine. Y todo eso, a través de una buena historia.

Con K-PAX, estamos ante una de esas películas que no resalta como una de las mejores en los apartados anteriormente comentados, pero sin duda en conjunto creo que es digna de mención por estos lares.

De vuelta a mi infancia (I) Cuenta conmigo (1986)

No hay tantas películas de las que pueda presumir que hayan provocado un cambio en mi manera de ver las cosas en el día a día, Cuenta conmigo es una de esas pocas...

The Man from Earth (2007)

Seguramente hay una persona en tu trabajo a la que todo el mundo le cae bien, imagina que después de 10 años trabajando contigo, y sin ningún motivo aparente, decide dimitir para irse a vivir a otra ciudad, imagina que organiza una noche en una cabaña "en plan tranqui" para despedirse de sus amigos más cercanos, e imagina que en esa reunión, esa persona que te cae tan bien anuncia que tiene más de 14.000 años... Ante esta revelación únicamente caben tres opciones:

1. Está siendo sincero y realmente tiene más de 14.000 años.
2. Os está gastando una broma en forma de despedida.
3. Realmente cree lo que está diciendo y está completamente loco.

Ciclo Frank Capra (I): Vive como quieras (1938)

Al terminar de ver esta película he pensado "menudo peliculón, se merece un post para Crónicas de Valhalla". Al caer en la cuenta de que el director es Frank Capra me he dicho "si es que este tío ha hecho un montón de clásicos, debería hacer un post recopilatorio de todos ellos", pero luego he pensado que no sería justo ya que no abordaría todo lo bueno de cada película, así que finalmente he decidido hacer un Ciclo Frank Capra donde os daré a conocer sus mejores películas, o al menos las que yo opino que todo amante del cine debería ver si no lo habéis hecho ya. 

Sin duda alguna, la obra más conocida de este genial director es Qué bello es vivir, rodada en 1946, pero para aquel entonces, Frank ya era una eminencia en Hollywood, no en vano fue ganador de tres Oscars a mejor director: en 1934 con Suceció una noche, 1936 con El secreto de vivir, y 1938 con Vive como quieras a la cual va dedicado el post de hoy. Solo a la altura de otros dos grandes de la historia del celuloide: John Ford (Las uvas de la ira, Centauros del desierto), ganador de 4 estatuillas e igualado por William Wyler (Ben-hur, Vacaciones en Roma) con otras tres. 

¿Conoces a John Cazale?

No, no me he equivocado en el titular. No quiero hablar de la película: ¿Conoces a Joe black? (Y sí, hasta a mí me parece que Brad Pitt sale mono en esta película). Me estoy refiriendo al documental: "Descubriendo a John Cazale" (I Knew It Was You: Rediscovering John Cazale).

Si quieres saber por qué este actor, en principio desconocido para muchos, ha sido digno de ser perpetuado con este espectacular documental por favor lee este post.

Quiéreme si te atreves (2003)

¿Qué hace que una película sea buena? Cada cual tendrá su propio criterio, para mi una buena película es aquella que da que pensar, o una que tenga unos diálogos tan contundentes que cuando escuchas uno piensas "buah, eso lo tengo que poner en facebook/twitter/tuenti/mesengger/mi diario". Que se me venga a la mente, un ejemplo de un guión redondo, con unos diálogos brillantes, sería El indomable Will Hunting (altamente recomendable, podéis ver una muestra en el último post de Sr. Rorschach). Sin embargo, la película de la que quiero hablaros hoy es de las primeras, de las que dan que pensar, no porque sea filosófica, sino simplemente porque te aporta algo que queda guardado dentro de ti, que no deja indiferente, que cuando la terminas de ver piensas "le tengo que decir a (introducir nombre de mejor amig@) que vea esta película", estoy hablando (como ya sabréis por el título del post) de Quiéreme si te atreves.

Causas de la Cinefilia aguda, según SrRorschach

Una de las mayores virtudes del ser humano por la que debemos dar gracias a la evolución (o a cualquier deidad en que perdáis el tiempo creyendo) es la capacidad de dudar. La base de todo argumento científico y cognitivo (aquí las deidades no estarán de acuerdo) es la de preguntarse si algo es o no es, y por qué es. Ya lo dice uno de los mayores emblemas del pensamiento de nuestro tiempo ¿POR QUÉ? Por ejemplo, ¿por qué cerramos los ojos al estornudar? ¿ por qué los pedos ajenos huelen peor que los propios? ¿por qué siguen corriendo los pollos sin cabeza? ¿por qué no llega ya el Apocalipsis Zombie y se lleva de este mundo a todos los desgraciados, empezando por mi jefe? Son muchas las preguntas que el universo nos pronuncia, aunque a alguna que otra daba yo una solución rápida...

The machinist (2004)

The Machinist (2004) es una de esas películas que pasan desapercibidas entre la vorágine de estrenos y las películas con más cartel, rara vez te la recomendará un amigo o la veras en una lista con "las mejores películas" de la historia (un clásico cuando no sabes que ver). Con casi 10 años desde que se estrenó, para mí ha sido un grato descubrimiento que no esperaba.

El Maquinista es un "thriller" psicológico protagonizada por Christian Bale, ganador de un Oscar al mejor actor de reparto en 2010, y dirigido por  Brad Anderson. La película narra la vida de Trevor Reznik (Christian Bale), un empleado de una fábrica donde ocurre un terrible accidente. Con un grave problema de insomnio, la vida de Trevor  se desarrolla entre la oscura fabrica donde trabaja manejando una máquina industrial y su casa donde vive solo. ¿Quién es realmente Trevor Reznik? ¿Por qué no duerme?

The Butterfly Effect

Antes de empezar aviso: si no has visto esta película, lo mejor es que cierres esta ventana y abras tu gestor de descargas habitual, la busques, y la disfrutes. La versión alternativa por si nos lee el FBI, o quién narices se encargue de cazar a los piratillas en España, es que vayas a MediaMarkt y te compres el DVD por 9,95 €. Este aviso es porque no me gusta hacer apología de una actividad que se esta extendiendo por la raza humana como un virus y que consiste en ser un SPOILEADOR de los cojones (perdón por el taco, Whitney) Que una película tenga un post en este blog, y que además sea de mis favoritas, es razón más que suficiente para dedicarle nuestro apetito cinéfilo. Por supuesto, cuando acabes de verla vuelve por aquí y déjanos un comentario ;)

Cada persona afronta la vida de diferente manera. Por un lado se piensa que cada uno forja su camino, a base de las decisiones que se toman en momentos "encrucijados", en los que elegir un desvío u otro puede significar grandes diferencias en nuestro futuro, y asimismo, puede afectar al futuro de otras personas. Por otro lado, están los que creen en el destino, en que todo está escrito, "si ha pasado es porque tenia que pasar". Pero, ¿y si pudiéramos cambiar un hecho pasado, congelado en el tiempo? ¿Cómo afectaría al presente, hasta que punto lo modificaría tal y como lo conocemos? Todo esta interconectado, como una gran red enmarañada, un sistema dinámico infinito, y un ligero cambio el las condiciones iniciales puede dar resultados diametralmente opuestos. Esta película es un retrato de esos posibles cambios. "El simple aleteo de una mariposa puede generar un huracán en la otra punta del planeta"

Evan Trevorn es un chavalin de 10 años que vive en en un tranquilo barrio con su madre. Es aparentemente normal, pero el hecho de tener al padre metido en un loquero desde antes de que el naciera lo tiene traumatizado. Lo único que sabe sobre él son las historias que le cuenta su madre, que son breves y escuetas, y lo que se comenta por el barrio y en su clase. Los rumores lo retratan como un hombre al que un buen día se le cruzaron los cables y se puso a sesgar vidas a diestro y siniestro. Esto al chico no le está haciendo ningún bien: cuando en el colegio le piden que dibuje lo que quiere ser de mayor se dibuja cubierto de sangre y con un cuchillo en la mano, titulándolo "quiero ser como mi papá" (que rica la criaturita...apañaos estamos), y sufre a menudo de episodios esquizofrénicos de los que luego no recuerda un carajo. Siguiendo las recomendaciones de su psiquiatra comienza a escribir un diario, en el que recoge todos los acontecimientos de su infancia y adolescencia que marcarán su vida, algunos de ellos bastante desagradables. Es a raíz de uno de ellos cuando, siendo Evan adolescente, su madre decide que lo mejor será mudarse del vecindario. Puede que un cambio en el entorno de su hijo mejore su salud mental. A regañadientes, Evan acepta, empaqueta sus cosas y se va lejos, pero prometiendo que volverá a por Kayleigh, una amiga de la que está enamorado.

Pero pasan los años y Evan deja atrás su pasado. Empujado por su propia experiencia decide estudiar psicología en la universidad, demostrando que se le da bastante bien, y sus problemas de desvanecimientos son historia. Pero un día por casualidad encuentra sus viejos diarios, y leyendo unas páginas le ocurre algo parecido a sus viejos amigos los desmayos. Pero en este caso revive en su mente con extraordinaria exactitud ese recuerdo plasmado en el papel. Está ahí, con 16 años, como si estuviera viendo una vieja película casera grabada desde dentro de su cabeza, pero él es consciente en todo momento de que es un hecho del pasado, como si fuera un viaje en el tiempo.

Al volver en sí, muchas preguntas le vienen a la cabeza. Muchos sentimientos enterrados afloran de nuevo, y decide volver a su antiguo barrio, buscar a sus viejos amigos e investigar sobre esos recuerdos bloqueados en su cerebro. Sin embargo, lo único que consigue es atraer fantasmas del pasado y el resultado es desastroso, trágico e imposible de reparar...aunque puede que sí haya una manera...

En El Efecto Mariposa muchos actores hacen de los mismos personajes en sus diferentes etapas (infancia, adolescencia y ... ¿adultancia?¿adultez?¿adulterio? no, eso no...), pero es en los personajes adultos donde recae el protagonismo. Ashton Kutcher, que hasta esa fecha era conocido principalmente por su participacion en Colega, ¿dónde esta mi coche? (y por tirarse al mito sexual de mi infancia Demi Moore, ¿como lo haces, campeón?), sorprendió con un papel serio en el que no lo hace del todo mal. Amy Smart (Kayleigh adulta), aparte de estar como un queso, lo clava en todas las diferentes "tomas" que representa. También hay que reconocer que la banda sonora es casi inmejorable, con uno de los grandes temas de Oasis que ya no se puede evitar asociar a este peliculón.

Como dato curioso os comento que existen hasta cuatro finales alternativos, contando el que finalmente se eligió. Lo más curioso (y denigrante para el director) es que el que se pensó inicialmente era el más cutre de todos, el más absurdo. Supongo que alguna mente lúcida del equipo de rodaje se acercaría al director y con la boca chica le sugirió pensar en otros finales, todos fueron filmados y posteriormente se sometió a estudio (reconozco que el elegido es el que más me gusta). En nombre de toda la comunidad consumista de películas, señor/señora anónimo/anónima, GRACIAS. Si queréis verlos están por Youtube, no os pongo enlaces para que a los que no habéis visto la película ni seguido mi consejo inicial no os pueda la curiosidad, que luego me llamáis Mister Spoiler, Put* Largo, Gordo Cabr*n y todas esas cosas tan bonitas...

El tiempo no conoce piedad cobrándose actos. No admite sobornos, hace que el pasado quede intacto. No se puede desandar lo andado; no podemos pulsar el botón de rewind, volver al minuto de la peli que nos interesa y cambiar el metraje. Pero hay algo de lo que no nos damos cuenta, y es que tenemos a cada instante en nuestras manos el poder de cambiar nuestro porvenir. Vivimos millones de vidas en nuestra mente, en nuestros sueños, viajamos al futuro en todas esas diferentes posibilidades que solo dependen de nuestra elección justo ahora. Muchas veces la realidad nos supera y dejamos de perseguir lo que queremos, derrotados por los fracasos acumulados o impedidos por el miedo. Nos dejamos caer por los abismos del tiempo como marionetas, empujadas y zancadilleadas por los demás, por sus decisiones y opiniones que nos acaban convirtiendo en seres inertes. Pero lo único que no tiene solución es la muerte, y aún le sacas una vida de ventaja. Si no lo intentas, nunca sabrás si pudiste conseguirlo, y si de verdad lo quieres, no cedas.

Así que arranca las hojas que el Destino ha escrito para ti, y coge el lápiz y una página en blanco ¿Qué vas a escribir?

SrRorschach para Crónicas de Valhalla, Granada

El Laberinto del Fauno (2006) Guillermo del Toro

España de 1944, cinco años después de la Guerra Civil, en los inicios del periodo franquista, en plena cacería de maquis, "cuentan que hace mucho, mucho tiempo, en el reino subterráneo donde no existe la mentira ni el dolor, vivía una princesa que soñaba con el mundo de los humanos". Del Toro entrelaza el mundo real y horror de la época con un mundo fantástico en torno a un laberinto abandonado y protegido por un fauno. Esta película está llena de detalles y ganó numerosos premios internacionales. 

El Nombre de la Rosa

Hoy en día es fácil imaginar listas infinitas de números, simulaciones por ordenador en tres dimensiones, imaginar que la realidad puede explicarse científicamente en base a un conocimiento descrito y aplicando los modelos de la física, la química y las matemáticas, aplicando un Modelo Racional. Sin embargo, imaginemos que aplicamos este mismo método a un tiempo como el de la Edad Media, dominado por supersticiones, fanatismos, miedos. Imaginemos que enfrentamos la Ingorancia al arma más poderosa que posee el ser humano, la Razón.

El Nombre de la Rosa es una película dirigida por el francés Jean-Jacques Annaud y basada en la novela del mismo nombre escrita por Umberto Eco, que nos cuenta la historia de Guillermo de Baskerville, Sean Connery, monje franciscano e incansable observador y su ayudante Adso de Melk, Christian Slater, para los que una simple visita a una abadía benedictina famosa por su biblioteca se termina convirtiendo en una lucha por resolver una serie de extraños misterios e inquietantes asesinatos, en la que serán necesarias la inteligencia, la capacidad de observación y el sentido común.

El resultado de la cinta con una selección de actores con marcados gestos y rasgos inquietantes, un vestuario fiel a la época y un uso de un lenguaje refinado y lleno de detalles, es excelente, consiguiendo transmitir al espectador con fidelidad cada uno de los detalles descritos en la novela por Umberto Ecco. 

Además, si por algo resalta la película es por una ambientación espectacular donde predominan unos impactantes edificios medievales. A lo largo de la visualización el director nos presenta la época más oscura de la Edad Media en todo su esplendor, presentando un tiempo lleno de enfermedades, pobreza extrema, clases sociales, elementos de tortura y escenas descritas al detalle, que con un importante juego de luces consigue transportar al espectador al tiempo que trata de describir.

Estamos ante un relato en el que se tratan debates teológicos, morales y filosofóficos, en el que se enfrentan temas como los fanatismos y los métodos racionales, en el que se habla de frustaciones, soledades, dudas, egoísmos, estamos ante una cinta en la que sobre todas las cosas se trata de presentar la búsqueda razonada de las verdades ocultas.

A esta película hay que reconocerle valentía para adentrarse en la presentación de una nueva forma de pensamiento en una época a la que no siempre se le ha prestado la suficiente atención, aunque para mi gusto carece de cierto rigor histórico. 

Si me acceptáis un consejo de enamorada de los libros, yo me decantaría por la lectura de la novela antes de ver la película. Este relato merece el ejercicio de imaginar y teñir la historia con nuestros propios colores para posteriormente descubir la realidad. 

Nos vemos en la próxima entrada, hasta entonces... ¡¡¡¡ SONRÍAN!!!!!

Mulholland Drive

ATENCIÓN, esta no es una película para todos los públicos, y no lo digo porque haya escenas de violencia, lenguaje obsceno o escenas explícitas de sexo, de todo esto solo hay un par de escenas de lo último y son bastante light. Si digo que no es apta para todos los públicos es porque es lo opuesto a una película comercial, no os vais a encontrar con la típica película de acción, tiros, explosiones, donde el bueno se carga a todo el mundo y sale con unos pocos rasguños, tampoco os encontraréis con una película del tipo chico conoce chica, chico se enamora de chica, chica deja a su novio que es un imbécil, y al final chico y chica son felices, no. Hablando en plata, Mulholland Drive es rara, controvertida, onírica, surrealista y psicológica, y precisamente por eso es por lo que la recomiendo a todo el mundo, porque te guste o no, al menos no deja indiferente a nadie, ya sea porque la odies al final o porque te encante.

El Paciente Inglés

Hace unos días leía que "Añorar el pasado, es correr tras el viento" . El pasado, ese tiempo del que sólo se puede recordar, ese espacio temporal imposible de cambiar, eso en lo que pensamos mientras vivimos el presente, eso en lo que nos basamos para construir el futuro. De él se dice que sus heridas son las cicatrices actuales, que el pasado siempre vuelve, que puede llegar a atormentarnos hasta el extremo de que la mente se vea obligada a cubrirlo de tinieblas para poder continuar, para poder continuar viviendo.

El Paciente Inglés es una fascinante película dirigida por Anthony Minghella y basada en la novela de Michel Ondaatje "Nacido en Sri-Lanka" que ambientado en la Italia de la Seguda Guerra Mundial  nos presenta a cuatro personas que se encuentran en un momento delicado de su camino. Un hombre que tras sufrir un accidente de avioneta se encuentra totalmente calcinado, sin memoria y al que le restan pocos días de vida, encarnado por Ralph Fiennes, una enfermera que tras perder a varios seres queridos se encuentra en un momento de dudas existenciales, interpretada por Juliette Binoche, un artificiero desactivivador de bombas, al que da vida Navee Andrews y un espía convertido en vagabundo por Willem Dafoe. 

Con la ayuda de la técnica de flash-back, ambientados por un antiguo monasterio y tirando del hilo de sus respectivas vidas, motivos y circunstancias, los protagonistas descubrirán que conocerse no fue una casualidad y nosotros una historia llena de amor, deseo, felicidad, pasión, entrega, odio, desesperación y de unas heridas que será necesario curar para poder perdonar, olvidar y seguir viviendo el presente. 

         

Esta es una de esas películas que con un guión donde se conjuga una historia de amor pasada a medio camino entre la pasión amorosa y la traición política y una historia presente marcada por la necesidad de vivir y el deseo de olvidar y morir, consigue atrapar al espectador con cada uno de sus gestos, con cada mirada, con cada movimiento. Es una cinta de poesía, poesía viva, donde el director dirige deteniendose en las imágenes para descubir poco a poco a las personas, para hacer florecer cada uno de sus sentimientos, para hacernos llegar escenas maravillosas.

Además si por algo destaca esta narración es por una magistral banda sonora en la que se mezclan cuatro estilos tan diferentes como la Canción Húngara, la música clásica de Bach, el Jazz de la época y  el estilo oriental del norte de África. Es una música que te envuelve, que habla más allá de la propia escena, que invita a soñar con un amor en el que no haya fronteras, ni físicas ni temporales, un amor en el que lo importante sean las personas por encima de cualquier idea política o nacionalidad.

Esta es la crónica de una derrota, la del amor y la de la vida, en la que con un lenguaje clásico se tratan temas  como la política, el rencor, la venganza, la muerte, la voluntad, el amor. Es una obra dirigida a aquellos que no tienen miedo a sentir, a padecer, a agitarse con una caricia, a sobrecogerse con una mirada.

Si quieres vivir una aventura que se mueva entre lo exótico, lo bélico, lo amoroso, una historia que te atrape y te haga viajar por una época de lucha, resistencia, de pasión escrita con mayúsculas, no lo dudes, es una película que tienes que ver.

Nos vemos en la próxima entrada, hasta entonces... ¡¡¡¡ SONRÍAN!!!!

Cadena de Favores

Esta semana quiero que antes de empezar a viajar a través de la película que quiero compartir con vosotros reflexionemos un instante la siguiente cita:

"Pasea la vista por el mundo que te rodea y cambia aquello que no te guste. Pero hazlo de verdad, porque ayudar a alguien a quien queremos ayudar no tiene mérito, pero si estás enfadado con esa persona y la ayudas, tiene mucho mérito. No sé, tal vez esté diciendo sólo tonterías, tal vez sean sólo mis ganas de cambiar el mundo"

Es una utopía, pero ¿se podría cambiar el mundo? y ¿qué debemos hacer para cambiarlo? Me refiero a cambiarlo de verdad, a ser capaces de en una situación importante anteponer el "nosotros" al "yo", a luchar porque este lugar en el que vivimos sea más justo, más feliz y más humano.

Basada en la novela homónima de Catherine Ryan Hide, Cadena de Favores nos cuenta la historia de Trevor, Haley Joel Osment, niño idealista quien ayudado por su profesor de Ciencias Sociales, Kevin Spacey, inicia una Cadena de Favores. El mecanismo que se propone se basa en que cada persona tras recibir un favor debe ayudar a otras personas de manera desinteresada en una situación importante y delicada. Así asistimos a hechos tan importantes como el regalo de un coche tras un accidente, una mano que impide que te suicides, ayuda para la dexintosicación del alcoholismo.

La cinta nos presenta una trama dividida en dos historias concurrentes, la primera guiada por Trevor, su madre alcóholica y el profesor de ciencias, que ajenos a la extensión de su idea, inician un intento de recuperar la ilusión, de recuperar sus vidas y formar una familia y la segunda por un reportero que tras ser beneficiado en la cadena de favores tras un accidente decide investigar el origen y la motivación de la misma. Así, asistimos a la lucha del profesor de ciencias por dejar de ser persona reservada, socialmente excluido y con miedos por un cuerpo completamente marcado por un incendio y de la madre de Trevor por dejar trás su adicción al alcohol y a la vida desordenada, mientras la cadena avanza a pasos agigantados por todo el mundo sin que los precursores sean coscientes de ello. 

Estamos ante la historia de un niño que pretende ayudar a aquellos que tiene cerca, cuyo único anhelo es mejorar "su mundo", el mundo de los que quiere, sin ser cosciente de la extensión que pueden conllevar sus actos. Con la dulzura y la ternura de sólo exigirle a su mecanismo que aquellos que participen en ella lo hagan basándose en acciones alejadas de los prejuicios y llenas de Altruismo, Trevor inicia un movimiento humano y moral de dimensiones incalculables.

Si a algo debe su éxito este largometraje es a la interpretación realizada por los tres actores principales, con un Kevin Spacey que dota de intensidad y realismo a un personaje con muchas más cicatrices de las que refleja su rostro, lo que le valió un Óscar, una Helen Hunt que presenta a una mujer fuerte pero imperfecta y llena de debilidades y un Haley Joel Osment que muestra todo su talento al presentar su personaje como un niño lleno de unas ganas enormes de luchar por cambiar el mundo.

Estamos ante una película que nos habla de realidades sociales como el alcoholismo, la drogadicción, la violencia, la resignación.... y que a base de conjugar amor, generosidad, humildad, bondad, amistad, sinceridad, respeto y tolerancia crea un ambiente para todo aquello que tiene que ver con un cambio interno de las personas, con un cambio en la percepción sobre la realidad y las relaciones con los demás. 

Lo brillante, lo especial, lo que sobresale por encima de todo en esta película es su mensaje, su enseñanza, ya que es un mensaje tan puro, que cuando la visionas te invade una sensación de querer ser mejor y una pregunta, esa que nos hace reflexionar sobre lo que has hecho hoy para mejorar el mundo, para mejorar la vida de los que te rodean, porque tal vez es el momento de que esa cadena de favores  deje de ser una utopía y empiece a convertirse en una realidad. 

Nos vemos en la próxima entrada, hasta entonces... ¡¡¡¡ SONRÍAN!!!!!

V de vendetta

Este post puede estar fuera de lugar ahora, no es 5 de noviembre y el calor de las manifestaciones populares en España ha descendido, pero me apetecía escribiros de esta fantástica película que sin duda tenéis que ver, si aún no lo habéis hecho.

V for Vendetta (2005), es la versión cinematográfica de la novela gráfica homónima escrita por Alan Moore y dibujada por David Lloyd en 1982. Los hermanos Wachowski prepararon el guión y la dirección fue encargada a James McTeigue. 

La película está protagonizada por Natalie Portman como Evey Hammond , una periodista que trabaja en la televisión pública británica, y  Hugo Weaving como el misterioso "V". Ambientada en un futuro donde la sociedad británica languidece bajo el yugo de un régimen autoritario, "V" hará todo lo posible para llevar a cabo su venganza. 

Pero hablar de "V de Vendetta" no es hablar de una historia usual, ya que, como ocurre en Matrix (la gran obra de los hermanos Wachowski), hay mucho más que una película de acción detrás. Hablar de "V de Vendetta" es hablar de política y de revolución, de libertades perdidas y como recuperarlas. 

La máscara representa a Guy Fawkes y es el símbolo elegido por "V" contra la tiranía del Adam Sutler y Fuego Nórdico. Todos tenemos algo en común, vivimos bajo el yugo de una tiranía. Pero somos más los que estamos abajo. Todos somos uno.

Fuego Nórdico controla los medios de comunicación, sus voceros hablan noche y día de los peligros que acechan y el caos que llegará. En definitiva, miedo, una poderosa herramienta usada demasiadas veces para recortar libertades que nos pertenecen. Miedo al emigrante, miedo al que es diferente, miedo a los enemigos de fuera o a los enemigos de dentro. Y por miedo es como esta sociedad ficticia se entrega a nuestro tirano. 

Y es que "V de Vendetta" hoy en día es más que una película y se usa como fuente de inspiración de ciertos movimientos sociales que creen que hemos perdido el control de nuestras instituciones en favor de intereses más poderosos.

Así su iconografía se puede ver en manifestaciones y es usada por grupos como Anonymous que plantean ciertos ataques cibernéticos. Fue bastante popular hace unos meses la imagen de algunos mandos policiales sujetando la ya famosa máscara como símbolo de la desarticulación de uno de estos grupos por presuntas actividades ilegales.

Y en mi opinión personal, este esperpento de rueda de prensa que se dio, salvando las distancias, sería similar a la teórica rueda de prensa que se daría si "V" hubiera sido capturado.

Pero como se dice en la película, las ideas, son a prueba de balas. 

Disfruten de esta fantástica película que aumentara sus ganas de revolución.

And the Oscar goes to...

Me vais a perdonar pero no puedo empezar este post sin hacer una mención a mis compañeros editores, ya que anoche fuimos los afortunados ganadores del premio 20Blogs en la categoría de Mejor Blog de Cine y Televisión, quería agradecéroslo a vosotros lectores, porque es por vosotros por lo que vale la pena escribir cada día, por ello en parte este premio es vuestro. Dicho lo cual no me enrollo más y me meto en harina. Hoy va la cosa de premios, como todos sabéis este domingo día 24 se entregan los premios Oscars y por ello quiero dedicar el tema de hoy a películas de Oscar, voy a hacer un repaso a las producciones que han estado nominadas y se han llevado la dorada estatuilla en la categoría de Mejor Película, en los últimos años. Lo primero que quiero decir es que yo soy un desastre haciendo quinielas, ningún año he acertado con la película que iba a ganar en este categoría, o mejor dicho ningún año le dan el Oscar a la película que yo quiero, pero bueno dicen que para gustos los colores y por lo que se ve a mí siempre me ha gustado desentonar.

Comenzamos haciendo un repaso a los Oscar del 2008, os preguntáis porqué tomo como punto de partida este año y no otro, muy fácil, porque por algún sitio tenía que empezar, no, es broma, elijo el 2008 porque fue el año de consagración de Javier Bardem, ya que consiguió su primer Oscar como actor de reparto gracias a la cinta de los hermanos Coen ‘No country for old men’ o ‘No es país para viejos’, que a su vez fue la ganadora a mejor película de ese año. El film es definido por muchos como obra maestra, nos encontramos a un asesino despiadado (interpretado magistralmente por Bardem), un asunto de drogas, dinero de por medio, un agente de la ley tratando de hacer bien su trabajo,… todos estos ingredientes combinados a la perfección por los hermanos Coen dieron el reconocimiento a la cinta. Pero, siempre hay un pero, no es ni de lejos mi peli favorita de los hermanos Coen, y no es por llevar la contraria, a mí me gustan los Coen, y mucho, pero me gustan cuando hacen humor negro y esta, aunque tiene sus puntos, no me termina de llenar, si me tengo que quedar con una película “seria” de estos directores elijo sin duda la revisión del clásico ‘True Grit’ o ‘Valor de ley’, bien es cierto que  el Western me pierde. Aquí os dejo el tráiler de ‘No country for old men’ por si alguien no la ha visto y tiene curiosidad, y decir, que este año yo aposte por la elocuente ‘Juno’ y el drama romántico ‘Atonement’ o ‘Expiación más allá de la pasión’. 


Año 2009,  mi favorita estaba clarísima, una peli de David Fincher, uno de mis cineastas favoritos, protagonizada por Brad Pitt, una historia emotiva, original,… pero, ‘The Curios Case of Benjamin Button' o ‘El Curioso Caso de Benjamin Button’, no lo consiguió (ni Brad Pitt tampoco, dicho sea de paso, le arrebató el Oscar Sean Penn haciendo de político homosexual). En esta ocasión mi cabreo era doble porque ‘The Dark Night’ /’El caballero Oscuro’ ni siquiera había sido nominada a mejor película. Quien sí se llevo el premio fue ‘Slumdog Millonaire’, que nos cuenta la historia un joven pobre de Bombay, Jamal Malik, que está a punto de ganar la versión hindú del concurso ¿Quién quiere ser Millonario?, pero es interrogado por la policía porque se sospecha que hace trampas, a partir de ahí una serie de flashback nos introducen en la dura vida del joven Jamal; y hasta aquí puedo leer. El problema que  tengo con esta película es que ciertas situaciones son tan crudas que me amargan, y no me dejó un buen sabor de boca por así decirlo. Me sigo quedando con el clásico de Danny Boyle ‘Trainspotting’, esa película sí que cambió mi vida. Aquí tenéis el tráiler de ‘Slumdog Millonaire’.


En 2010 yo tenía también mi favorita, apostaba por Tarantino y la primera de su trilogía de venganzas ‘Inglourious Basterds’/‘Malditos Bastardos’, aunque no me hubiera importado que el premio se lo hubieran dado a otras como ‘An Education’, ‘Precious’, ‘Up’, ‘Up in the Air’ o ‘The Blind Side’; lo que si tenía claro es que no quería que el premio fuera para ‘Avatar’, esa peli que nos vendieron tan bien, pero que para mí no era más que una revisión de la historia de 'Pocahontas', solo que cambiaban a los indios por extraterrestres de color azul. Pero esta vez la sorpresa la dio Kathryn Bigelow con ‘The Hurt Locker’/’En Tierra Hostil', el morbo en esta ocasión estaba servido porque competía contra su ex marido, James Cameron, director de ‘Avatar’. ‘The Hurt Locker’ es un film bélico que narra las experiencias de un grupo de artificieros norteamericanos destinados en Irak, película magistralmente dirigida por Bigelow que te envuelve en una atmósfera totalmente realista, te mantiene en tensión y no te deja despegarte del asiento en lo que dura el metraje. Pero a pesar de lo entretenida, una vez más, no era mi preferida de ese año.


Llegamos al año 2011, y en esta ocasión no sufrí tanta decepción porque el premio fue a parar a ‘The King's Speech’/ ‘El Discurso del Rey’, con una magistral interpretación de Colin Firth, que también se vio recompensada con estatuilla. Este film histórico basado en hechos reales, narra cómo trata de superar sus problemas de tartamudez el Rey Jorge VI de Inglaterra (padre de la actual monarca Isabel II), quien debido a su cargo se ve obligado a pronunciar discursos y cuyo problema en el habla le supone un autentico trauma, pero para solucionarlo recurre a Lionel Logue, un logopeda australiano, cuyas técnicas poco ortodoxas consiguen la mejoría del monarca. Recomiendo encarecidamente este film a todos aquellos que no hayan tenido la oportunidad de disfrutarlo, a mi me pareció muy divertido, pero si me permitís un consejo deberíais verlo en V.O., porque la versión doblada hace que pierdan bastante las actuaciones. Aunque este año mi favorita era la ya mencionada anteriormente ‘True Grit’ de los hermanos Coen. Fue un año con pelis muy majas, también os recomiendo ‘Winter´s Bone’, ‘Inception’/’Origen’, ’The Social Network’/’La Red Social’ y ‘Toy Story 3’. Matadme si queréis pero no os puedo recomendar ni ‘Black Swan’/’Cisne Negro’, lo siento, sé que está entre vuestras favoritas, pero a mí no me gusto nada, solo puedo alabar la maravillosa tarea en la dirección de Aronofsky, pero el argumento me pareció propio de tv movie de las que te ponen los fines de semana en los canales generalistas, ya lo he dicho. Así como tampoco recomiendo ‘The Kids are All Right ‘/‘Los chicos están bien’, ¿en serio que esta última fue nominada a mejor película?, la que creía que iba a ser la mar de entretenida me pareció un pestiño de principio a fin. Bueno después de haber aumentado mi lista de enemigos os dejo con el tráiler de ‘The King´s Speech’.


Llegamos al pasado año, Oscars 2012, me gustaba, y mucho ‘The Descendants’/’Los Descendientes’ (con un magnifico George Clooney dejando de lado su papel de seductor); me encantaba ‘The Help’/’Criadas y Señoras’ (donde todas las actrices estaban estupendas); también apostaba por ‘Moneyball’ (con otra actuación sobresaliente de Brad Pitt, al cual se niegan a darle el Oscar, quizás sea demasiado guapo para este galardón); pero la que no me gustaba tanto era ‘The Artist’, y el premio fue a parar a manos, como no, de ‘The Artist’. En esta ocasión los académicos apostaron por la originalidad de este film francés mudo y en blanco y negro, que narra las andanzas de un famoso actor de los años 20 que ve como su carrera peligra con la llegada del cine sonoro. Aquí podéis ver el tráiler.


Este próximo domingo compiten por el galardón a Mejor Película: ‘Amour’, ‘Argo’, ‘Beasts of the Southern Wild’/’Bestias del Sur Salvaje’, ‘Django Unchained’, ‘Les Misérables’/’Los Miserables’, ‘Life of Pi’/’La Vida de Pi’, ‘Lincoln’, ‘Silver Linings Playbook’/El lado bueno de las cosas’ y ‘Zero Dark Thirty’/’La Noche Más Oscura’. Mis favoritas son ‘Argo’, ‘Django Unchained’ y ‘Zero Dark Thrity’, pero como ha quedado sobradamente demostrado yo nunca acierto, solo me queda decir el clásico “la suerte está echada y que gane la mejor”.

En busca de la Libertad... Cadena Perpetua

Según Descartes, la libertad consiste en que "... para afirmar o negar, perseguir o evitar, las cosas que el entendimiento nos propone, obramos de manera tal que no sentimos que ninguna fuerza fuerce", a lo que  Aristóteles añadió que "... es un estado ligado a la capacidad de decidir, pero también a la moral". Como podréis intuir tras las definiciones anteriores, la libertad es un concepto abstracto de muy difícil definición, pero a la vez muy cercano, ya que si algo ha caracterizado al ser humano, ha sido la búsqueda incansable de una libertad personal y espiritual. Ahora, sin dejar de pensar en tan anhelado estado descrito por los filósofos, imaginemos una película que narre el camino para encontrarla, en la que el protagonista cuente con la única ayuda de una "mochila" cargada de ganas de vivir, esperanza y superación. Pues bien, ya podéis dejar de imaginar y poneros delante de la pantalla para disfrutar de Cadena Perpetua, una auténtica joya del séptimo arte.

Basada en el relato de Stephen King "Esperanza, primavera eterna: Rita Hayworth y la redención de Shawshank", el director Frank Darabont nos cuenta la historia de Andrew "Andy" Dufresne (Tim Robbins), joven banquero acusado injustamente del asesinato de su mujer y condenado a cadena perpetua en la prisión de Shawshank. El relato nos desarolla a un protagonista  que gracias a su inteligencia y  habilidades, llegará a ser un personaje importante y respetado dentro de la prisión, incluso por Red (Morgan Freeman) quien tras un acto terrible en su juventud lleva toda la vida en prisión y ejerce como jefe de la mafia de los sobornos.

Guiados por la voz en off pausada del preso Red, Fran Darabont roza la perfección narrando dos décadas en las que los personajes van"cayendo embrujados por los muros de piedra de la enorme prisión". Estamos ante un guión con un excelente ritmo e intensidad, con un cuidado tono y con una atmósfera de elegancia y humildad, en el cual se contraponen escenas tan duras que golpean tu interior, con otras de una belleza increíble y cuidada, transmitiendo una mágica sensación de serenidad y tranquilidad. Además, la historia se encuentra adornada por una magistral fotografía, una excelente dirección artística y una muy acertada banda sonora cuidada por Thomas Newman, sin la cual sería imposible entender el relato. 

Cadena Perpetua es una película que nos habla de valores como la amistad, la fraternidad, el compañerismo, a la vez que consigue llegar al espectador con sentimientos como la esperanza y las ganas de vivir. Si todavía no has disfrutado de ella, no dejes pasar más tiempo, te aseguro que después de visionarla tendrás una revitalizante sensación para afrontar los problemas con valentía, positivismo, voluntad y trabajo. Una auténtica lección de vida en estos días en los que olvidar esos valores resulta tan fácil...

Nos vemos en la próxima entrada, hasta entonces... ¡¡¡¡¡ DISFRUTAD CADA MINUTO Y NO DEJÉIS NUNCA DE SONREÍR!!!!!

M

Una vez más me presento ante la pantalla de vuestro ordenador con un reto del cual puedo no salir muy airoso: intentar convenceros de que veais una película de una época en la que vuestros abuelos ni siquiera habían nacido o se encontraban en la edad de la inocencia. 

Hace unas semanas os traje un post en el que comentaba que había pocas películas que salvaba de la década de los 30, y esta semana aprovecho para hablar de esa película que tenía en mente cuando dije eso, se trata de M, sí, ese es el título de la película, una sola letra, aunque en España, fue conocida como M: El vampiro de Dusseldorf.

Filmada en 1931 por el cineasta austriaco Fritz Lang, director de otras películas como Metropolis (1927), también conocida por ser la película favorita de Hitler, (además de dar nombre a un conocido bar de tapas de Granada) o Furia (1936), primera película de su aventura americana tras escapar de Alemania por discrepancias ideológicas con el régimen nazi, e interpretada por un Spencer Tracy soberbio, otra película altamente recomendable.
Por lo que he podido ver hasta ahora, Fritz Lang es mi director de cine clásico favorito junto a Charles Chaplin, aunque también es verdad que hay nombres importantes y filmografía que me queda por ver de ilustres figuras como John Ford o Frank Capra.

Tras esta introducción para situaros más o menos el ambiente en que fué rodada la película, vamos al lío, o como dirían los angloparlantes, "come on to the mess".

Anécdotas de Hannah y sus hermanas (1986) de Woody Allen

'The only absolute knowledge attainable by man is that life is meaningless' (Tolstoy) es el tipo de frases que te encontrarás en las películas del Woody Allen de los 70-80, y es una de las conclusiones más significativas de 'Hannah y sus hermanas'. Woody Allen piensa e incita a pensar y consigue ponerte en la piel del filósofo que lo analiza y lo cuestiona todo para hacer abrir la mente hacia otras formas de ver las cosas esenciales ¿Por qué? ¿y por qué no?

Esta vez, no voy a resumir el argumento de esta película, no voy a dar datos ni a analizarla, ni a hablar de los actores, ni siquiera voy a recomendarla, porque me voy a permitir el lujo de ser completamente subjetiva. Esta vez, voy escribir sobre detalles del guión que le contaría a un amigo para despertar alguna carcajada que otra durante un café de invierno. Y es que las películas del hiperactivo Woody Allen de esta etapa, con una, dos y hasta tres por año, me dejan tal sensación de libertad y sonrisa en la cara que es imposible ser objetiva. Woody Allen no es sólo un cineasta, es un filósofo conocedor de sus herramientas: el cine. Únicos datos (no puedo evitarlo): dirigida, escrita y protagonizada por Woody Allen.

Su personaje es a su estilo: hipocondriaco, neurótico, crítico y cínico. Como buen hipocondriaco visita al médico más de dos veces al mes. Pero ¿qué es lo peor que le podía pasar a un hipocondriaco? Que le digan que 'puede' que padezca algo, y en este caso... ni más ni menos que un tumor. Sin más, lo exagera y comienza a investigar y hacer un análisis sobre las ventajas y desventajas que ofrecen las distintas religiones después de la muerte, aun siendo judío de nacimiento. 

Mickey's Father: And you're gonna believe in Jesus Christ? 

Mickey: I know - sounds funny. But, I'm gonna give it a try.

En esta película verás esas 'peores citas del mundo' en la que las dos personas se sienten tan inseguras que creen que no encajan ni con ellas mismas. 

[en un concierto de música punk]

Holly: Don't you just love songs about extra-terrestrial life? 

Mickey: Not if they're sung by extra-terrestrials. 

Verás historias sobre líos, relaciones y aventuras amorosas con ese toque romántico pintado por las calles de NY y un ritmo jazz estilo 'Take de A train'. Hannah y sus dos hermanas son enormemente diferentes, y hay tal revoltijo de personajes y personalidades que es casi imposible no simpatizar ni sentirse identificado con alguno de ellos. 

[después de descubrir que Mickey es estéril]

Hannah: Could you have ruined yourself somehow? 

Mickey: How could I ruin myself? 

Hannah: I don't know. Excessive masturbation? 

Mickey: You gonna start knocking my hobbies? 

Woody Allen es capaz de escenificar emociones extremas, pasiones, placeres, perversiones y vicios con un toque cínico y divertido, y consigue meterte en ellos de tal forma que puedes llegar a comprenderlas como si las vivieras en tu propia piel. Al fin y al cabo, como dice Woody Allen, 'todos somos un poco neuróticos'. 

Mickey: A week ago I bought a rifle, I went to the store - I bought a rifle! I was gonna, you know, if they told me I had a tumor, I was gonna kill myself. The only thing that might have stopped me - MIGHT'VE - is that my parents would be devastated. I would have to shoot them also, first. And then I have an aunt and uncle - you know - it would've been a blood bath.

Woody Allen es así.

Un soplo de vida... La vida es bella

Pensemos en una bella historia de amor, en el comienzo de una bonita relación, en esas sonrisas, en la ilusión de los primeros días, en que alguien te alegra la mañana con un mágico "Buenos días princesa", y pensemos también en el horror, en un campo de concentración, en la violencia, en el miedo, en la injusticia... Ahora, imaginemos que juntamos esos dos escenarios en una de esas películas que quedan grabadas en la retina... Pues ya podéis dejar de imaginar, porque esa auténtica obra maestra existe y su título no podía ser otro que "La Vida es Bella".

Basada en el libro de Rubino Romeo Salmoni, "Al final derroté a Hitler" y en la experiencia del escritor, director y protagonista Roberto Benigni, la historia nos muestra toda la belleza de la Italia de los años 30, donde Guido Orefice (Roberto Benigni) simpático y feliz judio, inocente soñador, poeta intrépido, enamora gracias a su caracter jovial y a sus fantásticas ocurrencias a la profesora Dora (Nicoletta Braschi) con quien se casara y tendrá un hijo Guiosué (Giorgio Cantarini). La vida de la feliz familia transcurre tranquila, hasta que la ciudad es tomada por los nazis y son enviados a un campo de concentración, donde Guido, para evitar que su hijo sufra con todo el temor y el miedo que hay a su alrededor, le hace creer que están participando en un juego.

La historia, comedia dramática amarga y tierna como la mirada del engatusado niño, ofrece un valioso y duro alegato contra el horror nazi con el punto de mira en los terribles e infames campos de concentración, y una alegoría contra la intolerancia, tanto racial como ideológica, y las penurias de la guerra. En esta obra Roberto Benigni muestra la tragedia de las barbaridades nazis con un estudiado sentido del humor y una cuidada ternura.

Estamos ante un precioso relato, que nos recuerda que aún en las situaciones más terribles, es posible encontrar la alegría y la ilusión de vivir, a través de los que tenemos a nuestro alrededor. Una auténtica lección de vida, una auténtica forma de afrontar los problemas y una obligación de encontrar esa belleza cada día.

Nos vemos en la próxima entrada, hasta entonces… hoy más que nunca… ¡¡¡¡¡ SONRÍAN!!!!!

Capitanes intrépidos (1937)

Antes de nada, antes de empezar a contaros algo sobre la película, tengo que pediros algo: no sintáis rechazo hacia ella por el mero hecho de ser antigua, dejad de lado los prejuicios que podáis tener por este motivo, ya que no os traería algo que no mereciera la pena de verdad. Sólo unas pocas películas de la década de los 30 han pasado la criba necesaria para pensar que son merecedoras de ser recomendadas, y esta es una de ellas.

Por si sirve de aliciente, os diré que está dirigida por Victor Fleming... y vosotros pensaréis, ¿y quién es ese? pues alguien que unos años después, en 1939, rodaría un par de películas que puede que os suenen de algo: por un lado, El mago de Oz con una maravillosa Judy Garland, que interpreta una de las canciones que han pasado a la historia del cine; por otro lado, la película de mayor duración en ganar el Óscar a mejor película con sus 234 minutacos, todo un clásico del cine, Lo que el viento se llevó, ganadora de 8 de las 13 nominaciones a las que optaba, entre ellas mejor película y actriz protagonista.

Breve encuentro, 1945

Hay películas que nacen con la única intención de transmitir y revivir algunas de las más íntimas emociones, conflictos y experiencias personales; películas de sensaciones, de sentimientos... películas donde el argumento es lo menos relevante, aquellas que buscan la autenticidad y que consiguen la simbiosis perfecta entre lo que vemos en pantalla y lo que sentimos en lo más profundo del alma. Este es el caso de Breve encuentro, el clásico de David Lean que pasa por ser una de las historias de amor más bellas que ha dado el séptimo arte.

Breve encuentro es el relato agridulce de dos amantes, una historia de amor condenada por las circunstancias desde el principio.

 Si la película funciona es sencillamente por la exquisita química entre sus dos estrellas, Celia Johnson y Trevor Howard, y por la banda sonora que, dicho sea de paso, merecería un capítulo aparte. El Concierto para piano nº2 de Rachmaninoff dota a la película de una fuerza emotiva incomparable. Es una de esas canciones que uno asocia inmediatamente con la película, uno de esos temas que se quedan para siempre en nuestro subconsciente.


En cuanto a las interpretaciones, Celia Johnson y Trevor Howard no son dos actores, son dos desconocidos en un andén. Es algo que el espectador asume en cuanto se deja atrapar por el primer cruce de miradas. Todo se desenvuelve de forma tan natural que incluso la infidelidad se presenta como algo casi inevitable. Y es que Laura y Alec son dos personas casadas que, sin pretenderlo, se enamoran perdidamente. Sin embargo su integridad y la rectitud de su conciencia moral les llevan a optar por la única solución posible; esa solución que dice que en esta vida no todo vale.

-¿Puedo ayudarla?
-No, gracias. Es algo que me ha entrado en el ojo.
-Permítame que lo vea, soy médico.
-Es usted muy amable.
-Vuélvase hacia la luz, por favor. Mire hacia arriba. Hacia abajo. Quieta, ya lo veo. Ya está.
-¡Qué descanso! Era molestísimo.
-Parece una arenilla.
-Fue al pasar el expreso, muchas gracias. He tenido suerte de encontrarle a usted.
-Cualquiera lo hubiera hecho.
-Pero ha sido usted, y se lo agradezco.

Breve encuentro es una de esas películas que sobreviven en el recuerdo, que evocan la mismísima esencia del romanticismo pero sin el toque meloso y cursi que destilan otras obras del género. Una película atemporal. Sencillamente... es una de esas películas que tienes que ver.

Kevin Smith, director de culto. Parte I. Clerks.

Hoy quiero hablaros del gran Kevin Smith y su producción como director, que empezó como director de cine independiente de la manos de una de sus dos mejores obras para mi gusto: Clerks.

La frase que se puede leer en la cartelera ya nos indica un poco por dónde van los tiros. "Just because they serve you doesn't mean they like you". Para quien no tenga un nivel de suficiente de inglés o de uso de traductor online: "Sólo porque ellos te sirven no significa que les gustes".

Los protagonistas de esta película son dos dependientes de un establecimiento comercial de la ciudad de Nueva Jersey: Dante, dependiente de una tienda tipo kiosko; y Randal, dependiente de un videoclub. El primero se mostrará muy servicial y hasta calzonazos, mientras que el segundo será borde, maleducado y vago.

La película cuenta un día en la vida de nuestros protagonistas, centrándose más bien en Dante. Éste precisamente acude al trabajo en su día libre como un favor a su jefe, teniendo que quedarse hasta las 12 horas del mediodía, hora en la que el jefe se supone que llegará. Sin embargo, el tiempo va pasando y el jefe no llega, estropeando sus planes para ese día. Por si esto fuera poco, tendrá problemas tanto con su novia actual como con una de sus exnovias, la que fue su amor de instituto.

Randal por su parte llegará tarde a su puesto de trabajo, como parece ser que es costumbre. Empleará la mayor parte de su jornada laboral pasando el rato y hablando (o más bien discutiendo) con Dante, o bien siendo maleducado con la clientela.

Además de estos dos personajes (pero personajes PERSONAJES), también disfrutaremos de la aparición de un cliente tras otro cada cual más disparatado y absurdo que el anterior.

A todo esto además hay que añadir al dúo de vendedores de coca y farlopa más famoso de Nueva Jersey: Jay y Bob el silencioso. Esta dispar pareja aparece en la mayor parte de las películas de Kevin Smith, con unas pocas excepciones, e incluso protagonizan su propia película: Jay y Bob el silencioso contraatacan. El segundo de ellos, Bob el silencioso, es interpretado por el propio Kevin, un personaje que prácticamente no abre la boca en toda la película (de hecho en todas las que aparece), excepto para soltar una frase o sentencia de esas que quieren hacer pensar y transmitir sabiduría; puede que al nivel de las mismísimas frases lapidarias del teniente Horatio Caine precanción de CSI Miami.

La película está rodada completamente en blanco y negro, y se desarrollará casi exclusivamente en un único escenario: la tienda. La película tuvo un presupuesto realmente bajo, unos 27.575 dólares, y Kevin Smith obtuvo su presupuesto vendiendo gran parte de su extensa colección de comics, así como gastando tarjetas de crédito hasta su límite de 2000 dólares (si queréis saber cómo se hace eso preguntadle a él). Tras "El proyecto de la bruja de Blair", Clerks es la peli con mayores ganancias en proporción a su coste de producción.

Con motivo del próximo concurso de Crónicas de Valhalla y puesto que uno de los premios tiene temática sobre la Guerra de las Galaxias, os pongo un breve fragmento de la película en la que Randal y Dante discuten sobre la trilogía clásica.

Una de las cosas que más me gustan de la película es cómo los dialogos absorben al espectador a pesar de que la escenografía es de lo más sencilla. Además la película posee un valor añadido en forma de moraleja.

En éste caso Kevin Smith por medio de su película quiere destacar el hecho de que no hay que quejarse y soportar los problemas que uno tiene, como es un trabajo aburrido, mal pagado y en el que tienes que soportar a gente insoportable además de un jefe explotador. No. Lo que nos sugiere es que en lugar de lamentarnos luchemos por cambiar y mejorar nuestra situación, ser dueños de nuestras vidas. Y para ello Kevin Smith elige el mejor escenario posible: la tienda en la que él mismo estuvo trabajando para ganarse la vida hasta conseguir prosperar en la industria del cine.

Retomaré en futuros posts a éste director junto con alguna otra de sus obras. Tengo en mente concretamente su segunda obra: Mallrats.